История одной картины, выкладываем сюда) Опции

[Ирэна]

Василий Иванович Суриков. "Боярыня Морозова".
1884-1887 годы. Холст, масло. 304 x 587,5 см. Государственная Третьяковская галерея.

Василий Иванович Суриков — великий русский исторический живописец, но сказать про него только это недостаточно: в искусстве Сурикова воплотился национальный гений. Значение его творчества осознается не сразу, а лишь с течением жизни, когда человек приобретет опыт, знания, разовьет разум, воспитает в себе душевную мудрость. Постижение искусства Сурикова столь же радостно и сложно, как постижение поэзии Пушкина.
Среди картин мастера «Боярыня Морозова» занимает едва ли не главное место. Она была показана впервые на выставке 1887 года в Петербурге, когда Суриков стал уже известным художником, автором «Утра стрелецкой казни» и «Меншикова в Березове». Тем не менее новое произведение вызвало весьма различные отклики. Только три человека оценили картину положительно: писатели В. Короленко, В. Гаршин и художественный критик В. Стасов.
Всеобщее признание пришло к ней, как почти ко всякому шедевру, значительно позднее.
Когда хотят понять художественное произведение, решают три вопроса. Во-первых, определяют, что хотел сказать автор картиной. Во-вторых, как он высказал свою мысль изобразительно. Третий вопрос: что же получилось? В чем смысл и значение произведения? Постараемся определить задачу Сурикова в картине «Боярыня Морозова». Посмотрим, каков сюжет картины?
Обратимся сначала к русской истории трехсотлетней давности. Царь Алексей Михайлович под давлением патриарха Никона провел церковную реформу, которая предписывала некоторые изменения, в том числе и в церковных обрядах. Например, если раньше люди крестились двумя перстами, то теперь нужно было креститься тремя. Подобные нововведения вызвали недовольство в народе, перешедшее в противоборство церковной реформе, нередко доходившее до фанатизма. Произошел раскол. Тех, кто не хотел подчиниться царскому указу, называли раскольниками. Вскоре их начали жестоко преследовать — отправляли в ссылку, бросали в земляные ямы или подвалы с крысами, сжигали живьем. Но раскольники не сдавались, среди них были люди всех слоев населения — от крестьян, нищих и ремесленников до купцов, бояр и князей. Некоторые пользовались широкой известностью и большим влиянием в народе. Именно такой раскольницей стала боярыня Морозова, человек необычайной духовной силы.
К тому времени, когда художник писал картину, церковная реформа, так остро воспринятая народом в XVII веке, уже никого не волновала, в том числе и самого художника. Почему же Суриков избрал подобный сюжет? В русской действительности можно найти много примеров, когда люди жертвовали собою ради идеи, что было важнейшей национальной чертой народа. История Морозовой давала возможность выразить и прославить эту черту, тем и привлекла мастера ее трагедия, а вовсе не сутью раскольничьей деятельности боярыни.
Таким образом, главной задачей Суриков считал воплощение идеи самопожертвования ради убеждений. Он окружил Морозову различными людьми — взрослыми и детьми, мужчинами и женщинами, боярами и нищими, странниками и монахинями, купцами и ремесленниками, попами и стрельцами,— чтобы показать, как народ относится к подвигу Морозовой. Вторая задача стала не менее грандиозной, чем первая. Соединение двух задач рождало третью — воплотить образ русского народа в трагический, напряженный момент жизни.
То, что мы видим на картине, произошло 17 или 18 ноября 1671 г. (7180-го по старинному счету "от сотворения мира"). Боярыня уже три дня сидела под стражей "в людских хоромах в подклете" своего московского дома. Теперь ей "возложили чепь на выю", посадили на дровни и повезли в заточение. Когда сани поравнялись с Чудовым монастырем, Морозова подняла правую руку и, "ясно изобразивши сложение перст (старообрядческое двуперстие), высоце вознося, крестом ся часто ограждше, чепию же такожде часто звяцаше". Именно эту сцену "Повести о боярыне Морозовой" выбрал живописец.
На картине Сурикова боярыня обращается к московской толпе, к простолюдинам - к страннику с посохом, к старухе-нищенке, к юродивому, и они не скрывают своего сочувствия вельможной узнице. Так и было: мы знаем, что за старую веру поднялись низы, для которых посягательство властей на освященный веками обряд означало посягательство на весь уклад жизни, означало насилие и гнет. Мы знаем, что в доме боярыни находили хлеб и кров и странники, и нищие, и юродивые. Мы знаем, что люди ее сословия ставили Морозовой в вину как раз приверженность к "простецам": "Приимала еси в дом... юродивых и прочих таковых... их учения держася". Но был еще один человек, к которому в тот ноябрьский день простирала два перста Морозова, для которого она бряцала цепями. Этот человек - царь Алексей Михайлович. Для царя она была камнем преткновения: ведь речь шла не о рядовой ослушнице, а о Морозовой - это имя громко звучало в XVII веке!
Кроме эскизов, Суриков исполнил десятки этюдов маслом, акварелью и карандашом. В его работе над картиной наиболее ярко выразился натурный метод.
Художник для каждого персонажа искал реальный прототип в жизни, конкретных людей, писал с них этюды и уже по ним изображал фигуру в картине. Иногда быстро находил нужную натуру, чаще на поиски уходило много времени. Он изучал натуру на московских улицах, кладбищах, в церквах и кабаках, но чтобы искать, нужно четко представлять, что тебе нужно.
Из воспоминаний Василия Ивановича Сурикова:

"Все с натуры писал: и сани, и дровни. Мы на Долгоруковской жили. (Тогда ее еще Новой Слободой звали). У Подвисков в доме Збук.

Там в переулке всегда были глубокие сугробы, и ухабы, и розвальней много. Я все за розвальнями ходил, смотрел, как они след оставляют, на раскатах особенно.

Как снег глубокий выпадет, попросишь во дворе на розвальнях проехать, чтобы снег развалило, а потом начнешь колею писать.

И чувствуешь здесь всю бедность красок.

И переулки все искал, смотрел; и крыши где высокие. А церковь-то в глубине картины - это Николы, что на Долгоруковской. (А церковь-то ~ это Николы, что на Долгоруковской. - Церковь Николы на Долгоруковской (ныне Новослободской) улице (1703). Ныне не существует.)

Самую картину я начал в 1885 году писать; в Мытищах жил - последняя избушка с краю. И тут я штрихи ловил."

Редко бывало, чтобы этюд переносился в холст без изменений, потому что найти в жизни точно такого человека, которого Суриков видел внутренним взором, невозможно. Обычно художник, основываясь на этюде, изменял его в других подготовительных рисунках, иногда по многу раз.
Сохранившийся материал показывает, какой гигантский путь прошел Суриков, прежде чем написал картину.
Образ боярыни дался Сурикову не сразу: «...я на картине сперва толпу нарисовал, а ее после"... Суриков долго не находил нужную натуру, хотя исполнил несколько этюдов — отдельные головы и сидящие в санях фигуры. Одежда, поза, жест, положение фигуры в санях — все было определено в предварительных работах, не хватало только лица.
"... И как ни напишу ее лицо — толпа бьет. Очень трудно ее лицо было найти. Ведь сколько времени я его искал. Все лицо мелко было. В толпе терялось». И этому веришь. Уж слишком ярки и выразительны оказались образы в толпе, и они оттесняли лицо Морозовой.
Конечно, можно было пойти по другому пути — несколько притушить напряженную и цветовую активность толпы и тем самым прибавить силы образу боярыни. Но то был выход не для Сурикова. После долгих поисков он наконец увидел лицо одной уральской старообрядки, приехавшей в Москву:
«Я с нее написал этюд в садике, в два часа. И как вставил ее в картину — она всех победила».
Что значит — победила? Это значит, что сила и значительность образа Морозовой стала выше силы и значительности образов толпы. Могли среди провожающих встретиться люди с таким же накалом духовной стойкости? Безусловно, могли. А почему же художник не показал их в толпе? Надо полагать, по двум причинам.
Во-первых, исходя из психологической правды: у пассивного наблюдателя эта стойкость не может проявиться с такой силой, как у человека, которому пришло время решать вопрос жизни и смерти.
Во-вторых, если бы художник изобразил в толпе людей, близких по накалу главному образу, то это была бы уже картина не о трагедии Морозовой, а о чем-то другом.


Боярыня Морозова.
Этюд. 1886 год. Холст, масло.


Боярыня Морозова.
Этюд. 1886 год. Холст, масло.

[Ирэна]

Эдвард Мунк «Крик»



Картина «Крик» самая известная картина норвежского художника Эдварда Мунка (1863 – 1944), одно из самых выразительных полотен экспрессионизма. Такую картину современные издатели массовой литературы могли бы уверенно поместить в подборку с названием типа «Десять самых ужасающих картин в истории».
Произведение выполнено художником, как минимум, в пяти версиях (два варианта – масляная живопись, два варианта – пастель, один вариант – литография) и являет собой хрестоматийный пример понятности живописи широкому кругу зрителей. Живопись сложного эмоционального клубка, живопись не внешних форм и цветов, а внутренний выплеск, переданный кистью и красками, ясно и недвусмысленно ощущается людьми. Что хотел сказать Эдвард Мунк? По-моему, вот прямо, что хотел, то и сказал! И все услышали: множество отсылок в массовой культуре, ажиотаж среди коллекционеров, обращения к «Крику» других художников, масса интерпретаций искусствоведов, психиатров, социологов, просто большие деньги на аукционах, и, как справедливо отмечается, деньги платятся не столько за имя живописца, сколько именно за само произведение. И всё это одна сторона дела...
Ко времени написания первого варианта картины (1893 год) жизнь тридцатилетнего Мунка наполнена опытом боли и отчаяния. Даже читать пересказы о том, как умирала его сестра, когда ему было четырнадцать лет, нечаянно представлять, как она молила о спасении и понимать при этом бессилие отца и брата, даже читать это трудно. Что уж говорить о его переживаниях. С 1880 года Эдвард Мунк начинает делиться своими эмоциями, рисуя первые серьёзные картины. И получает жёсткий отказ от норвежского общества. Молодой художник ссорится с отцом-католиком (а его мама умерла, ещё когда ему было пять лет) и уезжает из Норвегии.
Мунк выставляется с переменным успехом во Франции, Германии, снова в Норвегии. Бедность, одиночество, меланхолия… В 1890 году, находясь в Сен Клу под Парижем, Мунк получает известие о смерти отца.
1893 год. Мунк снова в Норвегии, Осло (тогда этот город назывался Христианией), обычная прогулка… «я шёл…», «вдруг…», «неожиданно…», «приостановился, почувствовав…», «дрожа от волнения…» — в этом весь экспрессионизм и для Мунка такие неожиданные спотыкания об реальность тоже типичны. Исследователи отмечают пристрастие Эдварда Мунка к дневниковым записям. Даже рама недавно проданного на Сотбисе одного из вариантов «Крика», содержит авторскую надпись – «историю» создания произведения. Мунк сам объяснил как родился замысел этой картины. «Я шел по дороге с друзьями. Садилось солнце. Небо стало кроваво-красным. Меня охватила тоска. Я стоял смертельно усталый на фоне темной синевы. Фьорд и город повисли в огненных языках пламени. Я отстал от друзей. Дрожа от страха, я услышал крик природы», - выгравировано на рамке проданного лота рукой Мунка.



Красноватое небо, возможно, было вызвано извержением вулкана Кракатау в 1883 году. Вулканический пепел окрасил небо в красноватый цвет в восточной части США, Европы и Азии с ноября 1883 по февраль 1884.
Фигура на переднем плане, вероятно, изображает самого художника, не кричащего, а наоборот, защищающего себя от крика природы. В этом смысле, поза, в которой он себя изображает, может быть рефлекторной реакцией человека, старающегося спастись от сильного шума, реального или вымышленного.
«Крик» обращается к коллективному, бессознательному. Какой национальности бы вы ни были, убеждений или возраста, вы хотя бы однажды наверняка испытали такое же экзистенциональное чувство ужаса, особенно, в век насилия и саморазрушения, когда каждый борется за выживание.
Некоторые считают , что холст Мунка стал пророческой работой, предрекшей 20-й век с его двумя мировыми войнами, холокостом, экологическими катастрофами и ядерным оружием.
Три другие версии «Крика» не раз похищали из музеев, однако они неизменно возвращались владельцам.



Проданная на аукционе Sotheby's в Нью-Йорке картина «Крик» выполнена пастелью. Ранее она принадлежала сыну миллиардера Томаса Олсена и никогда не демонстрировалась широкой публике. При этом эта версия «Крика» является одной из самых узнаваемых в истории произведений искусства, наравне с «Подсолнухами» Ван Гога или «Черным квадратом» Малевича.
Мунк сам продал Олсену эту картину в конце 19 века, норвежский судовладелец, который жил по соседству, был другом и покровителем художника. Сообщается, что картина по-прежнему помещена в простую раму, которую создал для нее сам Эдвард Мунк.



На аукционе она была продана за 12 минут и установила абсолютный рекорд по стоимости когда-либо ранее проданных произведений искусства – 19,1 миллионов долларов. За последнее десятилетие барьер в 100 млн долларов удалось взять лишь трем произведениям искусства – двум картинам Пикассо и одной скульптуре Альберто Джакометти. «Крик» побил рекорд, установленный картиной Пабло Пикассо «Обнаженная, зеленые листья и бюст», которая была продана в 2010 году за 106,5 миллиона долларов.
Существует мнение, что картины прокляты. Мистика, по словам искусствоведа и специалиста по Мунку Александра Пруфрока, подтверждается реальными историями. Десятки людей, так или иначе входивших в контакт с полотном заболевали, ссорились с близкими, впадали в тяжелую депрессию или внезапно умирали. Все это создало картине недобрую славу, и посетители музея в Осло с опаской поглядывали на нее.
Однажды музейный служащий нечаянно уронил полотно. Спустя какое-то время у него начались страшные головные боли, припадки становились сильнее и в конце-концов он покончил с собой.
Есть также версия, что эта картина — частично плод психического расстройства художника. Есть сведения, что Мунк страдал маниакально-депрессивным психозом, так как тяжело пережил в раннем детстве смерть сестры.
«Мунк неустанно воспроизводил «Крик», словно таким образом пытаясь избавиться от него, — до тех пор, пока не прошёл курс лечения в клинике. С победой над психозом он утерял способность (или необходимость) делать это», - сказано на сайте «Энциклопедия искусства».

