Имеется некая семья - отец и сын. При них - сексапильная горничная, которая, как вскоре выясняется, делит ложе с обоими. Причем оба, отец и сын, собираются жениться: старший - на подруге своей бывшей жены, младший - на некрасивой, но богатой испанке. Очевидно, в семье существует какая-то тайна - она связана с загадочным исчезновением матери молодого человека. Когда тот был еще ребенком, в одно прекрасное утро она ушла на работу, и больше ее никто не видел. Сын мучается неизвестностью, расспрашивает отца, но не может получить от него вразумительного ответа. Неожиданно в дом приезжает полковник американской армии - немолодой, импозантный мужчина. Он рассказывает отцу, что его жена была агентом спецслужб, завалила какое-то дело, ей грозила смерть, но она скрылась в Соединенных Штатах, сделала там операцию по перемене пола, дослужилась до полковника... Одним словом, полковник - это и есть мать юноши, и приехала она теперь, не в силах справиться с материнским инстинктом, все же не убитым в ней. Так, в обиход наших подмостков введена тема трансвеститов. Но это все же комедия, сделанная с французским мастерством. Комедия ошибок, комедия узнаваний

Спектакль «Рождественские грезы» - это очень добрая история любви, которая понравится абсолютно всем зрителям. А кому не нравятся истории любви? Правильно, любовные истории нравятся всем, а особенно те, которые заканчиваются счастливо. Это история об одной немолодой, но очаровательной женщине, которая живет со своей матерью в старой московской квартире. Всю свою нежность, доброту и ласку она посвящает своей любимой матушке, а жизнь ее проходит. И что придет потом? Правильно, придет одиночество, казалось бы, оно неизбежно, но тут на ее пути встает Он… Он появляется неожиданно и очень быстро становится частью жизни этой бедной женщины! Трогательная и теплая история любви, веселая к тому же! А многие, наверное, подумали, что это – очередная мелодрама, только не телевизионная, а театральная. Когда смотришь спектакль «Рождественские грезы», то кажется, что в одно и то же время всем – и зрителям, и театральным режиссерам и постановщикам захотелось перед новогодними и рождественскими праздниками чего-то легкого, светлого и ненавязчивого, с радостным хэппи - эндом. Это настоящая праздничная история – оптимистичная, сказочная, обнадеживающая.

В Московском Художественном Театре имени Чехова можно посмотреть сцены – видения по известной пьесе Уильяма Шекспира. Тот «Король Лир», который идет в МХАТе имени Чехова, представляет собой сценическую версию Тадаси Судзуки. Классик японского театра решил поставить в Москве с российскими актерами свой спектакль, которому уже двадцать лет. Если сформулировать краткое содержание спектакля, то получится следующее: весь мир – это психиатрическая больница, а люди – пациенты этой больницы. Короля Лира играет актер Анатолий Белый, он разъезжает по сцене в инвалидной коляске под присмотром медицинских сестер. И эта коляска знакома тому, кто не впервые приходит на спектакли Судзуки, потому что эта коляска играет свою скромную роль – роль самой себя в каждой его сценической работе. Судзуки – это талантливый человек, который умеет создать из обыкновенного и привычного всем нечто необыкновенное и шокирующее. Именно за это его так сильно любят зрители и расхваливают критики, а на различных фестивалях и церемониях ему вручают награды. И его популярность такова не только в России, но и во всем мире.

Именно благодаря этому произведению, которое само по себе относится к жанру трагикомедии, Дюрренматт получил широкую известность и популярность в шестидесятые годы. Режиссером – постановщиком данной пьесы выступает болгарин Александр Морфов, который достаточно ярко заявил о себе на сцене Ленкома со спектаклем под названием «Затмение» по мотивам знаменитого романа Кена Кизи «Пролетая над гнездом кукушки». В новом спектакле главные мужские роли исполняют Александр Лазарев – младший и Андрей Соколов. К слову, Андрей Лазарев – младший играл и в спектакле «Затмение», а Андрей Соколов в связи с кончиной Александра Абдулова исполняет роль Макмэрфи. Это история о богатой женщине, которая приезжает в маленький городок и за миллиард предлагает убить Альберта Ила, который когда-то пустил ее по рукам. Андрей Соколов и Александр Лазарев – младший играют поочередно Альберта Ила. Что касается старой дамы, то ее играет Мария Миронова.

Сколько десятилетий сменилось, сколько реформ и преобразований, а в российской деревне — многое по-прежнему… Денег нет, но выпить всегда найдется, свадьба без драки — не свадьба, а отдать последнее незнакомому человеку — дело, само собой разумеющееся.

Из незамысловатой пьесы Коровкина про афериста, который хотел обдурить влюбленную селянку, да совесть не позволили, Александр Мохов делает задушевную песню о загадочных русских… Из это пусть и не безоблачной, но естественной и настоящей жизни не захочется уезжать обратно в бесчеловечную суету улиц — как не хочется, выйдя из „Табакерки“, нырять в людское тесто московской подземки

Два молодых безработных актера узнают, что миллионерша преклонных лет разыскивает потерявшихся в детстве племянниц, дабы отдать им свои миллионы — те самые совсем не лишние миллионы, ради которых можно рискнуть и сыграть комедию с переодеваниями, полную веселых перипетий и сюрпризов.

Сюжет пьесы русского драматурга Островского закручен вокруг женитьбы. Богатый купец делает предложение местной красавице, которая оказывается избалованной девицей. Она соглашается и выходит за купца замуж, но этот брак был браком по расчету. Потом мы наблюдаем картину ее мучений, а также и мучений ее богатого мужа. В театре – студии Олега Табакова этот спектакль поставил молодой, но уважаемый режиссер Сергей Пускепалис. Он, видимо, совсем забыл, что Островский – это настоящая русская классика, которая не терпит каких-либо изменений и нововведений. Следует отметить, что режиссер Сергей Пускепалис является учеником Петра Фоменко. Он разобрал сюжет классической истории Островского с особой внимательностью.

Актеры в этом спектакле играют наполовину серьезно и наполовину шутливо. Они превращают свое действие в небольшой этюд. Белугин, которого сыграл Миллер, получив согласие на предложение руки и сердца, в приливе чувств заваливает мать Елены на стол, а потом ее же заваливает на диван, предлагая угоститься конфетами. Все внутренние помещения домов декорированы самым наилучшим образом, а костюмы актеров выполнены в соответствии с временем, в котором происходит все действие спектакля.

Центр реализации творческих проектов "Адмиралтейский" представляет спектакль "Контрабас" по одноименной пьесе Патрика Зюскинда.

Одноактная пьеса П.Зюскинда "Контрабас" - уже более двадцати лет одна из самых популярных в Европе. Это блестящий монолог музыканта, отказавшегося от карьеры в оркестре из-за любви к своему инструменту.
Спектакль получился о любви, об одиночестве, о музыке. О жажде поступка и неспособности его совершить. Об обостренном чувстве божественного и невозможности его достичь. О любви мужчины к женщине, которая и заставляет героя мучительно страдать.

Исполнитель главной роли - артист театра БДТ, Лауреат премии "Дебют" Антон Шварц.
В спектакле принимает участие Алексей Рахов (cаксофон), известный музыкант, композитор, участник проектов "Странные игры", "АВИА", "Н.О.М.", "ДеаDушки", "Снега".
В спектакле использована музыка Р.Вагнера, Й.Брамса, А.Рахова.

Два постсоветских пенсионера - "интеллигент" Антон Антонович (Н. Мартон) и "маленький человек" Григорий Васильевич (М. Светин) - болтают о том о сем: о мусорках, президенте, родственниках и между прочим о Бразилии, где проживает жених племянницы Антона Антоновича, великолепный дон Педро. Поговорят - разойдутся, снова встретятся. И как-то вдруг к Григорию Васильевичу приходит она - мечта. Сумасшедшая, фантастическая.

Мечтая над картой Бразилии о своем выдуманном предке доне Педро можно верить, что там всё иначе: прогулки в белых штанах по Рио-де-Жанейро, и ты - только выше ростом и благороднее душой. Перемена места как метафора изменения себя. Великая российская мечта, озвученная еще чеховскими тремя сестрами.

Гастроли Московского Государственного театра "Ленком".
Спектакль "Все оплачено" И.Жамиака, в двух актах перевод Е.Бабенко.

Обеспеченный мсье Амалькар носит зонт даже в солнечную погоду и мучается от одиночества. Не желая вследствие душевных травм иметь дела с настоящей любовью, он приобретает за большие деньги ее суррогат: нанятые им стареющая актриса, нищий художник и проститутка должны будут ежевечерне разыгрывать перед ним спектакль о любви и дружбе, играя роли жены, товарища и дочери. Поначалу мсье умело и с удовольствием манипулирует своим личным театром, но стоит ли говорить, что даже большущий зонт на сцене не спасет от проникновения в его постановку подлинных чувств.

Спектакль, сделанный в жанре детектив-dance, о любви.
О любви страстной, искренней, сметающей все на своем пути. Две женщины борются за любовь одного мужчины, и обе готовы на все, даже на преступление. Развязка спектакля неожиданна и непредсказуема. Детективный сюжет на протяжении всего действия держит зрителя в напряжении.
Блистательный актерский состав, интересная режиссерская работа, яркие костюмы и страстные танцы фламенко - все это делает спектакль незабываемым и ярким событием в театральном мире.
В спектакле принимает участие танцевальная группа фламенко "Lo Nuestro".

Обратите внимание! Просмотр спектакля не рекомендован лицам, не достигшим 16-ти лет.

Независимый Театральный Проект представляет спектакль "Ladies' night. Только для женщин" (мужская история в 2-х частях).
История превращения «раздавленных жизнью трудяг в раскованных аполлонов» (по сюжету - шестеро безработных с горя подаются в стриптизеры), написанная МакКартеном, Синклером и Колларом, произвела фурор во Франции и была признана лучшей театральной пьесой 2001 года.

Финальное шоу спектакля будет ничем иным, как профессионально исполненным… мужским стриптизом в исполнении драматических артистов.

Чтобы спасти эфир, команда "Как бы радио" готова пойти на все: объявить о том, что в Японском море тонет лайнер с экзотическими животными, устроить марафон для их спасения, выдать аудиокассету с уроками французского за "интервью" с Брижит Бардо. Все идет гладко, пока на спасение тонущих животных не отправляется Миноборона и МЧС. Если Вы хотите узнать, чем закончится история, то следует позаботиться о билетах уже сейчас - спектакль всегда собирает аншлаги. Но мы о Вас уже подумали - заказать билеты можно на нашем сайте. Режиссер Сергев Петрейков поставил веселый, азартный, остроумный спектакль. В роли гостей здесь выступит группа "Несчастный случай", а в спектакле играют Нонна Гришаева ("Женщина над нами", "День выборов"), Михаил Полицемайко ("Маленькие комедии", "Бестолочь"), Дмитрий Марьянов ("Белоснежка и другие", "Актерские игры") и другие.

Пьеса Кена Людвига «Одолжите тенора!» впервые была поставлена в Лондоне. Получив множество премий, она была переведена на 8 языков мира. И теперь с успехом шагает по городам и странам, переполняя театральные залы.

В России за постановку спектакля «Одолжите тенора!» взялся режиссер Евгений Писарев, который неустанно пополняет репертуар театра интереснейшими премьерами. Главную роль в комедии «Одолжите тенора!» исполняет любимец публики Сергей Лазарев. Он, как это ни странно, играет молодого певца Макса, чью деятельность никто не принимает всерьез. Все без ума от знаменитого тенора Тито Мерелли, который вот-вот должен приехать на гастроли... Но случается страшное: перед самым концертом выясняется, что звезда эстрады не может петь! Билеты проданы, назревает скандал. Продюсер, не долго думая, принимает решение выдать Макса за знаменитого тенора. Казалось бы - положение спасено. Но, как бы не так...

В спектакле также участвуют: Александр Арсентьев («Письмо счастья», «Ромео и Джульетта»), Анна Бегунова («Ромео и Джульетта», «Пули над Бродвеем») и Андрей Соколов («Путники в ночи», «Ревизор»).

Спектакль «Заяц. Love Story» поставлен в «Современнике» по пьесе Николая Коляды «Старая зайчиха». На протяжении всей пьесы в постановке Галины Волчек на сцене только два главных героя – Нина Дорошина («Виндзорские насмешницы», «Крутой маршрут») и Валентин Гафт («Четыре строчки для дебютантки», «Трудные люди»). Их объединяет не слишком счастливая судьба, не удавшаяся актерская карьера и роль пары зайцев в каком-то детском спектакле. В то время они были счастливы, это был их звездный час, а потом расставание, тоска и спустя 20 лет снова встреча. Их разговоры трогательны, нелепы, порой даже смешны. А то, что кажется самым остроумным и незнакомым, впоследствии оказывается эпиграммами самого Гафта.

Режиссер Евгений Каменькович воплотил в жизнь один из самых главных романов XX – «Улисс» Джеймса Джойса. Для ценителей постмодернизма спектакль станет потрясающей находкой. Но, даже если Вы впервые встречаетесь с данным произведением, то бояться тут нечего: все становится ясно, как только вникаешь в суть. Спектакль сделан на высоком уровне, с задором и, самое главное, постоянно чувствуется динамичное действие, так что все шесть часов спектакля переживаются на одном дыхании. При всем этом постановка «Улисс» на сцене «Мастерской Петра Фоменко» не держит в напряжении, а скорее, наоборот, умиротворяет. Судя по отзывам на спектакль «Улисс», его можно либо полюбить, либо просто не понять. Заказать билеты можно у нас на сайте. В спектакле играют Анатолий Горячев («Дом, где разбиваются сердца», «Белые ночи»), Полина Кутепова («Безумная из Шайо», «Дом, где разбиваются сердца»), Юрий Буторин («Морфий») и Андрей Казаков («Война и мир. Начало романа», «Три сестры»).

Во все времена невесты пред свадьбой волновались, но что же касается их жОнихов? Комедия "Женитьба" открывает перед нами необычную историю Подколесина. дело в том, что он решил жениться. Дата назначена, конкурентов у него не осталось, всё вроде бы налажено, но в самый ответственный момент герой начинает подумывать над тем, а надо ли ему все это?
Спектакль крайне актуален в наши дни. Его первоклассный сюжет заставляет смотреть зрителя на одном духу и сегодня - он один из самых популярных спектаклей, который играется на сцене театра Ленкома.

Дипломный спектакль выпускника мастерской В.Фильштинского - О.Еремина.
Сценография и костюмы С.Столярова.

В этом спектакле все необычно и вызывает удивление. В оригинальной сценической композиции режиссер соединил произведения на первый взгляд несовместимые - стихотворение Иосифа Бродского "Муха" и "Муху-Цокотуху" Корнея Чуковского. Из гротескного сочетания философской лирики и детской сказки, которую каждый ребенок знает наизусть, режиссер вычленяет смыслы, позволяющие по-новому открыть для себя поэзию Бродского и зачитанную до дыр сказку Чуковского. Конечно же, здесь возникают ироничные отсылки к кафкианскому "Превращению", и к "удалым вивисекторам" Николая Олейникова, и к сатирическому гимну "Похвала мухе" Лукиана.

Свободно смешивая разные жанры, Еремин ставит театральный эксперимент, где пафос и ирония то и дело сменяют друг друга. Приемы площадного балаганного действа здесь свободно сочетаются с элементами гиньоля, а клоунада и эксцентрика вдруг сменяются монологами главной героини, сыгранными в жанре высокой трагедии. В этот странный жутковатый маскарад зрители вовлекаются с первых же сцен - в самом начале спектакля каждому придется пройти по игровому подиуму, на котором будет разыграно представление. Действие спектакля происходит там, где никогда доселе не ступала нога зрителя - в акустической трубе 6-го яруса, опоясывающей зрительный зал и создающей неповторимую александринскую акустику. Каждый, как и положено в маскараде, получит маску (но не театральную, а медицинскую) и карнавальные бахилы, становясь полноправным участником этого перформанса.

Спектакль рассчитан на взрослого зрителя и будет интересен прежде всего молодежной зрительской аудитории, открытой всевозможным театральным экспериментам.

Премьера.
История о трагически трудном детстве. Мир ребенка школьного возраста, замученного взаимоотношениями родственников. Череда трагических эпизодов, в которых предстают хорошо узнаваемые приметы советской жизни, ведет к воссоединению родных сердец.

В 2008 г. за роль Бабушки н.а.России Э.Зиганшина была удостоена Высшей театральной премии Санкт-Петербурга "Золотой софит" в Номинации "Лучшая женская роль".

В основе спектакля рассказы, вошедшие в одноименный сборник народного художника России, лауреата Государственных премий, известного петербургского сценографа Э.Кочергина. «Ангелова кукла» - это рассказы о послевоенном Ленинграде, о людях населявших великий город великой страны…

Память глаз рисовального человека запечатлела на страницах тех, кто оказался на обочине жизни в конце 1940-х начале 1950-х годов. Герои Кочергина – солдаты – «инвалиды разных мастей», спивающиеся в василеостровских шалманах, «вспоминая штурмы Кенигсберга, Будапешта, Берлина», нищие – обитатели паперти Николы Морского, проститутки с Петроградской стороны, промышляющие у ресторана «Приморский» на углу Большого и Рыбацкой. У них не имена – кликухи, а жизнь – каждодневная борьба за выживание. И жизнь эта наполнена памятью о бывших светлых днях и неизбывной мечтой о лучшем будущем. И, не смотря на все тяготы, не лишена она юмора, искренних человеческих отношений, любви и преданности. И пусть «в кармане вошь сидит на аркане, да шиш шиша шишом гоняет, да все вместе шевелят пустоту». Но того, что есть – уже никому не отнять.

Авторы спектакля уверены, что «даже у самого опущенного, задавленного человека, могут быть честь и совесть, и что даже в самой опущенной жизни, живет мечта, пусть даже о чем-то совсем невозможном». А спешащим и преуспевающим стоит напомнить: важно быть человеком, а не казаться таковым, жить с чистыми мыслями, открытым сердцем, а не прятать душевную «пустоту» за шелковым кашне. И, наконец, о том, что каждый на этом свете имеет право на счастье - и никто не в праве запретить или отказать ему в этом…

Это лирическая и смешная история из современной жизни.
Живет в большом городе молодая семья. Он, она и маленький ребенок. И все, казалось бы, хорошо. Но что-то заставляет героиню убежать из дома в ночь, на улицы города, где происходит много неожиданного и смешного, страшного и интересного. Преодолеть скуку и однообразие нашей жизни иногда помогают самые неожиданные повороты судьбы. Это лирическая и смешная история из современной жизни.

Концепция спектакля:

ПЕСНЯ

Окно моё высоко над землёю,
Я вижу только небо с вечернею зарёю.

И небо кажется пустым и бледным,
Оно не сжалится над серцем бледным,

Увы, в печали безумной я умираю,
Стремлюсь к тому, чего я не знаю,

И это желание не знаю откуда
Но сердце хочет и просит чуда,

О пусть будет то, чего не бывает,
Мне бледное небо чудес обещает,

Но плачу без слёз о неверном обете,
Мне нужно то, чего нет на свете.

(Зинаида Николаевна Мережковская-Гиппиус)


Мы осознанно попадаем в окно... и, сделав первый шаг, самый страшный и непонятный...
мы можем сделать и второй, и третий, и четвертый... и тогда мы можем двигаться в пространстве: реальном и нереальном... тогда мы можем иметь желания и жить в настоящем, хотеть так сильно, что не думать об этом!