[Ирэна]

В одном из тихих уголков Милана, затерявшихся в кружеве узеньких улиц, стоит церковь Санта Мария делла Грацие. Рядом с ней, в неприметном здании трапезной, вот уже более 500 лет оживет и поражает людей шедевр шедевров - фреска "Тайная вечеря" Леонардо да Винчи.
Для своей фрески на стене трапезной монастыря Санта Мария делла Грацие да Винчи выбрал тот момент, когда Христос говорит своим ученикам: "Воистину говорю вам - один из вас предаст меня". Эти слова предваряют кульминацию чувств, высшую точку накала человеческих отношений, трагедию."Один из вас предаст меня..." - и ледяное дыхание неотвратимого рока коснулось каждого из апостолов. После этих слов на их лицах выразились самые различные чувства: одни были поражены, другие возмущены, третьи опечалены. Готовый к самопожертвованию склонился к Христу юный Филипп, в трагическом недоумении развел руками Иаков, вот-вот готов броситься на предателя схватившийся за нож Петр, правая рука Иуды сжимает кошель с роковыми серебрениками... Впервые в живописи сложнейшая гамма чувств нашла такое глубокое и тонкое отражение. Все в этой фреске выполнено с удивительной правдой и тщательностью, даже складки на скатерти, покрывающей стол, выглядят настоящими.
У Леонардо так же, как и у Джотто, все фигуры композиции расположены на одной линии - лицом к зрителю. Христос изображен без ореола, апостолы без своих атрибутов, которые были характерны для них на старинных картинах. Игрой лиц и движением выражают они свое душевное беспокойство.
"Тайная вечеря" - одно из великих творений Леонардо, судьба которого оказалась очень трагичной. Любой, кто видел эту фреску уже в наши дни, испытывает чувство непередаваемой скорби от вида тех страшных утрат, которые нанесли шедевру неумолимое время и варварство людское. А между тем сколько времени, сколько вдохновенного труда и самой пламенной любви вложил Леонардо да Винчи в создание своего произведения!
Рассказывают, что часто можно было видеть, как он, внезапно бросив все дела, бежал среди дня в самую сильную жару в церковь Святой Марии, чтобы провести одну-единственную черту или поправить контур в "Тайной вечере". Он был так увлечен своей работой, что писал беспрестанно, сидел над ней с утра до вечера, забыв о пище и питье. Леонардо тщательно выбирал модели для образов апостолов. Леонардо да Винчи придавал особое значение двум фигурам: Христа и Иуды. Он очень долго не мог найти натурщиков, с которых можно было написать эти фигуры. Наконец, ему удалось найти модель для образа Христа среди юных певчих. Подобрать натурщика для Иуды Леонардо не удавалось в течение трех лет.
Он ежедневно отправлялся в те кварталы Милана, где обитали низшие слои общества и даже преступные люди. Там он искал модель для лица Иуды, которого считал величайшим негодяем на свете.
Действительно, в то время Леонардо да Винчи можно было встретить в самых различных частях города. В трактирах он усаживался за стол вместе с бедняками и рассказывал им разные истории - то веселые, то грустные и печальные, а иногда и страшные. И внимательно присматривался к лицам слушателей, когда те смеялись или плакали. Заметив какое-нибудь интересное выражение на их лицах, он тут же быстро зарисовывал его. Существуют свидетельства того, что однажды он наткнулся на улице на пьяницу, который валялся в сточной канаве. Это был молодой мужчина, которого состарило беспробудное пьянство. Леонардо пригласил его в трактир, где сразу же начал писать с него Иуду. Когда пьяница пришел в себя, он сказал художнику, что однажды уже позировал ему. Это было несколько лет назад, когда он пел в церковном хоре, Леонардо писал с него Христа.


Казалось бы, что "Тайная вечеря" должна была тщательно сохраняться, между тем на деле все обернулось иначе. Виной тому отчасти сам великий да Винчи. Создавая фреску, Леонардо применил новый (им самим изобретенный) способ грунтовки стены и новый состав красок. Это позволяло ему работать медленно, с остановками, внося частые изменения в уже написанные части произведения. Результат сначала оказался прекрасным, но уже через несколько лет на росписи появились следы начинающегося разрушения: проступили пятна сырости, небольшими листиками стал отставать красочный слой.
В 1500 году, через три года после написания "Тайной вечери", вода залила трапезную, коснувшись и фрески. Через 10 лет ужасная чума постигла Милан, и монашествующая братия забыла о том, какое сокровище хранится в их обители. Спасаясь от смертельной опасности, они (может быть, и против собственной воли) не могли надлежащим образом позаботиться о фреске. К 1566 году она была уже в весьма жалком состоянии. Монахи прорубили посреди картины дверь, которая нужна была для сообщения трапезной с кухней. Эта дверь уничтожила ноги у Христа и у некоторых апостолов, а потом картину обезобразили огромным государственным гербом, который прикрепили над самой головой Иисуса Христа.
В дальнейшем австрийские и французские солдаты как будто соперничали между собой в вандализме по уничтожению этого сокровища. В конце XVIII века трапезная монастыря была превращена в конюшню, испарения конского навоза покрыли фрески густой плесенью, а заходившие в конюшню солдаты забавлялись, швыряя кирпичи в головы апостолов.
Но даже и в полуразрушенном состоянии "Тайная вечеря" производит неизгладимое впечатление. Французский король Франциск I, захвативший Милан в XVI веке, был в восторге от "Тайной вечери" и пожелал перевезти ее в Париж. Он предлагал большие деньги тому, кто найдет способ переправить эти фрески во Францию. И только потому оставил этот проект, что инженеры отступились перед трудностью данного предприятия.

[Сартиэль]

Письмо запорожцев турецкому султану

Картину эту знают все – примелькалась, а вот то, что они там пишут, известно немногим. Славная запорожская братва собралась не просто черкнуть султану пару ласковых от нечего делать, а сотворить ответ на послание Магомета IV, ибо негоже оставлять без такового письмо брата Солнца и Луны, с которым запорожцев связывали более чем тесные терки на грешной земле. Кажись запорожцы слегка перебрали в количестве матюгальников на квадрат текста, если учесть мягкий и тихонький мотивчик турецкого письма. Ну что с них возьмешь – хулиганы…

И еще – письмо это вряд ли действительно было отослано туркам, скорее это просто народное творчество.

Далее письмо султана запорожцам, их ответ и два варианта "Запорожцев" Репина в полный экран. Историческая справка прилагается.

Письмо турецкого султана к казакам

"Я, султан и владыка Блистательной Порты, сын Мухаммеда, брат Солнца и Луны, внук и наместник Бога на земле, властелин царств Македонского, Вавилонского, Иерусалимского, Великого и Малого Египта, царь над царями, властитель над властелинами, несравненный рыцарь, никем не победимый воин, владетель древа жизни, неотступный хранитель гроба Иисуса Христа, попечитель самого Бога, надежда и утешитель мусульман, устрашитель и великий защитник христиан, повелеваю вам, запорожские казаки, сдаться мне добровольно и без всякого сопротивления и меня вашими нападениями не заставлять беспокоиться."

Подписано: Султан турецкий Мухаммед IV

Ответ Запорожцев Магомету IV-му

"Запорожские казаки турецкому султану!
Ты — шайтан турецкий чёрт, проклятого чёрта брат и товарищ, и самого Люцифера секретарь! Какой же ты к чёрту рыцарь, когда голою сракой ежа не убьёшь? Чёрт высирает, а твоё войско пожирает. Не будешь ты, сукин ты сын, сыновей христианских под собой иметь, твоего войска мы не боимся, землёй и водой будем биться с тобой, ** твою мать.
Вавилонский ты повар, Македонский колесник, Иерусалимский пивовар, Александрийский козолуп, Великого и Малого Египта свинопас, Армянский свин, Подолянская злодеюка, Татарский сагайдак, Каменецкий палач, и всего света и подсвета шут, а для нашего Бога — дурак, самого аспида внук и нашего х*я крюк. Свинячья морда, лошадиная *цензура*, мясника собака, некрещёный лоб, мать твою **!
Вот так тебе запорожцы ответили, никчёмный! Не годен ты и свиней христианских пасти! Числа не знаем, ибо календаря не имеем, месяц в небе, год в книге, а день такой у нас, какой и у вас, и за это целуй в сраку нас!"
Подписали: Кошевой атаман Иван Сирко со всем войском Запорожским

Историческая канва такова. По легенде, письмо было написано в 1676 году кошевым атаманом Иваном Сирко «со всем кошем Запорожским» в ответ на ультиматум султана Османской империи Магомета IV. Оригинал письма не сохранился, однако в 1870-х годах екатеринославским этнографом-любителем Я. П. Новицким была найдена копия, сделанная в XVIII веке. Он передал её известному историку Д. И. Яворницкому, который однажды зачитал её, как курьёз, своим гостям, среди которых был, в частности, И. Е. Репин. Художник заинтересовался сюжетом, и в 1880 году начал первую серию этюдов.

Ещё не завершив основной вариант, Репин в 1889 начал работу над вторым, работу над которым он так и не закончил. Это полотно несколько уступает по размерам первоначальному варианту (2,03×3,58 м), и является, так сказать, кулуарным экземпляром. Хранится он сейчас в Харьковском художественном музее.

"Запорожцы" И. Репин, 1880-1891

"Запорожцы" И. Репин, вариант 1893 года

[Ирэна]

И. Репин - Иван Грозный и сын его Иван


Картина Ильи Ефимовича Репина, которую мы чаще всего называем «Иван Грозный убивает своего сына», имеет другое название: «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года». Сюжетом для нее послужил подлинный исторический факт — убийство царем Иваном IV своего старшего сына Ивана. Об этом говорит и точная дата в названии картины.
Причина убийства Грозным царем своего сына долгое время оставалась невыясненной. Некоторые современники считали причиной царского гнева чисто семейную сцену; другие полагали, что между царем и царевичем возник спор по вопросу о помощи осажденному поляками Пскову. Возможно, что большую роль сыграла и провокация бояр, желавших поссорить Ивана Грозного с сыном.
В своей автобиографической повести «Далекое — близкое» И.Е. Репин вспоминает, что мысль о картине зародилась у него в связи с мартовскими событиями 1881 года ( имеется в виду взрыв народовольцем И. И. Гриневецким бомбы, осколками которой был убит царь Александр II ).
Не сразу, не вдруг родилась у художника конкретная композиция задуманного им полотна. Сначала были просто карандашные наброски, самый общий эскиз, в котором замысел был выражен еще неясно и нечетко. Скорее всего это были всего лишь «прикидки», правда, здесь на переднем плане были уже Иван Грозный и его сын. Но сначала были здесь и стольные бояре, вбежавшие на шум, была и женщина, застывшая на пороге какого-то дальнего покоя.
Сам И. Репин был недоволен этим наброском, и уже в следующем эскизе исчезли бояре и женщина, они ведь не нужны на картине. Конечно, в действительности были и крики Грозного царя, и испуганные придворные, и воздевшие руки мамки и няньки, и врач: «Рана глубока. Надежды нет, разве что на чудо». Так примерно описывали дальнейшие события современники, но это были именно «дальнейшие события». И художнику стало ясно, что на картине нужно изобразить только царя и его сына.
Великие произведения не создаются ценой малых усилий. Да разве и была такая картина, над которой бы И.Е. Репин не работал как каторжный, с утра до ночи — неделями, месяцами, годами? Так было и на этот раз. Задумав писать большое полотно, художник принялся изучать историческую обстановку.
Дворцовая палата воссоздана им по одной из комнат музея «Дом боярина XVII века», отброшенное царем кресло, зеркало и кафтан царевича написаны с натуры в Оружейной палате, царский посох — с жезла в Царскосельском дворце, а сундук художник нашел в Румянцевском музее. С исключительным живописным мастерством написаны ковер и кафтан царевича. Зритель как бы осязательно ощущает и пушистость ковра, и шелковистость халата.
В своей неистребимой требовательности по пять, десять раз переделывал И. Репин готовые уже фрагменты, безжалостно разрушал то, что еще накануне ему самому нравилось. «Писал — залпами, — вспоминал он впоследствии, — мучался, переживал, вновь и вновь исправлял уже написанное, упрятывал с болезненным разочарованием в своих силах, вновь извлекал и вновь шел в атаку». Так продолжалось три года.
Первые шаги на пути решения художественных образов И. Репин сделал с помощью своего единственного учителя — П. П. Чистякова. Художник бывал у профессора на даче в Царском Селе, и здесь Павел Петрович показал ему старика, ставшего прототипом царя на картине. Потом на этот образ наложились черты чернорабочего, встреченного случайно на Литовском рынке: этюд с него был написан прямо под открытым небом. А для головы царя, уже во время работы над холстом, И. Репину позировали художник Г. Г. Мясоедов и композитор П. И. Бларамберг. Какие-то частности для лица царевича он взял с этюда, сделанного с художника Менка, но в основном в роли царевича выступал писатель В. Гаршин: «У него было лицо человека, обреченного погибнуть. Это было то, что нужно для моего царевича».
Художник боролся с картиной, как с тяжелым недугом. Впоследствии И.Е. Репин вспоминал: «Мне минутами становилось страшно. Я отворачивался от этой картины, прятал ее. На моих друзей она производила то же впечатление. Но что-то гнало меня к этой картине, и я опять работал над ней».
Действие картины Илья Репин переносит в полумрак палаты царского дворца в Александровской слободе, где и произошло роковое столкновение отца и сына. Он изобразил первый момент осознания Грозным только что совершенного поступка. Не исторический факт, а психологический момент занимают здесь художника. Недаром Игорь Грабарь отмечал, что «успех пришел к Репину именно потому, что он создал не историческую быль, а страшную современную быль о безвинно пролитой крови».
...Отброшено в сторону кресло, на котором вот только что сидел царь, всего какое-то мгновение назад, а потом в неистовом гневе швырнул в наследника окованный железом посох...
В цветовом построении картины И. Репина преобладает интенсивный красный цвет. Он писал чистой красной краской, без всяких примесей, потому красный цвет и разработан у художника с чрезвычайным разнообразием оттенков. Алая кровь, текущая из раны на виске царевича; красные, похожие на кровь тени в складках его кафтана; темно-красная лужа крови на красном ковре — все это создает напряженность колорита, находящегося в гармонии с изображенной на картине трагедией. А синеватый полумрак палаты и проникающий в нее из небольшого окна холодный рассеянный свет еще больше усиливают драматическую напряженность изображенной сцены.
10 февраля в петербургском доме князя Юсупова на Невском проспекте открылась выставка, на которой и была представлена картина «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года». Успех ее был просто ошеломляющий. «Как написано. Боже, как написано! — восторгался репинским полотном И. Крамской. — В самом деле, вообразите, — тьма крови, а вы о ней и не думаете, и она на вас не действует, потому что в картине есть страшное, шумно выраженное отцовское горе и его громкий крик, а в руках у него сын — сын, которого он убил!»
Но чуть ли не в первые же дни выставки начались разговоры о запрещении экспонирования картины, правда, административных мер И. Репину на этот раз удалось избежать. Зато они настигли его в Москве. В апреле 1885 года по представлению оберпрокурора Синода К. П. Победоносцева картина была снята с выставки. Купивший ее П.М. Третьяков получил предписание хранить ее в недоступном для посетителей месте. Правда, через три месяца, по ходатайству художника А. П. Боголюбова, близкого ко двору, запрет был снят. Но «Ивану Грозному и сыну его Ивану» предстояло еще одно испытание, случившееся почти через 30 лет.
В январе 1913 года Третьяковскую галерею посетил иконописец из старообрядцев Абрам Балашов. Постояв недолго около суриковской «Боярыни Морозовой», он внезапно метнулся к картине И. Репина и с криком «Довольно крови!» нанес полотну три удара ножом, заранее припрятанным за голенищем сапога. Удары пришлись по лицам Ивана Грозного и царевича Ивана.
Восстановить живопись должен был сам И.Е. Репин, специально для этого приехавший из Куоккалы. Но со времени создания картины прошло уже почти три десятилетия, за это время изменились и художественная манера И. Репина, и трактовка им цвета. Художник ничего не стал восстанавливать, а заново написал голову царя в манере, свойственной ему к 1913 году. Кусок новой репинской живописи заплатой лег на старую картину. Через несколько часов Игорь Грабарь, возглавлявший Третьяковскую галерею, увидел на полотне свежие еще краски. Его решение по своей смелости было просто дерзким. И. Грабарь насухо стер положенные И. Репиным краски (художник к тому времени уже уехал) и «заправил», как выражаются специалисты, потерянные места акварелью, покрыв их потом лаком. Через несколько месяцев И.Е. Репин вновь оказался в Третьяковской галерее, долго стоял перед своей картиной, но так ничего и не заметил.