заметки:
В спектакле используется живая,авторская музыка,а музыкант является персонажем спектакля. Так же используется оригинальное авторское видео.Виджей работает с готовым материалом и с оператором,снимающим спектакль в реальном времени.Одним из главных персонажей является художник.Её рисунки,которые создаются во время спектакля, используются для проекции.Все участники спектакля:художник,музыкант,двое актёров(хореографов),оператор - являются героями спектакля "окно" и находятся непосредственно на сцене. Основное средство выражение спектакля пластика.

«Любовь - не картошка, не выбросишь в окошко» Комедия

Режиссер-постановщик – Андрей Максимов

В ролях: н.а.России Нина Усатова, Александр Михайлов/Александр Панкратов-Черный,

З.а. России Игорь Скляр, Зоя Буряк, Кира Крейлис – Петрова, /Н.Семенова,

Александр Саюталин/ К.Полухин

На какие только ухищрения не готов пойти ревнивый сельский парень, чтобы отвадить от своей зазнобы приглянувшегося ей заезжего городского гостя. Например, заявить ее семье, что гость не совсем нормальный. А ему, в свою очередь, внушить, что вся ее семейка не в своем уме!.. Сюжет комедии «Любовь – не картошка, не выбросишь в окошко» по пьесе Степана Лобозерова в постановке Андрея Максимова. Роль Катерины сыграла народная артистка России Нина Усатова. Усатова здесь потрясающе органична – настоящая женщина из русского села, хозяйка дома, сильная, волевая. Ни грамма не сомневаешься, что такая, и коня на скаку остановит, и в горящую избу войдет. Не уступает ей и народный артист России Александр Михайлов (ее муж Тимофей) – он продолжает в спектакле линию фильма «Любовь и голуби». Его герой – столь же добродушный и простоватый мужик, не дурак выпить, но порой все же не забывающий напомнить домочадцам, «кто в доме хозяин». В центре происходящего – любовная коллизия их дочери Таньки (Зоя Буряк) и ее ухажера, кладовщика Мишки (Александр Саюталин). Собственно, он и заварил всю кашу, приревновав Таньку к художнику Виктору (заслуженный артист России Игорь Скляр), приехавшему оформлять сельский клуб. В результате интриги Мишки оборачиваются для него самого полной неожиданностью… В этом незамысловатом, в общем-то, спектакле, не менее интересен Игорь Скляр. Зал умирает со смеху, наблюдая за метаниями его перепуганного героя – и угораздило же попасть в такую семейку! Игорь Скляр в очередной раз подтвердил свое амплуа актера тонкого комедийного склада и обаяния.А Зоя Буряк, сыгравшая в спектакле Таньку, из-за которой весь сыр-бор по сюжету и закрутился, между прочим, родом из Красноярска. Но, несмотря на «сельский» типаж, потомственная горожанка. Хотя роли «женщин из народа» за ней, похоже, закрепились накрепко, еще начиная с дебюта в фильме «Холодное лето 53-го». Позже был заметный эпизод в «Особенностях национальной охоты». Да и в спектакль «Любовь – не картошка» актриса вписалась как нельзя более удачно – этакая вольная деревенская деваха, кровь с молоком, прекрасно чувствующая свою женскую привлекательность и умело этим пользующаяся. Незадачливому Мишке приходится юзом вертеться, чтобы добиться ее благосклонности. А толку-то? Ничем ее не пронять, словно каменная! Но вот верному поклоннику грозит опасность, и сердце женщины дрогнуло… В финале, как и положено в таких спектаклях, торжествует любовь.

Театр эстрады им. Аркадия Райкина

Детективная комедия

По пьесе В. Колахадзе и Р.Цаммер «Угощение на четверых»
Режиссер-постановщик – Виктор Крамер
В ролях: Юрий Гальцев, Светлана Письмиченко/Оксана Базилевич, Ирина Ракшина и Елена Спиридонова.

Жанр пьесы Вольфганга Колахадзе и Риты Цаммер «Угощение на четверых» можно определить как – детективная комедия. Место действия – Германия конца XIX – начало XX века. В родовом поместье одного из небольших немецких городков проживает состоятельная бюргерская семья потомственных владельцев пивоварен «Хеккендорф», состоящая из трех сестёр. Их слуга – Рудольф на протяжении всей жизни был единственным мужчиной в доме. И, как оказывается, по ходу действия пьесы, он не ограничивался только работой по дому… все три сестры, втайне друг от друга, были предметом его амурных утех. Всю жизнь, мечтая покинуть дом обворожительных хозяюшек ради дальних странствий, преданный слуга наконец-то решается с помощью шантажа выманить у них деньги, чтобы покинуть дом. В ответ на «выходку» слуги,- все три сестры, не сговариваясь, решаются его отравить. В свою очередь у слуги возникают те же мысли – отравить своих хозяек и получить от них наследство. Зритель до последнего момента находится в неведении – кто же отравлен, а кто будет жить?

Пьеса насыщенна интригами, клоунадой и ярким музыкально-феерическим шоу.

Спектакли в постановке Виктора Крамера – это всегда яркое, интересное зрелище. Данный проект насыщен танцами, гротесковыми репризами, фокусами в лучших традициях великих магов.

Великолепный актерский квартет: в главной роли знаменитый мастер смеха – Юрий Гальцев и, впервые, вместе с ним играют лучшие комедийные актрисы театра и кино – Светлана Письмиченко, Ирина Ракшина и Елена Спиридонова.

Спектакль "Невеста по вызову" Молодого Драматического театра (Худ.рук. театр В.Владимиров)

Сказочный анекдот для взрослых в одном действии по пьесе Н.Ворожбит "Девочка со спичками". Жена уехала. А значит можно отдохнуть и встретиться со старыми друзьями… и почему-то тянет на великие подвиги. Вот и записная книжка друга под рукой и телефончик в ней довольно "странный". Но только чувствами людей, увы, шутить не надо…

Что может угрожать прекрасному будущему? Только ужасное прошлое. Депутат Британского парламента сэр Роберт Чилтерн известен своей честностью и неподкупностью. Под стать ему и его супруга – леди Чилтерн, являющая собой пример высокой нравственности. Однако прошлое сэра Роберта не совсем безупречно…

Гастроли Московского Драматического театра им. К.С.Станиславского

Ироничная, тонкая, умная пьеса Гарольда Пинтера “Предательство” – о катастрофической обыденности человеческого существования. Единственное, что связывает героев, – одиночество, абсолютное, отчаянное, монотонное, сводящее с ума, лишающее опоры, заставляющее совершать самые нелепые и нелогичные поступки. Их отношения показаны в обратной хронологии: от разрыва до зарождения отношений. Создается иллюзия стандартного любовного треугольника, но только, в отличие от банальной мелодрамы, в этой пьесе все предают всех. Делают это спокойно, буднично, без эмоций. Герои в растерянности обмениваются пустыми словами «ни о чем» и, в отчаянной попытке найти понимание, не слышат друг друга…

В ролях: Станислав Садальский, Жанна Эппле/Эвелина Бледанс, Алла Довлатова/Елена Торшина

ОЧЕНЬ СМЕШНАЯ КОМЕДИЯ!

САМАЯ ГРОМКАЯ ПРЕМЬЕРА АНТРЕПРИЗНОГО СЕЗОНА!

Главная заслуга в этом успехе принадлежит МЭТРУ КОМЕДИИ!

ЗВЕЗДЕ СЦЕНЫ- Станиславу Садальскому! И блистательному дуэту актрис — Ж.Эппле,А.Довлатовой,Э.Бледанс и Е. Торшиной!

Интригует и захватывает сюжет пьесы с первых мгновений.

Заканчивается ремонт в квартире депутата,который делает актер-неудачник - Стас, дома хозяйка - Марианна и вдруг врывается Дама, обвиняющая Марианну в любовной связи со своим мужем.

Стас представляется мужем Марианны.

Финал оказывается неожиданным для самих героев....

Незабываемый вечер и чудесное настроение — ЖДУТ ВАС!!!

Выборгский Дворец Культуры

«Дороже жемчуга и злата»

Музыкальная сказка по пьесе Г.-Х. Андерсена

Для детей и подростков от 5 до 15 лет

Режиссер – Людмила Волкова

В ролях: С. Богданов, Е.Глухов, В.Волкова, В.Третьяков, Ф.Ершов, В.Байков, О.Зюканова, А.Безумов, М.Хаханова и др.

Спектакль поставлен по пьесе Г.-Х. Андерсена «Дороже жемчуга и злата», которую великий сказочник написал специально для Королевского театра Дании. Это история о любви, о поиске непреходящих вечных ценностей. Населяют спектакль необычные сказочные персонажи: Царь духов и гении, милый добрый Домовой и Птица Феникс, самодур Червонный Король и покорные жители его карточной страны.

В окружении добрых гениев и преданного слуги Памфилия Царь Духов ведет на небесах нескучную жизнь. Для большего удовольствия он призывает к себе своего земного друга - ученого-астролога Зефиса, которого прежде за услуги щедро одаривал драгоценностями. Зефис, внезапно оказавшийся на небесах, сокрушается, что не успел оставить завещание своему сыну Элимару и открыть ему тайну сокровищ. Царь духов не только спасает Элимара от бедности, но и помогает молодому человеку обрести интерес к жизни. Он уготовил юноше ряд испытаний, главное из которых – найти умную, добрую, правдивую и красивую девушку! Но, встретив такую, Элимар не имеет права полюбить ее. Юноша принимает условия. Но от любви никуда не деться… Она ставит Элимара перед выбором, через который он постигает смысл жизни и ее истинные ценности.

В полетах на воздушном шаре, в путешествиях в Царство обезьян и Страну Истины, в приключениях на вулкане Элимара сопровождат его верный слуга – весельчак Хенрик.

В спектакле много музыки, танцев, сценических эффектов. Яркие декорации и костюмы создают необыкновенно сказочную атмосферу.

Знаменитый роман Кена Кизи о драме в лечебнице для душевнобольных и ещё более знаменитый фильм Милоша Формана "Полет над гнездом кукушки" послужили режиссёру и актёрам лишь поводом к размышлению. Получился очень личный, глубокий спектакль о душе и душевности, свободе и ответственности.

По пьесе Марка Камолетти «Ох, уж эта Анна!»
От создателей "Папы в паутине", "Виновника торжества" и "№13"!

Детям до 16-ти лет смотреть не рекомендуется.

«Уикенд по-французски» - типичная комедия положений с чисто французскими нюансами.
Хозяин дома, Бернар, решает провести выходные со своей любовницей Брижитт. Для этого ему надо, чтобы жены и служанки не было дома. Поэтому он отправляет Жаклин к родителям, а Анну – к ее родственникам. Сам Бернар якобы отправляется в срочную командировку. И все бы ничего, да только ни Анна, ни Жаклин никуда не собираются уезжать. Анна, зная, что хозяев нет дома и желая сэкономить деньги, остается в пустой квартире. А Жаклин приводит к себе домой Робера, своего любовника. И тут начинают происходить совершенно невероятные вещи. Сперва Анна обнаруживает в «пустой» квартире хозяйку с молодым человеком. А потом появляется хозяин с девушкой. И Анне приходится срочно что-то придумывать, чтобы эти пары не встретились…
В спектакле звучит музыка Чарли Чаплина.

Япония продолжает удивлять Москву своей уникальной культурой. Гастроли труппы традиционной японской драмы и танца «Нихон Буё» позволяют хотя бы отчасти восполнить этот пробел. «Нихон Буё» как вид национального японского сценического искусства возник около 400 лет назад. Считается, что он вобрал в себя лучшее из наследия широко известных всему миру театров Но, Кабуки и Бунраку. Во время красочного сценического действа в ход идут такие выразительные средства, как грим и костюмы, мимика и эзотические маски, национальные музыкальные инструменты и хореография.

И ненавидим мы, и любим мы случайно,
Ничем не жертвуя ни злобе, ни любви,
И царствует в душе какой-то холод тайный,
Когда огонь кипит в крови.

Эти строки просятся в эпиграф к «Маскараду» Р. Туминаса. Поэтическая драма М. Лермонтова — беспощадная правда о современниках, жестоком мире, где нравственность ходит по острию ножа.
Но Маскарад это и праздник, чарующая музыка, яркие костюмы, загадочные маски, притягательная стихия веселья, где злословят, шутят, морочат, оставаясь неузнанными — свобода от всех и самого себя.
Маскарад — это театр — характеров, интриг, флирта, жарких признаний и опасных откровений. Шуты, циники, мистификаторы, клоуны, лицедеи, романтические герои проходят чередой « не ведая стыда», защищенные неузнанностью.
Маскарад — это игра с партнером, судьбой, здесь убивают словом, сплетней, чтобы потом, сняв маску, пролить «горькие слезы сострадания».
Какое пленительное и коварное сообщество этот маскарад. Бездумно начатая интрига обрастает подробностями, домыслами и катится, как снежный ком, на жертву и искусителя.
Маскарад — это бег по кругу без остановки, без передышки, его стремительный вихрь затягивает, бравурная радость придает отваги и порой лишает рассудка.
Маскарад — это сон, смысл которого открывается с последним аккордом вальса.
Тем, кому посчастливилось увидеть несколько лет тому назад «Маскарад» Р. Туминаса в Вильнюсском Малом театре не стоит проводить сравнения с вахтанговским спектаклем. Пустое это дело, ибо он не копия, а авторское повторение. Замысел режиссера преломился в актерских индивидуальностях вахтанговцев, а они потому индивидуальности, что у каждого свой голос.
«Маскарад» Р. Туминаса — шоу клоунов, трагифарс, печальная комедия Дель Арте, опрокинутая в наши дни, закружившаяся под звуки вальса А. Хачатуряна, через десятилетия возвратившегося на вахтанговскую сцену, для которой был написан.

Москва 30-х действительно была счастливой — это с удивлением наблюдали со стороны и достоверно фиксировали Андре Жид, Лион Фейхтвангер и многие другие иностранные гости столицы. Правда, у Платонова речь идет не о городе, а о девушке по имени Москва и фамилии Честнова (Ирина Пегова). У нее широкая душа и большая грудь, она мечтает перестроить весь советский мир, чтобы люди в нем были так же счастливы, как она сама. В ее исканиях воплощается дух того времени — ожидание больших перемен, именно ради них изобретатель, которому прочат мировую славу, становится простым инженером, а перспективный хирург долго ковыряет свежие трупы в поисках «самого вещества жизни».

Впрочем, в спектакле Карбаускиса главное не Москва, а «все люди». В поисках героя Карбаускис все время смещает фокус, останавливая взгляд то на «тридцатилетнем человеке» Викторе Васильевиче Божко, который по ночам пишет «отдаленным друзьям» из дальних стран эпистолы о величии коммунизма, то на хирурге Самбикине с его поисками смысла жизни в анатомичке. Герой в конце концов находится — и это вовсе не Москва, красным пятном разгуливающая по общей серости жизни, а скромный механик Сарториус (Александр Яценко), бросивший карьеру из любви к Честновой. Свои поиски лучшей доли этот персонаж заканчивает, женившись на несчастной разведенной женщине и ежедневно терпя ее побои — потому что «так и быть должно„, потому что “человек еще не выучился мужеству беспрерывного счастья„. И над всеми ними Москва — “любовь, счастье и электричество», — и об нее обжигаешься, как о раскаленную лампочку, которую герои выкручивают из патрона, прежде чем лечь друг с другом.

Спектакль Карбаускиса построен на очень точных, ненавязчивых контрапунктах: красное платье Москвы Честновой на темном фоне декорации, потертые стойки гардероба и серые пальто как знаки прожитой жизни, пар от горячей воды, поднимающийся из граненых стаканов с тяжелыми подстаканниками, — все проходит, выкипает, сгорает. Но главное здесь — не метафоры, а звенящий платоновский текст, перенесенный на сцену «Табакерки» в виде рассказа. До «Москвы» любимой темой Карбаускиса была смерть — сейчас же он сделал спектакль о жизни и счастье, о бесконечных поисках и неизбежных провалах — короткий философский этюд, от совершенства которого захватывает дух.

XII Международный фестиваль русских театров стран СНГ и Балтии "Встречи в России"

Гродненский областной театр кукол (Республика Беларусь).

Гродненский областной театр кукол покажет экспериментальный спектакль, с использованием масок, кукол и участием драматических артистов «Поэма без слов» по произведениям Яна Купалы, режиссер – Олег Жюгжда.
В стеклянном кубе застыл маленький человек. Он ещё не родился. Ведьмы дерутся за куб, разбивают его, освобождают человека. Он оживает. Его нянчат и, наверное, дерутся за его душу: к кому она отойдёт - к Богу или Дьяволу?
Для театральных гурманов.

Драматический театр из Даугавпилса впервые участвует в фестивале. Режиссер Харий Петроцкис поставил одно из самых известных произведений латышской классики — пьесу выдающегося поэта Яна Райниса «Вей, ветерок!». Драма не перегружена философскими проблемами, в основе конфликта – страсти человеческие.
Это спектакль о любви, о способности жертвовать, в нем есть прямые параллели с "Ромео и Джульеттой". Любовь невозможна в силу внешних обстоятельств. Родовое проклятие преследует семью героини. С ней повторяется история, которая произошла шестнадцать лет тому назад с ее матерью. Героиня приносит любовь в жертву, чтобы не погибли близкие для нее люди.

Премьера.
Спектакль Центра реализации творческих проектов «Адмиралтейский».

Лирическая фантазия.
В маленьком городе N. живут две сорокалетние подруги. У них общее прошлое, поскольку в разное время они были женами одного человека, и общее настоящее, т.к. обе они одиноки и живут, в основном, воспоминаниями. Однажды они встречаются во дворе бывшего дома, где прошло их детство и юность. Дом по генплану идет под снос, на его месте предполагается строительство Диснейленда. Но богатая Солнцева хочет этот дом выкупить, полагая, что подруга – главный архитектор города – ей поможет…

Спектакль-исповедь двух женщин. Это история о прекрасных и сложных отношениях двух подруг, переживших предательство со стороны друг друга, но понимающих, что объединяет их гораздо больше, чем разъединяет. Персонажи Л.Никитиной и О.Яковлевой поэтичны, смешны, остроумны, иногда циничны, но, вместе с тем, глубоко искренни и трогательны.

Гастроли Московского Государственного театра "Ленком".
Спектакль "Все оплачено" И.Жамиака, в двух актах перевод Е.Бабенко.

Обеспеченный мсье Амалькар носит зонт даже в солнечную погоду и мучается от одиночества. Не желая вследствие душевных травм иметь дела с настоящей любовью, он приобретает за большие деньги ее суррогат: нанятые им стареющая актриса, нищий художник и проститутка должны будут ежевечерне разыгрывать перед ним спектакль о любви и дружбе, играя роли жены, товарища и дочери. Поначалу мсье умело и с удовольствием манипулирует своим личным театром, но стоит ли говорить, что даже большущий зонт на сцене не спасет от проникновения в его постановку подлинных чувств.

Спектакль «Потехе - час, или TIME FOR FUN» — яркое явление сегодняшней театральной жизни Петербурга. Режиссёр спектакля и художественный руководитель театра — з.а.России, двукратный лауреат Высшей Театральной Премии Санкт-Петербурга «Золотой софит» А.Князьков. Актёры разговаривают со зрителями на языке рук. Этот язык понятен всем вне зависимости от возраста и национальности. Может быть, поэтому спектакль уже был высоко оценён как в нашей стране, так и за рубежом. Спектакль стал лауреатом Международного фестиваля «Арт-Театр» в Кёльне в 2005 году, лауреатом Международного фестиваля «Театральные встречи» в Болгарии в 2006 году, получил Гран-при на Ежегодных Театральных Игрищах на кубок Гертруды.