[Ирэна]

Картина Клода Моне «Водяные лилии», созданная им в 1903 году, — один из шедевров мировой культуры. Интересно, думал ли сам художник, когда рисовал картину, что спустя десятилетия о ней будет идти столь дурная слава? А дело все в том, что за картиной тянется целый шлейф пожаров. Причем первый произошел у самого Моне дома, буквально сразу после окончания работы над картиной. Пожар в мастерской, где находились и «Водяные лилии», удалось быстро потушить, сама картина не пострадала.В скором времени хозяевами картины стали владельцы увеселительного заведения на Монмартре, и месяц спустя владельцы паковали чемоданы, выезжая из сгоревшего здания кабаре. Кстати, в чемодане была и сама картина – одна из нескольких вещей, которые удалось вынести из охваченного пламенем здания. После этого картину приобрел Оскар Шмитц, меценат, живший в Париже. Ему повезло больше, чем прошлым хозяевам – его дом стоял нетронутым целый год… Через год от дома остался лишь пепел, причем пожар, по свидетельствам очевидцев, начался именно в той комнате, где висела картина Моне. Кстати, полотно опять оказалось среди той толики вещей, которую удалось спасти. И вновь картина перекочевала к новому хозяину. На этот раз не к единоличному владельцу, а в музей — Нью-Йоркский музей современных искусств. И его не обошел пожар – он случился через 4 месяца, на этот раз полотно довольно серьезно пострадало.

[Ирэна]

Альбрехт Дюрер «Меланхолия»
«Бодрствуй, иначе впадешь в леность и забвение... Памятуй, что ты должен выполнить миссию, которую Провидение назначило тебе. Когда наступит время, оно откроет тебе глаза и направит по нужному пути. Будь всегда к этому готов... Внимательно прислушивайся, и ты услышишь, когда прозвучит призыв!..» (древние астрологи о Сатурне).



Сидит крылатая женщина в задумчивости, её окружают предметы: измерительные, столярные инструменты. Неподалёку лежит шар (возможно, он деревянный, выструганный недавно). Обилие деталей не отвлекает внимание от крылатой фигуры. Она выделяется на общем плане, словно находится вне (или над?) окружающего мира. События, жизнь проходят без её участия. Песочные часы на стене усиливают это ощущение. И всё это называется меланхолия, что понятно из надписи, которую несёт летучая мышь (так её называют искусствоведы, хотя трудно узнать летучую мышь в этом хвостатом существе ).



Сколько символов, аллегорий, какая продуманная до мелочей композиция! Для людей, живущих в те времена (1514 год), подобные иносказания были более-менее понятны. Что для нас эта гравюра? Если не вдаваться в толкования, имея перед глазами лишь изображение да название?
Многим, должно быть, известно это состояние мрачной тоскливой бездеятельности, при которой разум не отключён, он бодрствует, но нет сил и желания что-либо делать. На гравюре Дюрера изображена именно такая меланхолия, не депрессивное состояние, когда кажется, что всё плохо, а состояние усталости, задумчивости, вызванное не ленью, но сложной задачей, ношей, уделом. Здесь подойдут слова английского писателя Клайва Баркера, на мой взгляд передающие самую суть гравюры: «Меланхолия — это печаль, только сильнее. Это то, что мы чувствуем, думая о мире и о том, как мало мы понимаем, когда размышляем о неизбежном конце».



Дюрер создал «Меланхолию» в тяжёлое время: в тот год умерла его мать, разгорались войны и восстания, Европа стояла на пороге Реформации.
«Столько вопросов, но почему нет на них ответов!» — словно хочет воскликнуть Дюрер через изображение.
«Меланхолия» — последняя из серии трёх «мастерских гравюр» Дюрера. Первые две это «Иероним в келье» и «Рыцарь и смерть». Во всех трёх присутствует действующее лицо (рыцарь, Иероним, крылатая женщина) или, как считают искусствоведы, описано три разных состоянии души человека. А Станислав Зарницкий полагает будто на гравюрах описаны три состояния великого Мартина Лютера, идеи которого разделял живописец. Также из гравюры в гравюру кочуют часы, пёс и некоторые другие символы. Но «Меланхолия» ими просто перенасыщена.
Давайте пройдёмся по некоторым из них.
Во-первых, многое на гравюре связано с планетой Сатурн — покровительницей меланхоликов. Сатурн, вообще, считался (может, и сейчас так считают) плохой планетой, страшной, оказывающей негативное влияние на людей. Ну да, что хорошего в меланхолии?! За год до того, как создать гравюру, Дюрер занимался составлением астрономических карт, сам следил за движениями небесных светил. В конце декабря 1513 года он увидел комету, которая двигалась к месту созвездия Весов (на гравюре висят на стене), где тогда находилась планета Сатурн. Именно ту комету изобразил Дюрер на картине.


Бог Сатурн, лист из средневековой книги

Разбросанные инструменты, циркуль в руках женщины связаны с земельными и измерительными работами (бог Сатурн — бог земли).
Свернувшаяся калачиком собака — символ меланхоликов, потому что собаки часто болели бешенством, а меланхолический человек, считалось, находился на грани безумия.
На стене выгравирован квадрат с цифрами — магический квадрат, где сумма чисел на каждой горизонтали, вертикали и диагонали и во многих других комбинациях равна 34. Возможно, Дюрер сам составил квадрат, или же взял за основу более ранний квадрат Корнелия Агриппы и видоизменил его, подобрав свои цифры. Так в квадрате зашифрованы год создания картины (нижние средние два числа), дата смерти матери художника (16.05), и можно найти много других. Нужно отметить, что квадрат Агриппы назывался «квадрат Юпитера», а Юпитер подавлял негативное влияние Сатурна.



В заключение-четыре гипотезы о названии. На крыльях мыши написано: «Меланхолия I».

1. Дюрер планировал сделать несколько гравюр, изображающих меланхолию.
2. Согласно учению того времени, существует три вида меланхоликов. Первые — это те, у которых хорошо развита фантазия, творческие люди; у вторых преобладает разум — политики, чиновники; у третьих — интуиция — люди религии. Дюрер причислял себя к первой группе.
3. «I» — это вовсе не цифра, а латинская буква i, и вместе с меланхолией — это значит «Прочь, меланхолия».
4. Дюрер, создавая гравюру, ошибся: стал набирать букву «М» вместо «А» (гравюра на меди вырезалась с обратной стороны, следовательно, слово надо было начинать с последней буквы). Ошибку в гравюре он уже совершал, изображая цифры квадрата (лист с перевёрнутыми цифрами сохранился в собрании Отто Шефера). Но в названии переделать не получилось, и Дюрер решил так обыграть сложившуюся ситуацию: пронумеровал меланхолию MELENCOLIA I. Кстати, в своих записях он везде называет гравюру просто «Меланхолия».

[Autumn]

Карл Брюллов
«Последний день Помпеи»


Можно бесспорно утверждать, что самым знаменитым, самым популярным русским художником первой половины ХIХ века был Карл Павлович Брюллов. Восхищенными его творениями, современники называли художника «великим, божественным Карлом». Его картина «Последний день Помпеи» вызывала восторженные отклики, ее официально признали одной из лучших работ столетия.
История трагической катастрофы, постигшей древний город, целиком захватила все помыслы живописца, и он приступает к написанию картины. Много труда предшествовало работе над ней — неоднократные посещения развалин Помпеи, где художник проводил часы, чтобы запечатлеть в памяти каждый камешек мостовой, каждый завиток карниза.
Брюллов перечитывал описания историков, особенно римского писателя Плиния младшего — современника и очевидца гибели Помпеи. В музеях художник изучал костюмы, украшения и предметы быта той далекой эпохи. Но главным в работе была идея, захватившая ум и сердце художника. Это была мысль о гибели всего прекрасного, и, прежде всего человека, под натиском необузданной, жестокой стихии.
Работая над картиной, художник ясно представлял, как в городе кипела жизнь: народ шумел и рукоплескал в театрах, люди любили, радовались, работали, пели песни, во дворах играли дети...


Так было и в тот августовский вечер, когда жители Помпеи отправились на покой, не ведая, какая ужасная участь постигнет их через несколько часов.
Среди ночи вдруг раздался страшный грохот — оживший Везувий отверз свои огнедышащие недра.... Кое-как одетые, объятые неописуемым ужасом, помпеяне выбегают из своих домов. А в небе бичи молний полосуют тучи, сверху на город низвергаются камни и пепел из кратера вулкана, земля под ногами колеблется и дрожит...
Несчастные жители бегут из города, надеясь за спасение за городскими воротами. Вот люди уже миновали поместье Борго Аугусто Феличе. Но вдруг раздается еще более оглушительный грохот, молния раскалывает небо, и люди в ужасе глядят на страшные небеса, откуда, кроме гибели, они уже ничего не ждут... Вспышки молний выхватывают из тьмы мраморные статуи. Они наклонились, вот-вот рухнут...
В дикой злобе необузданная стихия обрушилась на Помпею и ее обитателей. И в час грозного испытания каждый проявляет свой характер. Брюллов видит будто наяву:
два сына несут на плечах старика отца;
юноша, спасая старуху мать, упрашивает продолжать путь;
муж стремится уберечь от гибели любимых жену и сына;
мать перед смертью в последний раз обнимает своих дочерей.

Гибель Помпеи в представлении Брюллова — это гибель всего античного мира, символом которого становится самая центральная фигура холста — прекрасная женщина, разбившаяся насмерть, упав с колесницы.

Брюллов потрясен внутренней красотой и самоотверженностью этих людей, не теряющих человеческого достоинства перед лицом неотвратимой катастрофы. В эти страшные минуты они думают не о себе, а порываются помочь свои близким, оградить их от опасности.
Художник видит и самого себя среди жителей Помпеи с ящиком красок и кистей на голове. Он здесь, рядом с ними для того, чтобы помочь, поддержать их дух.
Но даже перед гибелью его не покидает зоркая наблюдательность художника — он отчетливо в блесках молний видит совершенные в своей пластической красоте человеческие фигуры. Они прекрасны не только благодаря необыкновенному освещению, но так же и потому, что как бы сами излучают свет душевного благородства и величия.
Прошло почти шесть лет с того памятного дня, когда на улицах безжизненной Помпеи у Брюллова возникла мысль написать картину о гибели этого древнего города. В последний год художник так неистово работал, что его не раз выносили из мастерской в состоянии полного изнеможения.
Наступила осень 1833 года. Карл Брюллов открыл для посетителей двери своей мастерской. В ней находилось огромное полотно «Последний день Помпеи», размер которого достигал тридцати квадратных метров! Работа над таким огромным полотном заняла у него три года (1830-1833). Выставка картины Брюллова стала важнейшим событием в Риме. Толпы зрителей осаждали выставку. Картиной восхищались все — итальянцы, многочисленные иностранцы, постоянно наводняющие Рим, знатная публика и простой народ. Даже художники, обычно столь ревнивые к чужому успеху, называли Брюллова «вторым Рафаэлем». После успеха, выпавшего на долю его произведения в Риме, Брюллов решил выставить его в Милане. Он закрыл двери своей мастерской, и начал было готовить картину в путь.


В те дни в Рим прибыл знаменитый писатель Вальтер Скотт. Он был стар и болен. В Риме он хотел увидеть прежде всего, картину русского художника, о которой писали газеты и которого так хвалили ему английские художники, находившиеся в Риме. Английские живописцы явились к Брюллову и просили его открыть мастерскую для В. Скота. На другой день больного писателя привезли в мастерскую художника и усадили в кресло перед картиной. Более часа просидел Вальтер скотт перед картиной и никак не мог оторваться от нее. Он повторял с восторгом:
— Это не картина, это целая поэма!
Брюллова узнавали на улице, приветствовали его, а однажды, когда художник посетил театр, публика узнала живописца и устроила ему овацию. А через несколько минут певица читала со сцены стихи, написанные в честь русского гения.
Слухи о славе Брюллова скоро докатилась до Петербурга. Отечественные газеты стали передавать содержание заграничных статей о его картине. Общество поощрения художников собрало статьи о «Последнем дне Помпеи», которая неторопливо шествовала по Европе и, побывав в Париже, наконец, достигла Родины.
Демидов, который стал владельцем картины, преподнес ее Николаю I. Стоял август 1834 года. У подъезда Академии художеств не протолкнуться. Там скопилось множество экипажей. Ликованию соотечественников не было предела. Высокие ценители искусства были поражены блистательным произведением Карла Брюллова.
А. С. Пушкин, вернувшись из Академии художеств, домой, излил свои впечатления в стихах:
Везувий зев открыл — дым хлынул кубом — пламя
Широко развилось, как боевое знамя.
Земля волнуется — с шатнувшихся колонн
Кумиры падают! Народ, гонимый страхом,
Под каменным дождем, под воспаленным прахом
Толпами стар и млад бежит из града вон.
Тут же, рядом со стихами, Пушкин нарисовал по памяти центральные фигуры картины.
А Н. В. Гоголь вдохновился и написал статью о «Последнем дне Помпеи». Там были такие строки: «Брюллов первый из живописцев, у которого пластика достигла верховного совершенства... У Брюллова является человек для того, чтобы показать всю красоту свою. Нет ни одной фигуры у него, которая не дышала бы красотой, где бы человек ни был прекрасен...»
«Гениальным художником» и «первым живописцем Европы» называл его Белинский.
Триумф! Другого слова не подыщешь, чтобы оценить тот поток восторга, любви и признательности, который обрушился на счастливого художника. Эта была полная мера народного признания за творческий подвиг. Москва произвела на Брюллова огромное впечатление. Он целыми днями бродил по городу. Москвичи приняли его радушно, хлебосольно. В 1836 г. в Академии художеств в его честь устроили торжество. Сам Николай I удостоил его аудиенции.
«Последний день Помпеи» стал и остается по сей день самым известным произведением Брюллова, и вполне заслуженно. Здесь ему удалось поддержать традицию клонящегося к упадку и скучнеющего академизма — не изменяя его по существу, но лишь умело и эффектно, подправляя приемами живописи романтизма. Русский живописец сумел в картине на сюжет из древней римской истории выразить мысли и идеи, волновавшие его соотечественников, его современников, причем лучших из них. Как говорил Гоголь, «поэт даже может быть и тогда национален, когда описывает совершенно сторонний мир, но глядит на него глазами своей национальной стихии, глазами всего народа...».

Сообщение отредактировал Autumn - 2.10.2012 - 8:57

[Autumn]

Константин Дмитриевич Флавицкий

Княжна Тараканова, 1864

Холст, масло. 245×187 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Д. Флавицкий вошел в историю искусства главным образом как автор картины "Княжна Тараканова", написанной на легендарный сюжет из русской истории XVIII в. Ее высоко оценил В. В. Стасов, назвавший "чудесной картиной, славой нашей школы, блистательнейшим и глубочайшим творением русской живописи". Более сдержанное, зато и более профессиональное суждение принадлежит И. Н. Крамскому, который считал эту картину "крупной, а главное, счастливой", исполненной с большим мастерством. В общем решении "Княжны Таракановой" он находил "удивительную умеренность и равновесие во всем, драматизм без ложного пафоса".

Завершенная в 1864 г., за два года до смерти Флавицкого, "Княжна Тараканова" подвела итог его короткого творческого пути. Она же наглядно обозначила эволюцию художника от работ историко-религиозного содержания, решенных в условно-академическом духе, до наиболее прогрессивного направления в русской исторической живописи 1860-х гг.

Петербургскую АХ Флавицкий окончил в 1855 г. с большой золотой медалью, присужденной ему за картину "Дети Иакова продают своего брата Иосифа". Медаль давала право на заграничную поездку с целью совершенствования мастерства. Шесть лет (1856-62) художник провел в Италии. Своеобразным живописным отчетом Флавицкого стала большая, полная драматической экспрессии картина "Христианские мученики в Колизее" (1862), за которую он получил звание почетного вольного обшника АХ. В картине очевидно влияние К П. Брюллова - кумира академической молодежи середины XIX в. И хотя Флавицкий значился в АХ учеником Ф. А. Бруни, факти чески он принадлежал к числу тех, кто боготворил Брюллова. Это о Флавицком и о себе Н. Н. Ге сказал: "...наследие Брюллова питало нас во время наших исканий на новом пути, нам завещанном, по которому мы все, его ученики по духу, за ним шли".

История создания
Первоосновой для создания картины послужила история княжны Таракановой, авантюристки, выдававшей себя за дочь императрицы Елизаветы Петровны и сестру Емельяна Пугачёва. По повелению императрицы Екатерины II она была арестована и в мае 1775 года была доставлена в Петропавловскую крепость, подвергнута продолжительному допросу фельдмаршалом князем Голицыным, во время которого давала различные показания. Умерла от чахотки 4 декабря 1775 года, скрыв тайну своего рождения даже от священника.
Картина была написана в 1864 году, и в этом же году впервые выставлена на выставке Академии художеств. В. В. Стасов, известный критик того времени, высоко ценивший картину, назвал полотно Флавицкого «чудесной картиной, славой нашей школы, блистательнейшим творением русской живописи». Картина была приобретена Павлом Третьяковым для его коллекции уже после смерти художника.

Сюжет
Сюжетом для картины послужило предание о гибели Таракановой во время наводнения в Санкт-Петербурге 21 сентября 1777 года (исторические данные говорят о том, что она умерла на два года раньше этого события). На полотне изображён каземат Петропавловской крепости, за стенами которой бушует наводнение. На кровати, спасаясь от воды, прибывающей в зарешеченное окно, стоит молодая женщина. Промокшие крысы выбираются из воды, подбираясь к ногам узницы.
Хотя легенда о гибели Таракановой от наводнения не соответствует действительности, благодя Флавицкому именно эта версия её смерти закрепилась в народной памяти. Например, в стихотворении «Душа» Борис Пастернак пишет: «ты бьешься, как билась княжна Тараканова, когда февралем залило равелин».

[Сартиэль]

В 1882 г. была написана картина в виде чёрного прямоугольника «Битва негров в туннеле»



В 1882 году (за 33 года до «Черного квадрата» Малевича) на выставке «Exposition des Arts Incohérents» в Париже поэт Пол Било представил картину «Combat de nègres dans un tunnel» («Битва негров в туннеле»). Правда, это был не квадрат, а чёрный прямоугольник.
Французскому журналисту, писателю и эксцентричному юмористу Альфонсу Алле идея так понравилась, что он развил её в 1893 году, назвав свой черный прямоугольник «Combat de nègres dans une cave, pendant la nuit» («Битва негров в пещере глубокой ночью»). Не остановившись на достигнутом успехе, затем Алле выставил девственно белый лист бристольской бумаги под названием «Первое причастие страдающих хлорозом девушек в снежную пору». Спустя полгода, следующая картина Альфонса Алле была воспринята как своего рода «колористический взрыв». Прямоугольный пейзаж «Уборка урожая помидоров на берегу Красного моря апоплексическими кардиналами» представлял собой ярко-красную одноцветную картину без малейших признаков изображения (1894 год). В конце концов в 1897 году книгу из 7 картин «Album primo-avrilesque» (Первоапрельский альбом).
Таким образом, за двадцать лет до супрематических откровений Казимира Малевича маститый художник Альфонс Алле стал «неизвестным автором» первых абстрактных картин. Также Альфонс Алле прославился тем, что почти за семьдесят лет неожиданно предвосхитил известную минималистическую музыкальную пьесу «4′33″» Джона Кейджа, представляющую собой четыре с половиной «минуты молчания». Пожалуй, единственное отличие Альфонса Алле от его последователей заключалось в том, что он, выставляя свои ошеломляюще новаторские работы, нисколько не пытался выглядеть многозначительным философом или серьёзным первооткрывателем.

[Autumn]

Одной из самых заметных в числе «проклятых» является репродукция картины испанца Джованни Браголина “Плачущий мальчик”. Известно, что рисовал ее художник с собственного сына. Но натурщик в силу своего возраста не мог плакать на заказ. Тогда за дело брался отец и приводил ребенка в нужное состояние. Он знал, что малыш панически боится огня. Потому отец зажигал спички и держал их около лица мальчика, ребенок начинал рыдать, художник брался за работу.



Браголин жертвовал нервами своего ребенка ради своей тяги к рисованию. Далее легенда гласит, что однажды ребенок не выдержал и пожелал отцу: “Гори ты сам!”, а через пару недель малыш умер от пневмонии. Отец тоже ненадолго его пережил, сгорел в своем доме.
Дальнейшая история продолжилась в Англии в 1985 г. В это время начинается просто эпидемия пожаров в северной части страны. Горят жилые дома, причем совершенно произвольно, гибнут при этом люди.
Единственной интересной деталью становится то, что после пожара остается нетронутой только одна вещь – некая репродукция. Количество сообщений растет и доходит до критической массы.
Один из инспекторов заявляет, что именно “Плачущий мальчик” оказывается общей чертой всех пожаров.
После этого в газеты и полицию рвется поток сообщений с описаниями всех случаев с этой репродукцией. Доходит до того, что официально предлагается избавиться от этой зловещей картины в доме. Что интересно сам оригинал считается утерянным, есть лишь копия.

[Ирэна]

мдаа, если бы речь шла про оригинал картины, то можно было бы объяснить происходящее энергетикой, которую передали полотну мальчик, его отец.. но репродукции? чудеса!

[Ирэна]

Работники университета Джонса Хопкинса обнаружили завуалированное изображение головного мозга человека на одной из фресок Микеланджело в Сикстинской капелле, пишет The New York Times. Микеланджело в точности изобразил ствол головного мозга и спинной мозг, утверждают ученые из Медицинской школы Университета Джона Хопкинса (Балтимор). На этой панели изображен Бог, отделяющий свет от тьмы. Эксперты заметили, что горло и грудь Бога, написанного Микеланджело, анатомически неправильны, но эти «ошибки» отсутствуют у всех других изображений. Кроме того, в то время как свет на каждую из картин падает снизу слева, шея Бога залита светом, идущим прямо со стороны зрителя. Поэтому они заключили, что кажущаяся небрежность наполнена особым смыслом. В выпуклостях шеи угадываются ножка мозга, височная доля, полушарие мозжечка, мозжечковый флоккулус, передняя срединная борозда и другие части головного мозга. Наложение шеи Бога с картины Микеланджело на фотографию человеческого мозга показало точное совпадение. При этом уходящий вдоль туловища странный жгут, в который свилась ткань одежды этого персонажа, напоминает спинной мозг.
В подтверждение своей версии исследователи напоминают об упорных занятиях Микеланджело анатомией человека. Кроме того, по их мнению, художник стремился сосредоточить внимание зрителей на рассматриваемом ими фрагменте фрески. Об этом свидетельствуют такие детали, как поза центрального персонажа, положение его подбородка, укороченная, по сравнению с другими изображениями ветхозаветного Бога кисти Микеланджело, борода, а также особенности игры света и тени. «Мы предполагаем, что Микеланджело, будучи глубоко религиозным человеком и глубоким знатоком анатомии, хотел углубить значимость этой важнейшей, с точки зрения иконографии, фрески и, возможно, увековечить свои достижения в области изучения анатомии, включив изображение сложной структуры мозга в образ Бога», — заключают ученые. Статья исследователей, опубликованная в журнале Neurosurgery– далеко не первая попытка обнаружить следы анатомических упражнений Микеланджело в работах художника. В 1990 году автор статьи, опубликованной в Journal of the American Medical Association, описал обнаруженное им изображение мозга человека на другой фреске Сикстинской капеллы – «Сотворении Адама». Несколько позже нефролог из американского Университета Бэйлора усмотрел на другой фреске художника изображение почки. Историки искусства по-разному отнеслись к находке Тамарго и Сука. В частности, преподаватель истории живописи из Калифорнийского университета Джоанна Вудс-Марсден охарактеризовала их исследование как «полную бессмыслицу», построенную на произвольной разметке ренессансных полотен. В то же время, специалист по живописи эпохи Ренессанса Гейл Гейгер из Университета Висконсина заявила, что считает работу исследователей добротной, а их аргументы — достаточно убедительными.

[Autumn]

Проклятая картина Билла Стоунхэма

Эту картину нарисовал Билл Стоунхэм. Скандал начался после одной из выставок.
Психически неуравновешенным людям, просматривающим данную картину становилось плохо, они теряли сознание, начинали плакать и т.д. Началось всё в 1972, когда картина была нарисована Биллом Стоунхэмом по старой фотографии, где он был сфотографирован в пятилетнем возрасте и найденной в Чикагском доме где он жил в то время.

Впервые картина была показана владельцу и искусствоведу Лос-Анжелес Таймс, которой после этого скончался. Может быть это было совпадением, а может и нет. Затем картина была приобретена актером Джоном Марли (умер в 1984 году). Далее начинается самое интересное. Картину обнаружили на свалке среди груды мусора. Семья нашедшая ее принесла домой и уже в первую ночь маленькая четырехлетняя дочка прибежала в спальню родителей с криками, что дети на картине дерутся. На следующую ночь, что дети на картине были за дверью. В следующую ночь глава семейства поставил видеокамеру на включение по движению в комнате где висела картина. Видеокамера сработала несколько раз.

Картина была выставлена на интернет-аукцион eBay. Вскоре на почтовые адреса администраторов eBay стали приходить тревожные письма с жалобами на ухудшение самочувствия, потерю сознания и даже сердечные приступы. На eBay (также как и в этом посте) стояло предупреждение, но народ как известно любопытный и многие пренебрегли предупреждением. Текст сообщения приведён на одном из изображений

Картина была продана за 1025 USD, начальная цена составляла 199 USD. Страницу с картиной посетили свыше 30000 раз, но в основном просто ради интереса. Ее купил Ким Смит, проживавший в маленьком городке недалеко от Чикаго. Он как раз подыскивал, что-нибудь для своей только-что отремонтированной художественной галереи на просторах инета. Когда он наткнулся на «Hands Resist Him» то сначала подумал, что ее нарисовали в сороковых годах и она прекрасно подойдет для него в качестве экспоната.
Это было бы концом истории, но письма стали приходить теперь на адрес Смита. Многие из них были как и раньше с рассказами о плохом самочувствие после просмотра картины, но были и те кто писали о зле исходившем от нее. Другие требовали просто сжечь ее. Ему предложили услуги даже Эд и Лоррэйн Уоррены, известные как изгоняющие демонов в Амитвильском доме в 1979 году. Некоторые даже вспоминали известное убийство Сатилло в лесных холмах штата Калиформия. Призраки двух детей, как говорят, часто посещают дом на холмах. Экстрасенсы утверждали: «Мы видели мальчика. Он носил легкую футболку и шорты. Его сестра была всегда в тени. Он, казалось, защищал ее. Их звали Томом и Лаурой и они как две капли похожи на детей изображенных на картине.
источник: fraza.ua

[Autumn]

Диего Веласкес, «Венера перед зеркалом»

В 1478 году в Испании был утверждён орган судебной власти, который должен был следить за чистотой католической веры в стране. Этот орган получил название испанской инквизиции. Священная инквизиция господствовала в Испании более трёхсот пятидесяти лет. В её власти было многое: мировоззрения людей, их поступки, творчество. Ересь могли обнаружить в любой области. Не любишь и не ешь свинину? Значит ты не католик, и место тебе на костре или в заключение в сырых подвалах тюрьмы.