На сцене Молодежного театра на Фонтанке спектакль, который стал результатом сотворчества двух культур - русской актерской школы и испанской школы режиссуры.

В основе спектакля – одна из последних пьес Шекспира, где автор писал об обретении гармонии, о раскаянии и прощении. Это единственный текст Шекспира, в названии которого есть слово «сказка», и сюжетная канва вполне соответствует такому определению.
Король Сицилии Леонт подозревает в измене свою беременную жену Гермиону, заточает ее в тюрьму и решает отравить своего друга Поликсена. У Гермионы рождается девочка, но Леонт, вопреки предсказаниям оракула, не признаёт её своей дочерью, и она вырастает в семье пастуха. Проходят годы, и юная Утрата находит свою любовь. Это принц Флоризель. Именно их чувства возвращают в королевство мир и покой и оживляют статую безвинно осужденной Гермионы.

Для режиссера Магуи Мира и автора сценической версии Хосе Санчеса Синистерры очень важна атмосфера сказки, которая в спектакле передается с помощью оригинальной музыки валенсийского композитора и визуального решения, где присутствуют мотивы XIX века – истинной колыбели сказки. Но никто не переодевается в сказочных героев, и волшебство здесь не главное. «Зимняя сказка» преподносится как история женщины в мире мужчин, женщины как таковой. Женщина – это мать, она не умирает, а продолжается в детях, и поэтому царицу Гермиону и ее дочь Утрату играет одна актриса (Ольга Медынич). У Женщины есть свои цвета – белый и красный, чистота и кровь; в мире мужчин господствует свой цвет – черный.

Премьера первой советской оперетты композитора Николая Стрельникова "Холопка"

Постановка оперетты «Холопка» для театра Музыкальной комедии имеет особое значение. И у оперетты и у театра – один год рождения. 80 лет назад в 1929 году «Холопкой» в Санкт-Петербурге открылся первый государственный театр оперетты - театр Музкомедии.
За восемьдесят лет своего существования «Холопка» обошла все музыкальные сцены России и стран бывшего СССР. В 60-е годы вышла в свет киноверсия оперетты под названием «Крепостная актриса», которая сразу же стала лидером кинопроката.
Надеемся, сегодняшний зритель по достоинству оценит высокие художественные качества «Холопки», ее мелодии, опирающиеся на народные напевы, на застольные песни, цыганские и городские романсы, ее живой, свежий гармонический язык.

В усадьбу графа Кутайсова приглашена из Парижа знаменитая оперная дива Мадлен Леблан. В это же имение приезжает из Парижа Андрей Туманский, бывший крепостной актер и единокровный брат князя Никиты Батурина, чье имении за долги выкупил граф Кутайсов. Неожиданно в оперной диве Андрей узнают свою возлюбленную - крепостную актрису Арину Вишнякову.
Художник спектакля - заслуженный художник России Владимир Фирер.

"Наш театр" представляет спектакль "Скамейка".

Великолепно закрученный, почти детективный сюжет. Легкий и изящный диалог. Динамичность и правдивость всегда таинственных отношений между Мужчиной и Женщиной.

В парке на скамейке знакомятся Он, любитель пофлиртовать, и Она, уставшая от одиночества. Но оказывается они уже встречались на этой же скамейке! Вторая встреча превратила их жизни в вулкан!

Изумительная фантазия и талант режиссера Льва Стукалова превратили банальную историю в проникновенную, поэтическую, человечную, печальную и смешную. Зрители наслаждаются тонкой и чувственной игрой Юлии Молчановой (исполнительницы роли Ноны в сериале "Не ссорьтесь, девочки!"), брутальностью и темпераментом Андрея Смелова (исполнителя главной роли в сериале "Последнее путешествие Синдбада" и "Возвращение Синдбада"), мастерством и легкостью з.а.России Дмитрия Лебедева.
С удовольствием слушают хиты 80-х, смеются и плачут от всей души, и примеривают жизнь героев на себя, ведь судьбы их - возможные судьбы каждого из нас.
Каждый зритель уносит в душе надежду на счастье!

Спектакль "Ангел, летящий на велосипеде"

Спектакль театра "Картонный дом".

Спектакль-видение, связанный с литературной историей Санкт-Петербурга первой трети 20 века, открывает новые имена и адресаты. Речь пойдет о юной поэтессе Ольге Ваксель, которой не досталось известности и славы, но с лихвой выпало революций и войн. Ольга Ваксель – самая неизвестная и самая загадочная поэтесса Серебряного века. Вся ее история – это сплошные «почему». Почему она не публиковала свои стихи? Почему не показала их своему приятелю О.Мандельштаму? Почему, выйдя замуж за норвежского дипломата и уехав в Осло, она покончила жизнь самоубийством? Все в судьбе Ольги было стремительно, будто она мчалась на велосипеде, и уместилось в короткие двадцать девять лет…

Петербургский театр «Картонный дом» рассказывает эту горестную историю с помощью кукол, кино, актеров Леси Кропачевой, Сергея Маркелова и Дарьи Уткиной. И, разумеется, документальной повести Александра Ласкина «Ангел, летящий на велосипеде».
Спектакль требует виртуозности от актеров и подготовленности зрителя к путешествию во времени.

Постановка, сценография, куклы - Леся Кропачева. В спектакле звучат стихи Ольги Ваксель, тексты Даниила Хармса.

Рассказ о двух супружеских парах, приехавших на французский курорт провести свой медовый месяц. Эти пары случайно встречаются и выясняется, что двое молодоженов были прежде женаты и развелись 5 лет назад.

Остроумная комедия положений по мотивам пьесы Марка Камолетти "Уик-энд по-французски", в которой события накладываются одно на другое, и закручиваются в немыслимый клубок смешной пикантной интриги.

Никогда не ленитесь готовить ужин сами. А уж если предстоит разгадать сложную задачу - кто же все-таки к Вам пришел: повар, любовница Вашего мужа или племянница Вашего любовника? А может это актриса и модель? Обстоятельства складываются таким образом, что только благодаря остроумию, энергии и чувству юмора героев пьесы удается выкрутиться из этой дурацкой ситуации…

Спектакль "Страсти по Емельяну" или хохмодрама "Ведьма"
Новая сценическая версия спектакля «Ведьма» (2001-2009).

Спектакль поставлен по мотивам ранних рассказов А.П.Чехова «Хирургия», «Ведьма», «Канитель». Объединенные общим сюжетом, на сцене они становятся этапами жизни главного героя — молодого дьячка Емельяна, человека чистого и сильного духом, по-христиански любящего и умеющего прощать и свою грешную жену Любашу, и своего соперника барина Петра Петровича, и свою соседку-богохульницу старуху Феодосию.

Жанр спектакля определен как хохмодрама не случайно.
Придуманный еще десять лет назад автором пьесы Виталием Безруковым, этот термин демонстрирует близость, даже единство серьезного и смешного, комедийного и трагического. Хохма - то есть короткая шутка, анекдот, в серьезной пьесе об общечеловеческих противоречиях, воплощенных в поведении и поступках конкретных персонажей, звучит как квинтэссенция житейской мудрости.
Драмой же оказывается сама жизнь, полная слез и разочарований, тревог и невзгод... Жизнь! Простая по своей сути, но такая сложная для каждого человека в отдельности.

Хохмодрама «Страсти по Емельяну» - это спектакль о страстях человеческих, это смех сквозь слезы, это рассказ о любви и предательстве, о ревности и прощении, о стремлении души к гармонии...
И рассказано все это языком простым, сочным, кратким, емким и вкусным - как вкусна нам бывает после изысканных блюд французской кухни селедочка с рассыпчатой картошечкой, с лучком и бочковым огурчиком!..
Просто, но так вкусно!

Попытка рассказать о жизни, о закономерностях существования человека, но не напугать, а, наоборот, насмешить слушающего, кажется все более актуальной в наше время, когда искусство преимущественно делает ставки на безжалостный эпатаж, гиперболизирующий ужасы происходящего в мире.

"Наш театр" представляет спектакль "Женщина в песках" для зрителей от 14 лет.

Спектакль, который не просто содержит великое множество режиссерских ходов и находок, а сам является одной сплошной режиссерской находкой. Удивлять нестандартностью решений начинает еще до своего начала. Стоит лишь зрителю заглянуть в программку: "Женщина в песках" – Сергей Романюк...

Содержание – почти детективное, но при том глубоко философское, иносказательное: на нас на всех нацелен песок. Песок не смерти и забвения, а песок суеты, обыденности, обязательств. Все мы озабочены погоней за ненужным, излишним, иллюзорным – мы отгребаем, отгребаем. Но, избавившись от одного «песка», тотчас стремимся обзавестись новым.
Жизнь, созданная в спектакле, - трогательная, испытующая, обращающая в себя. Жизнь из этого… и все же какого-то другого мира.

Спектакль - дипломант Высшей театральной премии Санкт-Петербурга «Золотой Cофит» 2003-2004 гг. в номинациях «Лучший спектакль года» и «Лучшая мужская роль»; Лауреат Международного фестиваля «Добрый театр» 2008 г. в номинации «Лучшая режиссура».

Гастроли Приморского академического краевого театра драмы им.М.Горького (г.Владивосток)

Впервые на сцене российского театра!
Действие пьесы, не так давно переведенной на русский язык, происходит в Париже в 20-е годы прошлого столетия. В среде русской эмиграции, где представители знатных родов, вынужденные оставить свои дворянские гнезда, осваивают новые роли и профессии.