Испанская инквизиция оказала огромное влияние на творчество многих писателей, поэтов, художников того времени. Запреты всегда возмущают людей творческих. Так в Испании в те времена была запрещена в живописи нагота. При несоблюдении этого, инквизиция могла потребовать, в лучшем случае, перекрасить картину или конфисковать её для сожжения, в худшем, наложить на художника штраф, выгнать из страны или отлучить от церкви.

Поэтому картина Диего Веласкеса «Венера перед зеркалом» при жизни художника не была популярна. Конечно, она была известна в узких кругах, но признание получила лишь спустя время.

Что же с картиной Веласкеса? Первоначально она просто называлась Dona Desnuda (от исп. «нагая донья, женщина»). Уже потом она получила названия «Венера перед зеркалом» или «Туалет Венеры».
На картине изображена, всего скорее, испанка. Главные особенности веласкеского видения Венеры в следующем. В отличие от устоявшегося образа богини любви, у неё тёмные волосы. Необычна композиция картины. Женщина лежит на подушках к нам спиной и лица её не видно. Она больше походит не на богиню, а на обычную, земную женщину. И тона картины способствуют этому, холодные: серая, гладкая простынь (так и напрашивается «шёлковая», а шёлк холоден), тёмно-красная драпировка на заднем плане. И кожа женщины светлая, она не выглядит, как розовые, пухлые итальянские Венеры. Её красота не вызывает сладострастного чувства, она, скорее, отталкивает, предостерегает...

Единственное, что указывает на то, что перед нами Венера, это Купидон (по мифу, сын богини), держащий зеркало. Крылья Купидона ярко контрастируют с цветом его кожи.

На нём висит синяя шёлковая лента (тоже самое можно встретить на картине Тициана 1555 года), ещё одна, розовая спадает на зеркало. Некоторые искусствоведы видят в этих лентах символ оков, которые падают на влюблённых. Любовь не окрыляет, а связывает.
Купидон держит зеркало. Зеркало обрамлено массивной, выделяющейся, чёрной рамкой. Насчёт зеркала выдвигаются разные теории. Вообще, Веласкес, нередко использует зеркала в своих картинах, чтобы добиться определённого воздействия на зрителя.

Отражение лица женщины смутное, размытое, да и лицо выглядит не так, как его ожидаем увидеть. Оно кажется старее, чем дышащее юностью, грациозностью тело. Такое, вот, несоответствие.

Молодое тело, отражение зрелой женщины, маленький сын — Купидон. Куда смотрит женщина? По одной теории Веласкес, таким образом, показывает связь между старостью и молодостью. На что нужно обращать внимание? На потомство, в котором продолжается жизнь и красота, которая так временна?

По другой теории, зеркало являет собой разграничитель на мир реальный (отражение) и мир фантазий (красота)... Более того, лицо в зеркале отражено не так, как должно быть на самом деле. Конечно, это специальный приём художника.

До начала 19 века картина «Венера перед зеркалом» находилась в Испании в частных коллекциях, не предавалась огласке. Потом в 1813 году была перевезена в Англию, сейчас находится в Лондонской национальной галерее.

В 1914 году с картиной приключилось несчастье. Суфражистка* Мэри Ричардсон, пройдя в музей с мясным тесаком, семь раз ударила им по картине (в область тела нарисованной Венеры). Потом в интервью она заявила следующее: «Я пыталась уничтожить картину самой красивой женщины в мифологии в знак протеста против ареста госпожи Панкхерст, самой прекрасной личности в современной истории», позже она добавила ещё, что «ей не нравилось, как посетители музея целый день смотрят на это». За своё ужасное действие, совершённое, на мой взгляд, истеричной и обделённой мужским вниманием (а иначе, как объяснить такой негатив к красивому телу?), Мэри Ричардсон, дали полгода тюрьмы. Что нужно иметь в голове, чтобы руки делали такое?

К счастью, картина была полностью отреставрирована.

» Кликните сюда для просмотра оффтоп текста.. «

Еще одним полотном, которое постоянно сопровождают неприятности, является «Венера с зеркалом» Диего Веласкеса.
Первый владелец картины – испанский купец – разорился, его торговля ухудшалась с каждым днем, пока большая часть его товаров не была захвачена пиратами в море, а еще несколько кораблей потонули. Продавая с молотка все, что у него было, купец сбыл и картину.
Ее приобрел другой испанец, тоже торговец, владевший богатыми складами в порту. Едва были переданы деньги за полотно, как склады торговца загорелись от внезапно ударившей молнии. Хозяин был разорен. И опять аукцион, и опять картина продается в числе остальных вещей, и опять ее покупает состоятельный испанец…
Через три дня его зарезали в собственном доме при ограблении. Картина после этого долго не могла найти своего нового хозяина, слишком уж подпорченная у нее была репутация, и полотно колесило по разным музеям, пока в одном из них на картину не кинулась душевнобольная туристка с ножом и не испортила ее.

[Ирэна]

Поклонение волхвов Питера Брейгеля
1564. Национальная галерея, Лондон.

Питер Брейгель – художник эпохи Ренессанса,которая ставила человека в центре мироздания, однако для Питера Брейгеля реальность была совсем иной. В его понимании человек был лишь крупицей в безбрежном океане мира. В своих работах он часто даже не показывает лиц, скрывает фигуры под одеждами, тем самым лишая героев индивидуальности. Библейских персонажей Брейгель изображает не в центре полотна, как это принято, а где-то сбоку, смешивая их с толпой обычных людей.

Одна из картин Брейгеля-старшего «Поклонение волхвов» пользовалась дурной славой и, по слухам, препятствовала рождению детей в семье. Картина была написана в 1564 году, в ее основу положен библейский сюжет - приход волхвов с дарами для новорожденного Иисуса Христа. Существует множество полотен, изображающих это событие, однако картина Брейгеля очень сильно от них отличается. Лица Девы Марии а картине практически не видно, его прикрывает хитон. Цвет ее кожи и кожи младенца бледный и болезненный, у остальных же – смуглый, красноватый. Даже одежды Марии написаны в холодных тонах, тогда как одежды волхвов – в теплых. За спиной Марии – Иосиф, слушающий нашептывания прохожего. Выражения лиц волхвов отнюдь не излучают добродетель, напротив, в их мимике прослеживается угроза. Они скорее похожи на гримасы или маски. Возле хлева, где Мария родила Иисуса, толпятся люди. Они не восхваляют небеса за свершившееся чудо, напротив, может показаться, что они насмехаются, будто заранее зная о дальнейшей судьбе Спасителя.

Для создания образа Марии, Брейгель пригласил свою двоюродную сестру. Кузина на протяжении долгого времени пыталась забеременеть , но тщетно. Поговаривали, что ее бесплодие стало передаваться через картину и другим женщинам. Четыре раза картину покупали и все четыре раза от нее избавлялись. У всех, кто владел картиной «Поклонение волхвов» переставали рождаться дети.
Наконец в 1637 году картину купил архитектор Якоб ван Кампен. У него к тому времени уже были трое детей, так что проклятие его не особо пугало.

[Ирэна]

Письмо запорожцев турецкому султану

Илья Ефимович Репин писал свое полотно более десяти лет —с 1880 по 1891. Началось все с серии этюдов в 1880. После этого была неспешная серия эскизов и подбора моделей. И вот, интересно все-таки узнать, кто же на самом деле изображен на полотне?
Кто есть кто?


Например, один из весьма колоритных персонажей срисован с художника Ивана Францевича Ционглинского,
преподавателя рисовальной школы Императорского Общества поощрения художеств, активного участника питерского творческого объединения ”Мир искусства”.
Точнее, он был Яном Францевичем, т.к. родился в Варшаве, и по национальности, оказывается, был поляком, однако, все-таки составил компанию запорожцам.


А вот, скажем, красавчик с благородными чертами лица и вполне интеллигентной усмешкой — не кто иной, как внучатый племянник известного русского композитора М.И.Глинки.
А нашел Репин молодого человека в Петербурге — в те времена он (разумеется, Глинка) был камер-пажем.


Высокий казарлюга с повязкой на голове — это одесский художник Николай Дмитриевич Кузнецов.
Шутник, силач, академик Академии художеств, профессор, руководитель класса батальной живописи в Академии.
Кузнецов водил дружбу со всей Одессой, был учредителем Товарищества южнорусских художников в Одессе и Одесского литературно-артистического общества.
Кстати, пусть вас не вводит в заблуждение его одесское происхождение и русская фамилия — по национальности он был греком.
Эта сладкая парочка — Глинка с Кузнецовым — по замыслу художника должны были представлять собой хрестоматийные образы Андрия и Остапа.


Беззубый сморщеный дедок с люлькой был зарисован Репиным со случайного попутчика на пристани города Александровска (нынче Запорожье).
Имени его история не сохранила, но его образ запечатлен художником на долгие годы существования картины.


Типичный бурсак, подстриженный под макитру, и не успевший еще отрастить усов — художник Порфирий Демьянович Мартынович.
Обучался в Академии художеств, владел, кстати, филигранной графикой, но из-за болезни в 25 лет был вынужден оставить живопись.
Однако, самое интересное то, что Репин его в глаза никогда в жизни не видел.
А персонажа ”Запорожцев” он писал не с живого Мартыновича, а с гипсовой маски, снятой с лица молодого художника.
И еще более забавно то, что бедняга, когда с него (живого!) снимали маску, усмехнулся, и усмешка так и осталась на маске.
Так ее Репин и срисовал.


А для этого хмурого типа с сумеречным взором позировал ни кто иной, как Василий Васильевич Тарновский, украинский коллекционр и меценат, владелец известного имения Качановка.
Был, кстати, по совместительству предводителем дворянства Борзнянского и Нежинского уездов Черниговской губернии.
В Качановке Репин срисовывал казачью амуницию (а заодно — и самого Василия Васильевича),
которой у Тарновского было — завались: его коллекция древностей козацкой эпохи стала основой коллекции Черниговского Исторического Музея.

» Кликните сюда для просмотра оффтоп текста.. «

На картину попал не только В.В.Тарновский, но и его кучер, Никишка.
Здесь он являет собой образ казака Голоты.
Репин, будучи восхищен Никишкиными щербатостью, одноглазостью, нетрезвостью и смешливостью, успел его зарисовать, когда они вместе с Тарновским переправлялись через Днепр на пароме.


Ну, а вот и сам атаман — тогдашний кошевой Сечи, Иван Дмитриевич Сирко — одна из центральных фигур картины.
Художник долго искал для него походящий образ, остановившись, в конце концов, на генерале Михаиле Ивановиче Драгомирове, тогдашнем командующем войсками Киевского военного округа, впоследствии — киевском генерал-губернаторе.
Герой русско-турецкой войны, шутник, весельчак и балагур, М.И.Драгомиров был необыкновенно популярен среди киевлян.
О нем ходили легенды, самая известная из которых — классическая история с телеграммой, посланной самолично императору Александру:
”Третий день пьем здоровье Вашего Величества”.
В общем, генерал, как и И.Д.Сирко, тоже имел опыт оригинального эпистолярного жанра, что, возможно, и подтолкнуло Репина к тому, чтобы именно его выбрать центровой моделью.


А вот персонаж, изображающий татарина, рисовался, действительно, со студента-татарина.


Для толстяка, который должен был изображать еще одного хрестоматийного персонажа — Тараса Бульбу —
прототипом оказался профессор Петербургской консерватории Александр Иванович Рубец.
Несмотря на то, что Александр Иванович жил и работал в Питере, родом он был из Стародуба, являлся потомком польского шляхетского рода.


Из-за Рубца-Бульбы уныло выглядывает худой, высокий длинноусый казак.
Ба! Да это ведь еще один музыкант.
И кто! Солист Мариинского театра, Федор Игнатьевич Стравинский.
Кстати, отец известного композитора Игоря Стравинского.
Между прочим, Ф.И.Стравинский был еще и неплохим художником, и в свое время долго колебался — куда поступать: в консерваторию, или в Академию художеств.
Любовь к музыке победила, но и во всяких художествах Федор Игнатьевич был замечен — даже в ”Запорожцах”.


Ну, а владелец этой обширной лысины и трехэтажного затылка — не кто иной, как Георгий Петрович Алексеев.
Личность, надо сказать, уникальная.
Предводитель дворянства Екатеринославской губернии, Обер-гофмейстер двора его Величества, кавалер почти всех российских орденов,
почетный гражданин города Екатеринослава, страстный нумизмат, автор научных трудов по русской нумизматике.
Весьма анекдотична история, о том, как он позировал Репину.
Тот, увидев его уникальные затылок и лысину, загорелся желанием запечатлеть их на картине.
Однако Алексеев с негодованием отверг предложение художника позировать ему в столь неприглядной позиции.
Здесь на помощь Репину пришел Яворницкий.
Пригласив Алексеева посмотреть свою коллекцию монет, он втихаря посадил художника сзади,
и пока доверчивый нумизмат любовался коллекцией, проворная рука мастера изобразила его в нужном ракурсе.
Георгий Петрович, узнав себя уже в Третьяковке, был очень обижен на обоих, но делать было нечего…


Полуголый запорожский вояка (заодно и картежник) — это приятель Репина и Яворницкого, наш земляк, педагог народной школы, Константин Дмитриевич Белоновский.
Впрочем, картежником он был лишь по сюжету картины, а вовсе не в жизни.
Кстати, именно потому, что сей персонаж должен являть собой образ не только воина, но и любителя азартных игр, он изображен с голым торсом —
при серьезной игре казаки снимали рубашки, чтобы не прятали карты за пазуху и в рукава.


Ну и, наконец, еще один центральный персонаж картины: писарь, он же Дмитрий Иванович Яворницкий, собственной персоной.
Ну, не мог Репин не изобразить на картине нашего славного земляка!
Ведь именно Яворницкий являлся главным вдохновителем и консультантом художника.
Именно с экспонатов собрания Яворницкого Репин срисовал большую часть амуниции, оружия и прочей казацкой атрибутики.
И, как уже было сказано, первый законченный эскиз картины Илья Ефимович подарил именно Дмитрию Ивановичу.
Между прочим, усмешку, которая запечатлена на картине, Репину удалось выдавить из Яворницкого не сразу.
Когда Яворницкий приехал в мастерскую художника позировать, он был весьма хмур.
Но у Репина кстати нашелся журнал с карикатурами, который он подсунул Яворницкому.
Тот, просмотрев несколько страниц, заулыбался, и в таком виде попал в окончательный вариант картины.
К сожалению, пока что не удалось опознать всех персонажей, изображенных на картине.
А ведь известно, что Репину позировали для нее и Гиляровский, и Мясоедов, и Мамин-Сибиряк, а может, и еще кто-либо из известных людей.
Попали они в окончательный вариант картины, или нет — это вопрос, который еще ждет своего ответа.
Кто его даст, и даст ли его кто-нибудь — время покажет…

[Autumn]

Лоуренс Альма-Тадема - «Наводнение у Бейсбосх в 1421 году»

И как оказалось, в основе ее сюжета лежат вполне реальные события.
18 (19?) ноября 1421 было второе наводнение Святой Елизаветы в Нидерландах.
В этот день Голландию постигло крупнейшее за пять веков катастрофическое наводнение, вызванное штормовым приливом Святой Елизаветы (в этот день католическая церковь отмечает память дочери венгерского короля Андраша II Елизаветы Тюрингской). К юго-западу от Дордрехта гонимые свирепым западным ветром воды Северного моря столкнулись с поднявшимися от дождей встречными водами Мааса и Ваала. Вся система дамб была разрушена, и в один день в этом чрезвычайно густо населенном регионе под водой оказались 72 деревни. 100 тысяч человек утонули. Немногих оставшихся в живых, в том числе, по легенде, одного младенца в колыбели, вынесло на небольшой клочок суши, который назвали Киндердам ("Детская дамба"). Когда вода сошла, на месте деревень и полей остался "архипелаг" поросших тростником болотистых островков, названный Бейсбосх ("Тростниковый лес").

********

А теперь в нескольких словах о художнике, возможно, его имя не многим знакомо. Лоуренс Альма-Тадема, голландский и английский художник, мастер исторической и мифологической живописи, страстный археолог. Родился 8 января 1836 в Нидерландах. Искусство живописи изучал у голландских мастеров Йозефа Лаурентиса Дикманса, Байрона Яна Хендрика Лейса, Байрона Густава Вапперса. Его ранние работы содержат сходство с искусством голландских мастеров. Однако в 60-е годы XIX века, художник совершил путешествие в Италию и эта поездка перевернула его жизнь. Во время экспедиции Альма-Тадема столкнулся с руинами древних римских городов - Помпеи и Геркуланума. Очарованный древнеримской цивилизацией, а особенно деталями повседневной жизни, он начал плодотворное изучение древнего Рима.
Римская (и, в меньшей мере, греческая) археология, живопись и культура стали для Альма-Тадемы страстным увлечением, длившимся всю жизнь.

[осинка]

Эта картина скромно висит без рамы в одном из магазинов Винницы. «Женщина дождя» – самая дорогая из всех работ: стоит 500 долларов. Как утверждают продавцы, картину уже трижды покупали, а потом возвращали. Клиенты объясняют, что она им снится. А кто-то даже говорит, будто знает эту даму, но откуда – не помнит. И все, кто хоть раз заглянул в ее белые глаза, навсегда запоминают ощущение дождливого дня, тишины, тревоги и страха.

Откуда взялась необычная картина, рассказала ее автор – винницкая художница Светлана Телец. «В 1996 году я оканчивала Одесский художественный университет им. Грекова, – вспоминает Светлана. – И за полгода до рождения «Женщины» мне все время казалось, что за мной постоянно кто-то наблюдает. Я отгоняла от себя такие мысли, а потом в один из дней, кстати, совсем не дождливый, сидела перед чистым холстом и думала, что нарисовать. И вдруг четко увидела контуры женщины, ее лицо, цвета, оттенки. В одно мгновение заметила все детали образа. Основное написала быстро – часов за пять управилась. Казалось, моей рукой кто-то водил. А потом еще месяц дорисовывала».

Приехав в Винницу, Светлана выставила картину в местном художественном салоне. К ней то и дело подходили ценители искусства и делились такими же мыслями, какие возникали у нее самой во время работы.

«Было интересно наблюдать, – говорит художница, – насколько тонко вещь может материализовать мысль и внушить ее другим людям».

Несколько лет назад появилась первая покупательница. Одинокая бизнесменша долго ходила по залам, присматривалась. Купив «Женщину», повесила ее у себя в спальне.
Через две недели в квартире Светланы раздался ночной звонок: «Пожалуйста, заберите ее. Я не могу спать. Такое впечатление, что в квартире, кроме меня, кто-то есть. Я ее даже со стены сняла, за шкаф спрятала, а все равно не могу».

Потом появился второй покупатель. Потом картину купил молодой мужчина. И тоже не выдержал долго. Сам принес ее художнице. И даже деньги назад не взял.
- Она мне снится, – жаловался он. – Вот каждую ночь появляется и тенью вокруг меня ходит. Я с ума сходить начинаю. Боюсь этой картины!

Третий покупатель, узнав о дурной славе «Женщины», лишь отмахнулся. Даже сказал, что лицо зловещей дамы ему кажется милым. И с ним она наверняка уживется. Не ужилась.
- Я сначала не замечал, какие у нее белые глаза, – вспоминал он. – А потом они начали появляться всюду. Головные боли начались, беспричинные волнения. А оно мне надо?!

Так «Женщина дождя» снова вернулась к художнице. По городу же понеслась молва, что картина эта проклята. За одну ночь может свести с ума. Художница уже и сама не рада, что написала такую жуть. Впрочем, Света пока не теряет оптимизма:
- Каждая картина появляется на свет для какого-то конкретного человека. Верю, что найдется тот, для кого «Женщина» писалась. Кто-то ее ищет – так же, как и она его.

[осинка]

У одного из самых ярких и неординарных гениев русской живописи, Михаила Врубеля, есть работы, с которыми также связаны личные трагедии самого художника. Так, портрет его обожаемого сына Саввы, был написан им незадолго до смерти ребенка. Причем мальчик заболел неожиданно и умер скоропостижно. А «Демон поверженный» оказал пагубное влияние на психику и здоровье самого Врубеля.

Художник никак не мог оторваться от картины, все продолжал дописывать лицо поверженного Духа, а также менять колорит. «Демон поверженный» уже висел на выставке, а Врубель все приходил в зал, не обращая внимания на посетителей, усаживался перед картиной и продолжал работать, словно одержимый. Близкие обеспокоились его состоянием, и его осмотрел известный русский психиатр Бехтерев. Диагноз был страшен — сухотка спинного мозга, близкое сумасшествие и смерть. Врубеля поместили в больницу, но лечение плохо помогло, и вскоре он скончался.

Сообщение отредактировал осинка - 8.01.2013 - 2:06

[Ирэна]

мне и самой всегда хочется отвести взгляд от этой картины-такая энергетика разрушения и тягости от неё исходит

[осинка]

12 интересных фактов о «Девочке с персиками»



Иногда лучше не знать историю жизни прототипов персонажей известных произведений. Девочка с персиками в реальности прожила всего 32 года (умерла от пневмонии), ее муж больше не женился, остались трое детей. Будущее в глазах героини картины Валентина Серова не считывается. По ней даже не видно, что она дочь богатого промышленника.

1 ДЕВОЧКА. Озорной характер Веры Мамонтовой читается и в ее лукавом взгляде, и в складке губ — того и гляди рассмеется. Растрепанные волосы, румянец во все лицо, пылающая мочка уха указывают на то, что она только что носилась по двору. А через минуту вскочит и побежит дальше. Тем не менее это был ее первый опыт продолжительного позирования. Искусствовед Элеонора Пастон говорит: «Считается, что ее внешние черты Врубель придал «Снегурочке», «Египтянке», Тамаре на иллюстрациях к «Демону». Веру Саввишну со временем прозвали «абрамцевской богиней». Ее портреты также писал Васнецов («Девушка с кленовой веткой», «Боярышня»). 2 БЛУЗКА. На Вере повседневная одежда, хоть и украшенная ярким бантом. Просторная блуза кажется несколько мешковатой и слишком детской для 11-летней девочки. То, что она не переодевается специально для позирования, подчеркивает спонтанность ситуации и простоту отношений. Розовая блузка становится самым ярким и праздничным акцентом картины, и создается впечатление, что свет исходит не только из окна, но и от героини. 3 КОМНАТА. Место действия — столовая Мамонтовых в усадьбе Абрамцево, одна из анфиладных комнат. 4 СТОЛ. За большим раздвижным столом всегда собиралось много народу — члены семьи и друзья. Элеонора Пастон рассказывает, что Серов часто работал здесь. 5 ПЕРСИКИ выращены в оранжерее Мамонтовых. Деревья для нее семья купила в имениях Артемово и Жилкино в 1871 году. Выращивал персики артемовский садовник, которого Мамонтовы пригласили к себе после того, как он продал им деревья. 6 КЛЕНОВЫЕ ЛИСТЬЯ. Серов заканчивал работу над портретом в сентябре. Желтеющая листва за окном и на столе — свидетельство долгого терпения девочки. Кроме того, осенние кленовые листья рядом с летними персиками будто напоминают: жизнь быстротечна, и надо радоваться, пока ты юн и светит солнце. 7 ГРЕНАДЕР. Игрушечный деревянный солдат в левом углу — изделие сергиево-посадских кустарей. По словам заместителя директора по науке музея-заповедника «Абрамцево» Елены Митрофановой, Мамонтовы купили игрушку в Троице-Сергиевой лавре в 1884 году. Фигурка была некрашеная, расписывал ее Серов. В Абрамцевском музее есть даже выполненный художником эскиз росписи. Гренадер до сих пор стоит на тумбочке в том же самом углу. 8 КРАСНАЯ ГОСТИНАЯ. Соседняя комната, часть которой видна слева, — так называемая Красная гостиная, где собирались писатели и художники, друзья Мамонтовых. Там они читали по ролям произведения Пушкина, Гоголя, Тургенева, музицировали, дискутировали. 9 СТУЛЬЯ. Добротные стулья из красного дерева достались Мамонтовым от Аксаковых вместе с традицией художественных посиделок. Те два, что стоят у окна, — со спинками в виде лиры — были очень модными в начале XIX века, а в конце его уже превратились в антиквариат. В Красной гостиной виден стул в стиле жакоб. Подобная мебель строгих прямых очертаний, с вставками из золоченой латуни, появилась в России еще при Екатерине II. В Абрамцеве сохранились и стулья-лиры, и жакоб, который по-прежнему стоит в Красной гостиной. 10 ОКНО столовой, как и терраса, примыкающая к Красной гостиной, выходит в Абрамцевский парк, на аллею, названную Гоголевской в честь писателя, любившего здесь гулять. Видно, что оконные рамы далеко не новые, краска на них кое-где облупилась. Это добавляет картине естественности и ощущения того уюта, которое можно испытывать только в «родных стенах». 11 ТАРЕЛКА. Савва Мамонтов увлекался прикладным искусством. В 1889 году он даже открыл при усадьбе гончарную мастерскую, в которой создавались изделия из керамики в технике майолика. В частности, этим занимался Врубель. Судьба тарелки, изображенной Серовым за два года до открытия мастерской, неизвестна, но она настолько гармонично вписана в интерьер, что позже на той же стенке появилась другая майоликовая тарелка, уже из мастерской Мамонтовых. Она и сейчас висит в столовой на этом месте.

Августовским днем 1887 года 11-летняя Вера Мамонтова, отвлекшись от уличных игр, вбежала в дом и присела за стол, схватив персик. Ее жизнерадостный вид так впечатлил Валентина Серова, что он предложил девочке позировать. Художник знал модель с младенчества. Он часто бывал и даже подолгу жил в имении Мамонтовых Абрамцево, которое те купили у дочери писателя Сергея Аксакова в 1870 году. Еще при Аксаковых усадьба была центром русской культурной жизни. При Мамонтовых традиции продолжились. Здесь гостили Тургенев, Репин, Врубель, Антокольский... Абрамцево было и «домом творчества», и местом, где в атмосфере домашнего уюта собирались друзья. Впервые Серова привезла в Абрамцево мать-композитор в 1875 году. Он рос вместе со старшими детьми Мамонтовых, постоянно терпя их проказы. Младшая Вера тоже подшучивала над юным Серовым. Все изменилось в 1887 году, когда 22-летний художник вернулся из Италии, вдохновленный солнечными пейзажами и шедеврами Ренессанса. Тогда у Серова, по его воспоминаниям, был дурман в голове и желание «писать только отрадное». Еще недавно художник был невольным участником Вериных игр, а теперь та, которую до сих пор никто не мог заставить усидеть на месте, часами позировала ему каждый день почти два месяца. Со стороны девочки это была дань по-родственному близким отношениям. А картина явилась «своеобразной благодарностью Серова теплу и уюту дома Мамонтовых, ставших для художника второй семьей», — считает доктор искусствоведения, старший научный сотрудник Третьяковской галереи Элеонора Пастон. «Бывают создания человеческого духа, перерастающие во много раз намерения их творцов… К таким… надо отнести и тот удивительный серовский портрет. Из этюда «девочки в розовом»... он вырос в одно из самых замечательных произведений русской живописи», — писал о картине художник Игорь Грабарь. Валентин Серов подарил картину матери Веры, Елизавете Мамонтовой, и долгое время портрет находился в Абрамцеве, в той же комнате, где был написан. Теперь там висит копия, а оригинал выставлен в Третьяковской галерее.

» Кликните сюда для просмотра оффтоп текста.. «

ХУДОЖНИК
Валентин Александрович Серов
1865 — Родился в Петербурге.
1874 — Начал брать уроки живописи у Репина в Париже.
1880 — Поступил в Академию художеств.
1887 — Ездил в Вену и Италию. Написал «Девочку с персиками».
1894 — Стал членом Товарищества передвижников.
1900 — Вступил в объединение «Мир искусства».
1903 — Избран действительным членом Академии художеств.
1905 — Вышел из состава Академии в знак протеста против расстрела демонстрации 9 января, обвинив в его организации президента Академии (и одновременно командующего войсками Петербургского военного округа).
1908 — Избран действительным членом венского Сецессиона.
1911 — Умер в Москве от сердечного приступа.

Сообщение отредактировал осинка - 20.08.2014 - 17:45

[Лизавета]

Спасибо, Осинка.
Я знала, кто изображен на картине и кто автор, но остального не знала.