Быль, ставшая трагикомедией.
В одном из маленьких отелей живут русские эмигранты, еще несколько лет назад принадлежавшие к самым высшим кругам Российской империи. Живут в нищете, считая каждый франк, в то время как на счету в парижском банке лежат огромные деньги, доверенные главному герою последним Российским Императором для трат только во благо России. Вокруг этих денег и разворачивается главная интрига пьесы.
Устроившись на работу слугами в семью богатых парижан, Урятьевы и не подозревают, что скоро в их жизни произойдет встреча с «товарищем из новой России», которая весьма неожиданно решит судьбу царских денег…

Костюмы к спектаклю разработаны известным специалистом, автором книг и телепередач по истории моды, знатоком искусства и моды русской эмиграции первой волны Александром Васильевым. Благодаря этому, зрители увидят на сцене подлинный эстетический образ ушедшей эпохи.

Трагикомедия в двух действиях по мотивам пьесы Максима Горького.
В МХТ премьера — «Васса Железнова» в постановке Льва Борисовича Эренбурга, ученика Г.Товстоногова. Пьеса ставится в Московском художественном впервые за всю его историю.

Сцена превращена художником в корабль, громадный пароход, на капитанском мостике которого, - ОНА, Васса Борисовна Железнова, лет сорока — железная женщина, настоящая бизнесвумен, начала 20 века. Выбор актрисы на роль Вассы – одна из главных интриг постановки. Трагическую фигуру играет актриса с ярким комическим началом — Марина Голуб. Режиссер увидел разносторонность ее дарования, мощную энергию и умную эксцентрику.
Мощной, яркой, жесткой и одновременно по-женски жалостливой предстает перед нами Васса. На ее плечах, держится мир ее окружающий, семья, дело. Ей принадлежит большая пароходная компания. Васса содержит огромный дом. Беспутные родные: муж, брат, дочери; слуги, приживалы, все кормятся и ни в чем не отказывают себе за ее счет.
Внук Коля — единственная надежда и отрада Вассы, в нем она видит единственный смысл всей своей жизни. Его видит Железнова продолжателем своего дела. Но преградой к исполнению замысла становиться его мать, невестка героини, Рашель (Ксения Лаврова-Глинка). Их борьба за пятилетнего Колю, наследника «пароходных капиталов», единственного внука Вассы и единственного сына Рашели, — нерв спектакля.

Комедия на музыку Иоганна Штрауса.
Постановка всемирно известной оперетты Иоганна Штрауса «Летучая мышь» по пьесе Николая Эрдмана и Михаила Вольпина.

Благодаря звездному составу актеров у зрителей будет уникальная возможность увидеть новое видение классического жанра. Новая «Летучая мышь» вобрала в себя не только все лучшее от классической оперетты, но и абсолютно свежие тенденции театрального искусства. Каждый пришедший зритель получит невероятный заряд энергии со сцены и, конечно же, множество музыкальных сюрпризов в исполнении главных действующих лиц спектакля. Напомним, что сюжет оперетты очень интригующий.

Муж, остывший к своей жене, начинает все чаще посещать светские приемы в погоне за легким флиртом. Но ему и в голову не могло прийти, что его жена включится в игру на его же поле. Став царицей бала, она, скрыв лицо под маской, принимает его страстные признания в любви…

Продюсерский центр «АРТ-ПИТЕР» представляет спектакль «Сирано де Бержерак» по одноименной комедии Эдмона Ростана с участием известных российских актеров театра и кино.

Пронзительная героическая комедия в стихах об отважном воине, куртуазном кавалере, одаренном французском драматурге и поэте Сирано де Бержераке.
Главный герой влюблен в свою кузину Роксану, о чем красавица даже не подозревает. Насколько Сирано храбр на поле битвы и в многочисленных дуэлях, настолько же робок в любви. От имени своего друга Кристиана Сирано пишет Роксане пылкие любовные послания. Благодаря стихам и признаниям в любви Кристиан завоевывает сердце Роксаны, но погибает на войне, не успев признаться, что послания написаны не им. А сам Сирано хранит эту тайну до смерти...
Режиссеры Сергей Безруков и Александр Синотов дают классическую интерпретацию комедии, но не без оригинального режиссерского прочтения. Блистательные костюмы, неповторимые аксессуары, мультимедиа, захватывающие массовые и батальные сцены, феерические трюки и звездный актерский ансамбль – определили успех спектакля, который, уже стал ярким культурным событием в театральной жизни России.

Премьера.
Режиссёр-постановщик Андрей Прикотенко придумал сценическую историю по «коротким» пьесам Антона Павловича Чехова – «Предложение», «Юбилей» и «О вреде табака».
Эти маленькие шедевры, по мнению режиссёра, объединяет тема невозможности мужчине быть счастливым в браке. Брак как разрушающая сила человеческой судьбы – вот сверхфабула спектакля. Для такого разговора понадобился архетип «брачащегося» мужчины, и он был найден в лице любимца публики, з.а.России Александра Новикова. Его герой будет идти от вожделенной женитьбы в «Предложении» через тернии и суматошные события повседневности в «Юбилее» к горькому размышлению о сломанной, исковерканной судьбе в монологе «О вреде табака».
При этом спектакль не забудет о заявленном прямо в названии жанре – «водевиль», калейдоскоп забавных ситуаций и уморительных бурлескных характеров создадут артисты театра.

Гастроли Московского Государственного театра "Ленком".

Премьера.
Режиссер М.Захаров о спектакле: "В "Вишневом саде" есть все, что мы знаем, хотим, все, что помним, все что должны... Если бы только знать что!.. Если бы знать!..
...Работая над "Вишневым садом", я не использовал для нашего сценического варианта полный текст великой комедии... Какие-то мотивы "Вишневого сада" я чуть приподнимал, а где-то опускал, а где-то пускался даже в необузданные фантазии. Я знаю, что это опасно. Так ведь она (пьеса) незапятнанная стоит на книжной полке для всякого почитателя. Призрачное счастье - артисты поверили, устремились на встречу, радостно сжигая во имя Чехова собственные душевные ресурсы.
Гордый и большой художник должен сказать, что ему все равно, что он ее не читает. И творение его не может всем понравиться. Тем более сейчас. А мне хочется, чтобы понравилось. И сейчас."

Гастроли Московского Государственного Театра Музыки и Поэзии под руководством Елены Камбуровой.

«Абсент» — концерт-галлюцинация на музыку К.Дебюсси, М.Равеля, Г.Форе, Г.Аллегри, П.Пиццигони, французских песен ХХ века в музыкальной версии Олега Синкина. В основе спектакля — стремление передать на языке музыки и пластики весь ряд культурных ассоциаций, связанных в сознании зрителя с понятием «абсент». По словам режиссера, его главной задачей было «сделать так, чтобы из поэзии, музыки, которая самоценна, возвышенна, нематериальна и неосязаема, не сделать что-то плотское и материальное при "переводе" ее в театр. Это становится возможным, если отдаешься чувствам, полету прекрасной музыки и делаешь не сюжет, как принято в театре, а нечто, в основании чего — толчок на уровне эмоций?». Спектакль стал лауреатом фестиваля «Охридское лето — 2006» в Македонии. Впервые в истории фестиваля премия в номинации «Лучшая женская роль» была присуждена одновременно четырем актрисам.

Знаменитый современный французский драматург создал необычную по форме пьесу. Она представляет собой письма десятилетнего мальчика Оскара к Господу Богу. Их обнаруживает Розовая Дама - из тех дам, одетых в специальную розовую одежду, которые приходят навещать детей в больницу. Именно она и посоветовала ребёнку ежедневно писать эти письма, чтобы скрасить, возможно, последние его дни. Мальчишеские строчки, трогательные, смешные и поэтичные, описывают несколько дней, заполненных забавными сюжетами и персонажами.
Благодаря Розовой Даме, посредством той любви, которая связала их, мальчик проживает каждый день, как десять лет жизни, успевает повзрослеть, полюбить, постареть, испытать всё, что суждено каждому человеку в течение жизни, и примириться с неизбежным.

Спектакль создан по мотивам романа Даниэла Киза "Цветы для Элджернона". Рассказ "Цветы для Элджернона" был опубликова в 1959 году в журнале "Фэнтези энд сайенс фикшн" и в 1960-м получил премию "Хьюго" (приз читательской популярности, который вручается на ежегодных конвентах любителей фантастики). Автор не только продемонстрировал новые возможности техники повествования и развития сюжета, но и сумел сделать это абсолютно естественно: перед вами прежде всего удивительная история.
В 1966-м году вышел в свет роман с тем же названием, и Даниэл Киз был удостоен премии "Небьюла" (профессиональный приз, присуждаемый по итогам голосования членов Организации писателей-фантастов Америки).
В 1968 году режиссер Ральф Нелсон снял по роману Дэниела Киза довольно успешный фильм "Чарли". Клифф Робертсон, сыгравший в нем Чарли Гордона, получил "Оскара" за лучшую мужскую роль. В 1980 году по мотивам романа на Бродвее был поставлен мюзикл "Чарли и Элджернон".

Премьера.
По сюжету герой пьесы просыпается с похмелья и получает от посыльного траурный венок: «Незабвенному… сгоревшему на работе... Зилову...». Зилов начинает вспоминать вчерашний день рожденья, и разговоры с женщинами, которые его безответно любят, и ссору с друзьями, и сборы на утиную охоту. Что случится с героем? Выстрелит ли ружье, висящее на стене его квартиры?

В роли Зилова - Андрей Шимко.

«Такой Театр» представляет премьеру спектакля "Главное забыл", которая посвящена 150-летию со дня рождения Шолом Алейхема, и является инсценировкой по его произведениям.

Знакомая многим и совершенно современная история: муж оставляет жену дома с детьми, а сам отправляется в «большой мир», в надежде «не пропустить свой шанс». Большим миром, Егупцем, может оказаться любой большой город, куда устремляются энергичные провинциалы в надежде разбогатеть, состоятся и т.д.
«Главное забыл» - это попытка возвращения к истинному Шолом-Алейхему, ироничному мудрецу и тонкому психологу. Диалог распадается на монологи. Это грустная притча о том, как в погоне за блеском миражей можно не заметить свое истинное богатство, притча о разрушающейся семье, о мужской самонадеянности, о женской верности и вечных неудачниках. Притча об извечном мужском желании «вырваться» и об извечном женском желании «вернуть».

В смысле театра – это игровой театр, театр, в котором актеры являются главным «эффектом», главным «фокусом» постановки. Театр интимный, в котором можно говорить о человеческих судьбах, не повышая голоса.

Спектакль по одноименной пьесе А.Арбузова
"Жестокие игры" - выпускной спектакль режиссера Дениса Хусниярова, где заняты уже знакомые зрителям молодые актеры, выпускники актерско-режиссерского курса С.Спивака.
Пьеса была написана в 1978 году, но ее актуальность не утрачена. Молодые XXI века, молодые 70-х, молодые у Арбузова проходят один и тот же путь: совершают ошибки, ссорятся, мирятся, ищут путь к прощению, стараются понять себя и найти любовь. Они не только юны и энергичны, но и зачастую одиноки, а иногда, благодаря случайной встрече, становятся родными на всю жизнь.
"Мы ничего не выдумывали, делали одно - искали правду, пытались с помощью сцены рассказать про свои горести и радости простым человеческим языком", - считает режиссер спектакля Денис Хуснияров.

История любви слепого мальчика из богатой семьи и взбалмошной экстравагантной девчонки, мечтающей стать актрисой, - сентиментальная сказка из современной жизни со счастливым концом, знаменитая бродвейская комедия, полная ярких реприз и задорных диалогов, разыгранная молодыми мастерами сцены.
Жизнь не кончена, если даже ушла любимая девушка...

Спектакль по классической комедии Льва Толстого.
В этой комедии есть все элементы классического водевиля: есть богатые господа, есть мужики, есть горничная (ловкая служанка), которая дурачит господ. Увлечение спиритизмом и мистикой полностью захватывает главу семейства Звездинцевых, приехавшим в барский дом мужикам очень нужна земля, а горничная Таня страстно хочет замуж.
Великолепная комедия с участием лучших артистов петербургской сцены. Пьеса имеет с десяток редакций. Для названия спектакля театр выбрал одно из нескольких названий пьесы - "Исхитрилась, или Плоды просвещения".

«Потехе – час» - спектакль театра пластики рук "Hand Made" для детей с 10 лет и взрослых.

Спектакль - пластическое представление. Особенность этой постановки в том, что и главные роли, и декорации в ней – это руки актеров. Кисти и пальцы выделывают в воздухе такое, что диву даешься: они превращаются в фигуры и знаки, изображают людей и животных, парят, извиваются, танцуют… И в каждом жесте, в каждой пластической зарисовке можно рассмотреть свою драматургию, свою маленькую историю, необычную (по способу выражения) и чаще всего – смешную. Спектакль заставляет по-новому смотреть на мир.

Спектакль стал лауреатом Международного фестиваля "Арт-Театр" в Кёльне в 2005 году, лауреатом Международного фестиваля "Театральные встречи" в Болгарии в 2006 году и получил гран-при на Ежегодных Театральных Игрищах на кубок Гертруды.

В каждом из героев спектакля, поставленном режиссером Анджеем Бубенем по пьесе Людмилы Улицкой – угадывается намек на известных чеховских персонажей, вписанных в современные реалии. События разворачиваются в начале двадцать первого века, в дачном академическом поселке, где обитает многочисленное семейство Лепехиных. Герои спектакля сидят за столом, на который капают капли дождя, смачно вкушают пироги, попивая чаек, ловко снуют по шатким мосткам, ведущих через лужи от дома к заброшенному саду…
На этом представлении публика будто пробует «варенье», приготовленное по новому рецепту из хорошо знакомых ингридиентов. «Варенье» - чуть ли не поэма о необъяснимой тяге жить воспоминаниями и предаваться великим мечтам, не замечая ни разрухи, ни удручающего запустения.

Спектакль - Лауреат высшей театральной премии Санкт-Петербурга «Золотой Софит» и номинант национальной театральной премии «Золотая Маска».

Спектакль "Sex comedy в летнюю ночь" - типичная "вудиалленовская" нервозность, немного фантастики, капля волшебства и ни капли здравого смысла. Словом, комедия ошибок в ночь на Ивана Купала по-американски.
Ироничная комедия из жизни отдыхающих. В гости к молодой супружеской паре, (чьи отношения в последнее время безнадежно заглохли) приезжают на week-end друзья, среди которых – бывшая возлюбленная хозяина. Встреча оказалась очень сумбурной и непредсказуемой. Волшебство ночи в таинственном лесу толкнуло молодых людей в чужие объятия… Все смешалось в доме…

В глухом лесу чего только ни происходит с участниками забавного week-enda. Тут вам и лесной царь, и магический шар, и повальное вожделение, и масса связанных с последним проблем...

Об авторе.

Олег ЕРНЕВ родился в городе Ашхабаде, Туркменской ССР в 1949 году. В 1973 оканчивает Туркменский государственный университет и уезжает на Дальний восток, где работает заместителем директора школы и преподаёт русский язык и литературу в старших классах. Потом переезжает в Рязань и устраивается научным сотрудником в государственный музей-заповедник С. А. Есенина в селе Константиново. С 1975 по 1981 живёт и работает в Москве. Затем переезжает в Ленинград и поступает в драматургическую мастерскую Игната Дворецкого.

С 1986 года начинает печататься и ставиться в театрах. Пьесы «Мы пришли» и «Когда Спящий проснётся» прошли во многих театрах Советского Союза. Совместно с композитором Виктором Плешаком работает для драматических и музыкальных театров. Такие мюзиклы, как «Инкогнито из Петербурга», «Ночь перед Рождеством», «Женитьба» имеют большую сценическую историю. Выпускает детские книги и прозу.

Комедия в 2-х действиях (2ч35м)

Автор: П. Кальдерон

Режиссер: Татьяна Доронина
Дон Мануэль: Андрей Чубченко
Донья Анхела: Елена Катышева
Косме: Михаил Кабанов, Сергей Габриэлян
Исабель: Юлия Зыкова, Мария Янко
Дон Луис: Юрий Болохов
Донья Беатрис: Лариса Голубина, Екатерина Кондратьева
дон Хуан: Андрей Погодин, Максим Дахненко
и другие

Даты:
27.09 чт, 24.10 ср

Пронзительный роман в 2-х действиях (2ч50м)

Автор: А. Мариенгоф

Инсценировка и постановка: Сергей Аронин
Ольга: Евгения Крюкова
Владимир: Алексей Трофимов
Сергей: Дмитрий Щербина
Докучаев: Сергей Виноградов
Марфуша: Анна Гарнова
Гога: Михаил Филиппов
Мамашев: Владислав Боковин
Павел Александрович: Евгений Ратьков
и другие

Даты:
27.09 чт, 02.10 вт, 09.10 вт, 23.10 вт

Комедия в 2-х действиях (2ч10м)

Автор: А.Н. Островский

Режиссер-постановщик: Леонид Хейфец
Ахов: Виктор Запорожский
Круглова: Оксана Киселева, Любовь Руденко
Агния: Наталья Палагушкина, Татьяна Космачева
Ипполит: Роман Ладнев, Всеволод Макаров
Феона: Майя Полянская
Маланья: Юлия Яновская, Татьяна Волкова

Даты:
27.09 чт, 30.10 вт 19:30

Свинг по-русски (2ч45м)

Автор: Ю. Поляков

Постановка: Андрей Житинкин
Маша: Алена Яковлева
Игорь: Юрий Васильев
Ирина Марковна: Валентина Шарыкина, Нина Корниенко
Валерия: Светлана Рябова, Марина Ильина
Сергей: Андрей Барило, Андрей Зенин
Антон: Олег Вавилов
Николай Егорович: Владимир Носачев
Кси: Елена Подкаминская, Е. Свиридова
Вася: Александр Чернявский
и другие

Даты:
27.09 чт, 13.10 сб, 19.10 пт

Трагедия в 2-х актах (2ч40м)

Автор: У. Шекспир, музыка Д.Д. Шостаковича

Режиссер-постановщик: Борис Морозов
Гамлет: Николай Лазарев
Гертруда: Ольга Богданова, Анна Богарт
Клавдий: Андрей Данилюк, Николай Козак, Андрей Новиков
Полоний: Валерий Абрамов, Константин Денискин
Офелия: Татьяна Морозова, Ольга Никитина
Горацио: Юрий Сазонов, Константин Днепровский
Лаэрт: Андрей Егоров, Кирилл Кириличев
и другие

Даты:
27.09 чт, 09.10 вт

Комедия в 2-х действиях (2ч20м)

Автор: У. Шекспир

Режиссер: Евгений Писарев
Клавдио: Владимир Жеребцов
Бенедикт: Александр Арсентьев
Геро: Анна Бегунова
Беатриче: Виктория Исакова, Александра Урсуляк
Леонато: Андрей Заводюк
Дон Педро: Андрей Соколов, Валерий Панков
Дон Джон: Антон Феоктистов
и другие

Даты:
26.09 ср, 27.09 чт, 16.10 вт, 17.10 ср

— Изменилось прежде всего время, в котором мы живем, и все смыслы стали считываться совершенно по-другому. И для меня очень важно, что я могу выразить со сцены то, что я чувствую. Думаю, что наша трактовка стала четче и графичнее, без полутонов. Появилось ясное ощущение, что если Марию не казнят, то она устроит переворот и убьет Елизавету. Это действительно противостояние не на жизнь, а на смерть.

— Какие актерские задачи ставил перед вами Римас Туминас?

— Римас прекрасный режиссер, он не ставит задачи, он дает ассоциации, что для актера намного лучше и точнее. Он говорит: «Выйди, и это твое время» — и понимай как хочешь. Его театр — это действительно Театр с большой буквы, его метафизика и символизм очень помогает артистам. Не обязательно всё подробно разжевывать и доносить до зрителя.