[Айя-Софи]

Картину 13-летнего россиянина выставят в галерее Лондона

Юный житель Башкирии написал портрет Гагарина, в декабре победивший на британском конкурсе Golden Time Talent.

Рисунок 13-летнего школьника из Башкирии теперь будет висеть в британской галерее на Тауэрском мосту в Лондоне. Гордей Тиглев отправил на международный конкурс портрет первого космонавта Юрия Гагарина и неожиданно для себя победил. Впрочем, слава не вскружила голову юному художнику, о своем достижении он говорит очень скромно.

«Я отреагировал спокойно, не думал, что у меня что-либо получится. Если бы не моя мама, меня бы никто не продвигал бы, и возможно обо мне никто не знал бы», — сказал Гордей Тиглев.


Две ссыли и инфой просиотрела, ни в олной картины этой нет.
(может у меня фота не открывается)
Очень хотедось бы посмотреть...

[Вик]

Очень хотедось бы посмотреть...

Дай ссылку на тот ресурс, где ты нашла эту инфу, ок?

[Айя-Софи]

Дай ссылку на тот ресурс, где ты нашла эту инфу, ок?

В поисковик строчку текста введи т ссыль будет... или заголовок.

Сообщение отредактировал Айя-Софи - 8.02.2022 - 7:25

[Вик]

Смотри, Софи

[Айя-Софи]

Вик
Круто! ... Спасибо, Вик.

[Геннадий.]

И что ?

[Вик]

И что ?

Не знаю кому как, а мне понравилось выражение лица Гагарина.

[Айя-Софи]

И что ?

Ну как что....??
А если в Лондоне какой-нить сумасшедший захочет купить картину за очень дорого
Повезет пацанчику....

Тож хАчу

Не знаю кому как, а мне понравилось выражение лица Гагарина.

[comandor]

[Геннадий.]

Не знаю кому как, а мне понравилось выражение лица Гагарина.

Но это не Гагарин.

[Маугли]

Но это не Гагарин.

Согласен.
Абсолютно восточный тип лица.;)

[Вик]

Согласен.
Абсолютно восточный тип лица.;)

...

[Геннадий.]

Согласен.
Абсолютно восточный тип лица.;)

Говоря иначе,если кто-то кому вы доверительное написать свой портрет,напишет портрет Гитлера и заявит,что это вы,то вы с ним согласитесь.
Боже ну должны же быть у человека,что то человеческое,а не кукольное.

[Айя-Софи]

Но это не Гагарин.

пацанчик перестарался))
Но портреты-дело такое...
Чуть нос укоротил, ноздрю поднял, а глаз продлил по горизонтали на полсантиметра и всё, уже монгол)))

Говоря иначе,если кто-то кому вы доверительное написать свой портрет,напишет портрет Гитлера и заявит,что это вы,то вы с ним согласитесь.
Боже ну должны же быть у человека,что то человеческое,а не кукольное.

Геннадий, давайте я вас нарисую
Ну пожаавлуйста
Может в профиль?)

[comandor]

В картине, по большому счету, ценят не схожесть, а стиль и видение.
Пацан нарисовал не исходник фото, а дал своё видение личности космонавта №1, поэтому картину оценили по достоинству.Он попытался проникнуть в душу и мысли космонавта, там в перспективы изображены новые планеты и миры, неизученное и неизведанное...

Имхо, как говорится...

Сообщение отредактировал comandor - 10.02.2022 - 16:51

[Айя-Софи]

В картине, по большому счету, ценят на схожесть, а стиль и видение.
Пацан нарисовал не исходник фото, а дал своё видение личности космонавта №1, поэтому картину оценили по достоинству.Он попытался проникнуть в душу и мысли космонавта, там в перспективы изображены новые планеты и миры, неизученное и неизведанное...

Имхо, как говорится...

Согласна..
Но от портретистов требуют схожесть...))

[comandor]

Согласна..
Но от портретистов требуют схожесть...))

Согласен, но в меру умения, художник вырастает технически и эстетически в процессе.
Не все Дюрерами рождаются

[Маугли]

Говоря иначе,если кто-то кому вы доверительное написать свой портрет,напишет портрет Гитлера и заявит,что это вы,то вы с ним согласитесь.
Боже ну должны же быть у человека,что то человеческое,а не кукольное.

Господин хороший, я не слепой.
И там просто обычный космонавт внешне абсолютно не похожий на Гагарина. Я согласился с вами лишь потому, что думал, вы тоже заметили.
Остальное ваши проблемы.
Это просто космонавт. Ну не похож.
Если уж рисунок претендует там на что-то сверх обычного конкурса рисунка, схожесть должна быть...
И не надо нести надуманную херню.

[Айя-Софи]

Люди, ну чего вы хотите, мальчонке толтко 13 лет
Он молодец вообще!

[Маугли]

Люди, ну чего вы хотите, мальчонке толтко 13 лет
Он молодец вообще!

Но и конкурс не районного масштаба.;)))

[Айя-Софи]

Но и конкурс не районного масштаба.;)))

Значит он молодец из всех молодцОВ

[Маугли]

Значит он молодец из всех молодцОВ

У него хорошо получилось, но лицо другое. Хорошое, но другое;)))

[Айя-Софи]

У него хорошо получилось, но лицо другое. Хорошое, но другое;)))

Портреты-очень сложная тема... Даже художники, занимающиеся другими жанрами, не рискуют писать портреты.
Это надо учитывать...
Один штрих не туда-и на портрете монгол вместо русского)))
Понимаешь, один мазок не туда

Все равно образ в целом узнаваем...
Лично я ни с каким другим космонавтом этот портретный образ бы не спутала))

[Вик]

У меня наверное зрение портится - вижу в портрете только Гагарина, а не Джанибекова. Sorry... :)

[Маугли]

Портреты-очень сложная тема... Даже художники, занимающиеся другими жанрами, не рискуют писать портреты.
Это надо учитывать...
Один штрих не туда-и на портрете монгол вместо русского)))
Понимаешь, один мазок не туда

Все равно образ в целом узнаваем...
Лично я ни с каким другим космонавтом этот портретный образ бы не спутала))

Если бы ты не сказала, я бы не догадался, что Гагарин.
Честно.

[Агата]

Портрет хорошо. Автор- молодец. Но с Гагариным я сходства не вижу. Как бы в Гагаринский антураж, в портрете Гагарина заменено лицо.

[Sunshine]

Смотри, Софи

Вик, в этом портрете, или который командор выложил?
Тут вылитый Гагарин

[Вик]

Вик, в этом портрете, или который командор выложил?
Тут вылитый Гагарин ag.gif

В этом, Наташа, что ребенок нарисовал.
И насколько мне помнится надпись на гермошлеме - СССР, вручную, была сделана только Гагарину, перед самым взлетом.

Сообщение отредактировал Вик - 11.02.2022 - 7:35

[Геннадий.]

Вик, в этом портрете, или который командор выложил?
Тут вылитый Гагарин

Ага

[Геннадий.]

Господин хороший, я не слепой.
И там просто обычный космонавт внешне абсолютно не похожий на Гагарина. Я согласился с вами лишь потому, что думал, вы тоже заметили.
Остальное ваши проблемы.
Это просто космонавт. Ну не похож.
Если уж рисунок претендует там на что-то сверх обычного конкурса рисунка, схожесть должна быть...
И не надо нести надуманную херню.

Вы бредите?Заметил...что?
Что это не Гагарин?Я и сказал об этом.А про Гитлера и куклу было вам сообщено лишь только потому, что в искусстве существуют некие правила отбросив которые получится обычная мазня и кич. А после найдутся те которые будут вопить о новом слове в искусстве хотя король то голый.

[Вик]

Ага

Что ага?
Не путай медийные фотокомпилляции с тем, что было на самом деле, много знаешь? Все из желтой прессы черпаешь фейковой. И фото в том числе.

Вот тебе слабо на память перечислить хотя бы десять первых советских космонавтов? Можешь не отвечать, не сможешь, полезешь гуглить. Так, что не умничай сильно.

[Айя-Софи]

Портрет хорошо. Автор- молодец. Но с Гагариным я сходства не вижу. Как бы в Гагаринский антураж, в портрете Гагарина заменено лицо.

Нет, нет, что ты!!!
Там все пропорции его....
Просто дело в нюансах, я же говорю...
Глаза немного продли-и всё, уже не то!!
Рот чуть меньше-и всё, роскошную улыбку Гагарина,, помяли,,)))
Портоеты очень трудно рисовать...

Мальчик просто не очень профи еще.

[Айя-Софи]

Портрет хорошо. Автор- молодец. Но с Гагариным я сходства не вижу. Как бы в Гагаринский антураж, в портрете Гагарина заменено лицо.

Нет, нет, что ты!!!
Там все пропорции его....
Просто дело в нюансах, я же говорю...
Глаза немного продли-и всё, уже не то!!
Рот чуть меньше-и всё, роскошную улыбку Гагарина,, помяли,,)))
Портреты очень трудно рисовать...(писать)

Мальчик просто не очень профи еще.

Сообщение отредактировал Айя-Софи - 11.02.2022 - 15:22

[Вик]

Мальчик просто не очень профи ещ

Софи, дорогая, я знаю, что ты не любишь обострять обстановку.

Но это Гагарин! С его тревогой, сомнением, может страхом. Не зря ему дали пистолет в полет, чтобы не мучаться если что пойдет не по плану и секретный код для этого на бумажке перед вылетом в скафандр сунули вопреки инструкциям.

Вот такие умники до сих пор дискутируют- а были ли американцы на Луне? Отстой ума и знаний.

[Геннадий.]

Что ага?
Не путай медийные фотокомпилляции с тем, что было на самом деле, много знаешь? Все из желтой прессы черпаешь фейковой. И фото в том числе.

Вот тебе слабо на память перечислить хотя бы десять первых советских космонавтов? Можешь не отвечать, не сможешь, полезешь гуглить. Так, что не умничай сильно.

Мадам или мужик мне не понятен смысл вашего выпада? Будьте так любезны поясните связь моегопоста с желтой прессой, а тоя "глубину" ваших мыслей понять не могу.
И заметьте грубость никогда не была признаком умного человека.



Сообщение отредактировал Геннадий. - 11.02.2022 - 18:03

[Апостол Иуда]

Но это не Гагарин.

Мне тоже кажется, что больше на Белку и Стрелку похож.

[Геннадий.]

Софи, дорогая, я знаю, что ты не любишь обострять обстановку.

Но это Гагарин! С его тревогой, сомнением, может страхом. Не зря ему дали пистолет в полет, чтобы не мучаться если что пойдет не по плану и секретный код для этого на бумажке перед вылетом в скафандр сунули вопреки инструкциям.

Вот такие умники до сих пор дискутируют- а были ли американцы на Луне? Отстой ума и знаний.

А для чего....а пистолет был в сейфе
А американцы на Луне не были, это точно как то, что никто и никогда на Марс не полетит.

[Апостол Иуда]

А американцы на Луне не были, это точно как то, что никто и никогда на Марс не полетит.

Да, и Гагарин никуда не летал. Нарядили в скафандр и посадили перед телекамерой. А, когда мало заплатили за роль - начал разоблачением угрожать. Вот, и пришлось Юрца в стену замуровать.

[Айя-Софи]

Да, и Гагарин никуда не летал. Нарядили в скафандр и посадили перед телекамерой. А, когда мало заплатили за роль - начал разоблачением угрожать. Вот, и пришлось Юрца в стену замуровать.

Нету смайлика, у виска подкрутить))

[Геннадий.]

Да, и Гагарин никуда не летал. Нарядили в скафандр и посадили перед телекамерой. А, когда мало заплатили за роль - начал разоблачением угрожать. Вот, и пришлось Юрца в стену замуровать.

Есть предметные доказательства полета,а у американцев кроме фальшивой пленки и невнятных объяснений как это им удалось преодолеть радиоактивный пояс Ван Алена,где радиация в150 раз выше чем на Земле,ничего нет.

[Вик]

Нету смайлика, у виска подкрутить))

Есть! Специально берег его для такого случая))



Сообщение отредактировал Вик - 12.02.2022 - 7:30

[Айя-Софи]

Ночное кафе или Тайная вечеря? Что нарисовал Ван Гог на картине «Ночная терраса кафе»








,, Что нарисовал импрессионист на картине «Ночная терраса кафе» — обычный вечер на улочке маленького французского города или перенес в сюжет библейскую Тайную вечерю?

На картине изображена звездная ночь и терраса кафе. За столиками сидит 12 человек и это количество равно 12 апостолам, разделившим с Иисусом Христом его последний ужин. У официанта, обслуживающего посетителей, длинные темные волосы и белое одеяние. Совсем как у Иисуса, угощавшего своих учеников вином и хлебом.

К библейскому сюжету отсылают и другие детали. Присмотритесь к картине. Официант стоит на фоне окна, рама которого сформирована в виде креста. Над его головой, как нимб, сияет фонарь. А один из посетителей не участвует в трапезе, он прислонился к дверному проему и наблюдает за происходящим со стороны. Как Иуда, покинувший ужин с учителем..,,

Переехав в Арль, Винсент писал в письмах старшему брату Тео, что испытывает огромную потребность в религии. И, по всей видимости, желание быть ближе к Богу подтолкнуло живописца к созданию удивительного шедевра со скрытым библейским мотивом.,,

А вам как кажется?

[Вик]

А вам как кажется? ah.gif ab.gif za.gif

А мне кажется... кажется мне, что эти якобы глубокомысленные рассуждения, как и о Малевиче, полнейшая чушь

[Айя-Софи]

А мне кажется... кажется мне, что эти якобы глубокомысленные рассуждения, как и о Малевиче, полнейшая чушь

А мне кажется, что нет..
Относительно Ван Гога....
Раньше художники поголовно пытались своими картинами рассказать намного больше, чем казвлось на первый взгляд....
Столько совпадений на картине....
Посмотри!!!

Кстати, я писала эту картину)))
Давно-давно)))
мне хотелось, чтоб копия в моем исполнении висела на моих стенах...)))
Так вот, не придала значение этим 12 людям, и написала 11

[Вик]

Раньше художники поголовно пытались своими картинами рассказать намного больше, чем казвлось на первый взгляд....

Ну и что же он хотел рассказать своей картиной, кроме того, что мы и без нее давно видели и знаем? )

Какой потаенный смысл в ней или откровения??

Сообщение отредактировал Вик - 20.02.2022 - 5:55

[Айя-Софи]

Ну и что же он хотел рассказать своей картиной, кроме того, что мы и без нее давно видели и знаем? )

Какой потаенный смысл в ней или откровения??

Наверное, он тешил себя мыслью, что ЗАимел право отобразить всех персонажей так, как ему вздумается , а не так, как настаивала тогда церковь...
Потом... Художники они такие выдумщики
Они-хулиганы))

[Вик]

Художники они такие выдумщики ag.gif ah.gif
Они-хулиганы))

Да! С тобой я в этом соглашусь, тем более если это художник с расстройством психики и отрезаным ухом)

[Айя-Софи]

Да! С тобой я в этом соглашусь, тем более если это художник с расстройством психики и отрезаным ухом)

)))

[Геннадий.]

Реально здесь видно спокойный вечер одного из городов сытой Европы,где богатые буржуа изволят трапезничать.И ничего более.Это не начало эпохи Возрождения с Джорджоне Кастель Франко и не художники времён буржуазных революций.

[Айя-Софи]

Реально здесь видно спокойный вечер одного из городов сытой Европы,где богатые буржуа изволят трапезничать.И ничего более.Это не начало эпохи Возрождения с Джорджоне Кастель Франко и не художники времён буржуазных революций.

Это художник такой, что у него всегда всё не просто так)))
А таких многочисленных совпадений не бывает)

[Вик]

Айя-Софи

Так я всеж не понимаю - какую мысль свою он хотел донести до зрителя своей картиной? )

[Айя-Софи]

Айя-Софи

Так я всеж не понимаю - какую мысль свою он хотел донести до зрителя своей картиной? )

Издеваешься?))))
Мысли Ван Гога?
Нам важно понять, что она там просто есть.... тайная мысль

[Sunshine]

Так я всеж не понимаю - какую мысль свою он хотел донести до зрителя своей картиной? )

А что непонятного? художник перенёс тайную вечерю, в своё время)

[Вик]

Нам важно понять, что она там просто есть.... тайная мысль

Вот так бы мне сразу и объяснила, что тайна эта великая и непознаваемая), а то я уже час пытаюсь ее постигнуть

[Айя-Софи]

Вот так бы мне сразу и объяснила, что тайна эта великая и непознаваемая), а то я уже час пытаюсь ее постигнуть

А я обожаю такие картины....
С тайной......

[Геннадий.]

Искусство должно быть понятным и конкретным,каким оно задумывалось человеком миллион лет назад.Все остальное безсмысленная мазня обитателей сумасшедшего дома.

[Айя-Софи]

Искусство должно быть понятным и конкретным,каким оно задумывалось человеком миллион лет назад.Все остальное безсмысленная мазня обитателей сумасшедшего дома.

А соглашусь...
Да!!!

В искусстве раньше было разделение на низкое и высокое... К высоким относили портреты и картины с изображением людей, а пейзажи и натюрморты ставили в низы...
Таким образом,на картинах, изображающих события, происходящие в,, одушевленном,, мире,, мифологические и библейские герои,, зашифровывались,, и были предназначены нести некую дополнмтнльную нагрузку (информауию) для расшифровки....
Такое разделение существовало несколько столетий. .. есть у зрителя интеллект и способность разбираться в метафорах и аллегориях-ты представитель высокоинтеллектуальной элиты..., а если способен оценить только натюрморт и пейзажи-добро пожаловать а масс-маркет))
И никаких упреков и осуждений... От каждого по способностям, каждому по потребностям. ..
Но в 19 веке система высоких и низких жанров вдруг вышла из под контроля.. .
Даже стали смешивать жанры..
Появились реалисты, которые чихать хотели на прежние правила..
Жае Миле писал деревню и крестьян.., а Густав Курбе, который вообще не вылезал из скандалов посмел вдруг вполне буднично изобразить провинциальные похороны.. Понятно, что чтобы понимать такие их картины не нужно быть экспертом в истории или мифологии,достаточно просто иметь глаза и сердце...
Затем пришли импрессионисты..., всё перевернули с ног на голову.. и кричали своим искусством, что между художником и зрителем не должно вообще стоять никаких интеллектуальных кордонов....


Лично я за разнообразие...
Ничего не поделаешь, в разные эпохи-рвзное искусство

[Лола Лоу]

А соглашусь...

В искусстве раньше было разделение на низкое и высокое... К высоким относили портреты и картины с изображением людей, а пейзажи и натюрморты ставили в низы...

Портреты (а это и есть картины с изображением людей) относились к низкому жанру, а к высокому относились картины на библейские и мифологические темы, везде в Европе, кроме Голландии, где ведущими были пейзажи, натюрморты и бытовые сценки

[Хельга]

Портреты (а это и есть картины с изображением людей) относились к низкому жанру, а к высокому относились картины на библейские и мифологические темы, везде в Европе, кроме Голландии, где ведущими были пейзажи, натюрморты и бытовые сценки

Бытовыессукны в Голландской живописи нк такие уж и бытовые! Они полны, смысла!
Когда там воцарился протестантизм, и религиощнве картины писать запретили, они стали всё зашифровывать.

[Хельга]

К примеру.
Как вы это понимаете?

[Айя-Софи]

Портреты (а это и есть картины с изображением людей) относились к низкому жанру, а к высокому относились картины на библейские и мифологические темы, везде в Европе, кроме Голландии, где ведущими были пейзажи, натюрморты и бытовые сценки

Портреты-это портреты... картины с уточнением деталей модели.
, а картины с изображением людей-это совсем не портреты)))...особенно, если этих людей много))


...
Ну и дальше...
Ты не по теме все перевернула.
Я сравнивала то, что сравнивала... И мое сравнение верное

Сообщение отредактировал Айя-Софи - 21.02.2022 - 5:44

[Айя-Софи]

Хева

В гугле:
Голландский живописец.
Жанровая живопись... Интерьеры.

Посмотрела его картины... Очень такой узнаваемый, со своим стилем.

Сообщение отредактировал Айя-Софи - 21.02.2022 - 5:51

[Геннадий.]

А соглашусь...
Да!!!

В искусстве раньше было разделение на низкое и высокое... К высоким относили портреты и картины с изображением людей, а пейзажи и натюрморты ставили в низы...
Таким образом,на картинах, изображающих события, происходящие в,, одушевленном,, мире,, мифологические и библейские герои,, зашифровывались,, и были предназначены нести некую дополнмтнльную нагрузку (информауию) для расшифровки....
Такое разделение существовало несколько столетий. .. есть у зрителя интеллект и способность разбираться в метафорах и аллегориях-ты представитель высокоинтеллектуальной элиты..., а если способен оценить только натюрморт и пейзажи-добро пожаловать а масс-маркет))
И никаких упреков и осуждений... От каждого по способностям, каждому по потребностям. ..
Но в 19 веке система высоких и низких жанров вдруг вышла из под контроля.. .
Даже стали смешивать жанры..
Появились реалисты, которые чихать хотели на прежние правила..
Жае Миле писал деревню и крестьян.., а Густав Курбе, который вообще не вылезал из скандалов посмел вдруг вполне буднично изобразить провинциальные похороны.. Понятно, что чтобы понимать такие их картины не нужно быть экспертом в истории или мифологии,достаточно просто иметь глаза и сердце...
Затем пришли импрессионисты..., всё перевернули с ног на голову.. и кричали своим искусством, что между художником и зрителем не должно вообще стоять никаких интеллектуальных кордонов....


Лично я за разнообразие...
Ничего не поделаешь, в разные эпохи-рвзное искусство

Насколько мне известно импрессионисты попытались передать на холсте динамику жизни , оживить изображение.Отсюда и не четкие размытые тона.Но это продолжение традиции художников эпохи Возрождения стремившихся вдохнуть в свои портреты жизнь передать им тайный смысл оживляющий их.А потому в портретах Тайны и Смысла больше чем в картинах абстракционистов и следующих за ними."новаторов".
А почему?А потому,что правящий умами и сердцами спекулянт пресыщенный всеми удовольствиями мира ищет ,что нибудь такое необычное которое они никогда не видели и торговцы от культуры и искусства охотно им это предоставляют- голые жопы на подмостках академических театров,"картины" нарисованные разными частями теле,а то и животными....
У всего этого есть четкое название- упадническое искусство.

[Геннадий.]

К примеру.
Как вы это понимаете?

Никак.Служанка принесла своей госпоже нечто.Я на планшете не разберу.

[Лола Лоу]

Портреты-это портреты... картины с уточнением деталей модели.
, а картины с изображением людей-это совсем не портреты)))...особенно, если этих людей много))


...
Ну и дальше...
Ты не по теме все перевернула.
Я сравнивала то, что сравнивала... И мое сравнение верное

Портрет - это изображение какого то человека или группы (групповой портрет)на картине или фото, все просто

Сообщение отредактировал Наташа - 21.02.2022 - 16:16

[Хельга]

Никак.Служанка принесла своей госпоже нечто.Я на планшете не разберу.

рыбу!
так вот как нам рассказывал в эрмитаже искустовед, эта картина о смерти.
Рыба -символ христа
Открытые двери и окна -симыолсмери
Женщина -мертва))))))
Такая вот бытовая живопись))))

[ЧФК_]

рыбу!
так вот как нам рассказывал в эрмитаже искустовед, эта картина о смерти.
Рыба -символ христа
Открытые двери и окна -симыолсмери
Женщина -мертва))))))
Такая вот бытовая живопись))))

как все сложно.
А не проще было нарисовать ее мертвой ?

[Хельга]

как все сложно.
А не проще было нарисовать ее мертвой ?

неа, в этом вся суть!

[Агата]

Иносказание.
Помню, в Эрмитаже смотрели голандцев. Там мужчины, женщины изображены в одной перчатке. Вторая снята. Символ того, что хоть человек и богат, но умеет трудиться.

[Айя-Софи]

Портрет - это изображение какого то человека или группы (групповой портрет)на картине или фото, все просто

))))
Нет, портрет-это портрет...
Есть разные жанры совсем... и с изображением людей
Там даже лица толком не видны...)))))
Странно, что ты все время всё путаешь...., как рост Венеры



Сообщение отредактировал Наташа - 21.02.2022 - 16:17

[Лола Лоу]

))))
Нет, портрет-это портрет...
Есть разные жанры совсем... и с изображением людей
Там даже лица толком не видны...)))))
Странно, что ты все время всё путаешь...., как рост Венеры


Оборжались те, кто ничего не смыслил))

Портре́т (фр. portrait, от старофранц. portraire — «воспроизводить что-либо черта в черту»[Комм 1], устар. парсуна — от лат. persona — «личность; особа») — изображение или описание какого-либо человека либо группы людей, существующих или существовавших в реальной действительности[1], в том числе художественными средствами (живописи, графики, гравюры, скульптуры, фотографии, полиграфии, видео), а также в литературе и криминалистике (словесный портрет)[2].

Читай википедию хотя бы
сегодня какой день смеха
"Портрет это портрет" ахахаха

[Айя-Софи]

Насколько мне известно импрессионисты попытались передать на холсте динамику жизни , оживить изображение.Отсюда и не четкие размытые тона.Но это продолжение традиции художников эпохи Возрождения стремившихся вдохнуть в свои портреты жизнь передать им тайный смысл оживляющий их.А потому в портретах Тайны и Смысла больше чем в картинах абстракционистов и следующих за ними."новаторов".
А почему?А потому,что правящий умами и сердцами спекулянт пресыщенный всеми удовольствиями мира ищет ,что нибудь такое необычное которое они никогда не видели и торговцы от культуры и искусства охотно им это предоставляют- голые жопы на подмостках академических театров,"картины" нарисованные разными частями теле,а то и животными....
У всего этого есть четкое название- упадническое искусство.

Ну и что?
Какая разница, как оно, искусство, называлось в то время

Теперь искусство может быть разным... во всех его проявлениях,
Во всех!!! Будь то краски, тона или полуоттенки и недосказанности..
Лично я считаю, что можно без стыда позволить себе любить любое искусство...

[Хельга]

к примеру этот натюрморт давайте порассуждаем.

[Айя-Софи]

Портре́т (фр. portrait, от старофранц. portraire — «воспроизводить что-либо черта в черту»[Комм 1], устар. парсуна — от лат. persona — «личность; особа») — изображение или описание какого-либо человека либо группы людей, существующих или существовавших в реальной действительности[1], в том числе художественными средствами (живописи, графики, гравюры, скульптуры, фотографии, полиграфии, видео), а также в литературе и криминалистике (словесный портрет)[2].

Читай википедию хотя бы
сегодня какой день смеха
"Портрет это портрет" ахахаха

Ты хоть понимаешь, что людей изобразить можно не черта в черту сроду?)))))
И тогда, эти картины сроду не портреты))

Библейские например...
Там картины содержат десятки персонажей.... (спиной, например)))
Это что, картины относятся к портретам?
Жанровые?

Лола, иди мимо..... Смешная))

Сообщение отредактировал Айя-Софи - 21.02.2022 - 11:11

[Айя-Софи]

Лола, для приличия хоть выучи, прежде сем спорить...
Жанры живописи))))



И люди изображаются далеко не только на портретах

Сообщение отредактировал Айя-Софи - 21.02.2022 - 11:17

[Лола Лоу]

Ты хоть понимаешь, что людей изобразить можно не черта в черту сроду?)))))
И тогда, эти картины сроду не портреты))

Я уже говорила, тебе не хватает базового образования, читай больше книг по истории живописи


Вот тебе типичный портрет от Ван Дейка
Художник пишет на портрете внутренний мир человека, а не черты его лица



вот еще один портрет, тут вообще нет половины лица
Мне кажется, ты говоришь глупости в большинстве из за того, что ничего не читаешь

Лола, для приличия хоть выучи, прежде сем спорить...
Жанры живописи))))

Ты даже по нанимаешь по сути половины. что копипастишь
У меня базовае архитектурное образование и я закончила малую художественную академию перед тем, мне эти твои картинки с нета не нужны))

[Айя-Софи]

Я уже говорила, тебе не хватает базового образования, читай больше книг по истории живописи


Вот тебе типичный портрет от Ван Дейка
Художник пишет на портрете внутренний мир человека, а не черты его лица



вот еще один портрет, тут вообще нет половины лица
Мне кажется, ты говоришь глупости в большинстве из за того, что ничего не читаешь

Сама поучись...в элементарном плаваешь))
Ты пишешь, что если люди написаны, то это портрет..
Так это не так, потому что люди могут быть написаны по разному.
Че ж ты портреты притащила?
Ты тащи другие.... Где много персонажей... о которых я и писала..

Сообщение отредактировал Айя-Софи - 21.02.2022 - 11:22