В шотландской королеве проснулась Жанна д'Арк

Когда в прошлом году Елена Яковлева покинула «Современник», в репертуаре театра образовалась огромная брешь. Хоть актриса и жаловалась на отсутствие новых ролей, на ее плечах держались важнейшие спектакли — «Пять вечеров», «Пигмалион», «Играем... Шиллера» и др.

Но Галина Волчек проявила характер и показала, что незаменимых не бывает. Все спектакли были восстановлены с новыми исполнительницами. В «Пигмалион» ввелась Алена Бабенко, роль Тамары из «Пяти вечеров» взяла на себя Евгения Симонова, чей роман с «Современником» начался два года назад со спектакля «Враги. История любви».

Последней в репертуар вернулась постановка Римаса Туминаса — самая сложная, лучшая и, наверное, самая важная для «Современника». Это была первая работа литовского варяга в этом театре, да и вообще в Москве. Артисты, привыкшие работать в старой психологической манере, тогда впервые столкнулись с условной, метафорической литовской режиссурой. Сегодня забавно читать старые рецензии, где критики в один голос обвиняют Туминаса в подражании Някрошюсу, в использовании его фирменных приемов и натуральных фактур — сена, зерна, грубого дерева, металла и на контрасте с ним — тонкого стекла и воды.

Возможно, режиссер и находился под влиянием литовского гения, но сегодня, в обратной перспективе, здесь видны прежде всего признаки собственного большого стиля Туминаса, который был потом развит в его вахтанговских спектаклях. Это и пластически выверенные мизансцены, и заостренный рисунок каждой роли, и разлитое в воздухе электрическое напряжение, возникающее благодаря музыке Фаустаса Латенаса, и фирменные условные декорации Адомаса Яцовскиса. Словом, одного взгляда на сцену довольно, чтобы узнать руку мастера.

Говорят, Римас Туминас не хотел восстанавливать «Шиллера», у каждого спектакля — свой срок. Но Галина Волчек настояла на его возрождении и не прогадала.

Даже спустя 12 лет после премьеры постановка производит сильное впечатление и выглядит не как исторический артефакт, а как живой организм, не потерявший ни трагической мощи, ни завораживающей холодной красоты. Более того, в новом историческом контексте противостояние двух королев выглядит иначе — не как соперничество двух женщин, а как жестокая и бескомпромиссная борьба за власть.

Чулпан Хаматова в роли Марии Стюарт выполняет весь внешний мизансценический рисунок, придуманный Туминасом для Яковлевой: так же спускается на сцену на люстре, словно Божий ангел, так же страдает от припадков астмы, словно задыхаясь в удушливой атмосфере лжи и несвободы, так же медленно и гордо кладет голову на плаху. Но актриса определенно привнесла в спектакль и новые ноты.

Казалось бы, более юная соперница должна была усилить тему чисто женской ревности, терзающей немолодую и некрасивую английскую королеву, которую всё так же сильно играет Марина Неелова. Но любовная линия тут оказалась, наоборот, почти не проявленной.

Чулпан Хаматова играет не чувственную красавицу, которая жила полной жизнью, много грешила и не подавляла страстей в отличие от сковавшей себя кандалами долга Елизаветы. В первом акте она похожа на истовую Жанну д'Арк, которая физически не может льстить и притворяться смиренной и побежденной. В ненависти к своей тюремщице она достигает какого-то болезненного экстаза. Перед смертью в ее голосе прорезается металл, и на эшафот она восходит с твердостью революционерки.

Конечно, за четыре репетиции, что были отведены актрисе, можно было освоить только внешнюю партитуру роли. Внутреннее наполнение и приращение смыслов произойдет потом. Надеюсь, что уйдут и чрезмерный премьерный нажим, и надрыв. Но уже сейчас очевидно, что благодаря Чулпан Хаматовой спектакль пережил второе рождение.
izvestia.ru/news

Новое руководство департамента культуры постаралось смягчить ситуацию вокруг таганкинского конфликта. Во всяком случае, глава департамента Сергей Капков не раз заявлял, что Юрию Любимову городом должны быть созданы условия для работы. (Правда, работал старейший режиссер после этого все-таки в театрах федеральных — имени Вахтангова и Большом). Что касается внутренней ситуации в Театре на Таганке, то, с одной стороны, она требовала осторожности, с другой — всем было ясно, что серьезное вмешательство все-таки необходимо: выходившие премьеры свидетельствовали об отсутствии у нового руководства какой-либо внятной творческой программы, а из недр театра поступали хоть и неофициальные, но внятные сигналы о том, что поддержкой большинства коллектива Валерий Золотухин не пользуется.

Необходимость разрешения ситуации усиливалась еще и тем, что в апреле будущего года Театр на Таганке собирается праздновать свое 50-летие, на что наверняка будут истребованы средства из городского бюджета. Но как можно отмечать 50-летие назначения Юрия Любимова главным режиссером Театра на Таганке — именно это событие и является поводом возможных торжеств,— если основатель театра находится фактически в статусе изгнанника, его спектакли один за другим исчезают из репертуара, а судьба его знаменитого рабочего кабинета, де-факто ставшего ценным объектом культурного наследия, под угрозой.

Так или иначе, но в ход событий вмешались драматические житейские обстоятельства: в конце прошлого года Валерий Золотухин серьезно заболел и с тех пор фактически отошел от руководства театром. Вчера он написал заявление об уходе, и оно было удовлетворено. На пост директора вчера же департамент культуры назначил Владимира Флейшера, в течение многих лет и до недавнего времени работавшего директором московского Центра имени Мейерхольда. Сегодня он должен быть представлен коллективу театра.

Очевидно, что это решение, так сказать, техническое, а не творческое. Надо заметить, что официально и Юрий Любимов, и Валерий Золотухин были тоже директорами Театра на Таганке, являясь, разумеется, ответственными и за художественную политику театра. Владимир Флейшер, как несложно догадаться, является лишь менеджером: в его задачи входит ревизия сегодняшнего состояния и наведение порядка в хозяйственной деятельности театра. А это значит, что решение весьма непростого вопроса о новом творческом лидере и еще более сложного вопроса о статусе Юрия Любимова просто отложено. Видимо, до конца сезона.
kommersant.ru

Количество "за" и "против" зашкаливает. Тут повлияли скорее интуиция, консультации с близкими мне людьми, соотнесение нескольких аспектов моей жизни. Это ситуация, которую прагматикой не объяснить. И после принятия решения мне, как ни странно, стало легче. Для меня многие факты стали складываться сами собой, как бы.

Одним из решающих факторов для меня оказался неразрыв с Александринкой, которая мне дорога и в которую я вложил очень много сил. В этом смысле мне была важна реакция Фокина, предложение было неожиданным и для меня и для него. В тот момент казалось, что все рушится, все планы на будущее. Но мы смогли с ним найти, как мне кажется, правильный ход течения событий. Для меня, по крайней мере. В этом смысле я Фокину очень благодарен. Он, на мой взгляд, совершил очень важный поступок по отношению ко мне. Второй раз. Первый раз — когда пригласил в Александринку. Второй раз сейчас. При этом, еще раз повторю, мне важно и дорого, что я продолжаю работу на Новой сцене, потому что с ней связаны мои ожидания и работа последних семи лет моей жизни.
Я сегодня на общем собрании сказал, что есть принципиальная договоренность с Фокиным, о возможности ряда совместных экспериментальных проектов БДТ и Александринки на Новой сцене. Это очень важно для меня. Все остальное — жизнь покажет.

Да, вот, возможно, правильный ответ на твой вопрос — почему я согласился: я же вообще человек не вполне из театральной среды — инженер-радиотехник по первому образованию. Я за всем наблюдаю, ну как бы со стороны. Почти никогда не оказывался внутри. Такая немножко наблюдательная, и, в этом смысле, режиссерская, что ли, позиция. Она дает мне возможность анализировать ситуацию хладнокровнее, ироничнее. Опасность ловушки есть? Конечно. Опасность не заметить какого-то капкана - есть безусловно. Но тем не менее, этот вызов, это игра, мне интересна. Это игра, которая дает довольно мощный выброс адреналина, а я человек адреналинозависимый.
Еще момент, который важен. Для меня, как и для каждого, кто вырос в этом городе и для кого БДТ столько значил, нынешнее его положение - это такая незаживающая рана. Я пока не очень знаю и понимаю, как относится к ситуации "в" и "вокруг" театра труппа. Я буду это выяснять. Потому что если есть понимание, что перемены нужны, - это одно, если нет — другое. Но в любом случае любые перемены связаны с людьми. Люди — это то, что требует особой бережности. Гораздо легче было бы прийти, вырубить старое и построить все заново. Это было бы удобнее и быстрее. Как, например, это делается в Германии и в любой другой цивилизованной стране — раз в пять лет происходит полная ротация творческого состава: и директора, и худрука, и актеров. И нет никакого стресса. Но такое возможно только при условии тотальной социальной защищенности. Актер в Германии, например, понимает, что он легко может перейти в другой театр, которых множество, и в которых постоянно происходит ротация. Или быть фрилансером, или, на худой конец, получать достаточное для достойной жизни пособие или пенсию. При этом условно провинциальные театры нисколько не отличаются по уровню, качеству и обеспеченности — в том числе и финансовой — от столичных. Самый популярный и престижный театр Германии сейчас - «Талия театр» в Гамбурге, просто потому что туда пришел наиталантливейший режиссер Люк Персиваль с командой, которую привел за собой. Но уже через год (или два, не помню точно) контракт закончится, он уйдет, придут другие. Или можно поехать работать в Швейцарию, Австрию. Всё рядом. Границ нет.
А у нас потеря работы - это не только психологическая травма, это трагедия. Почему у нас человек так болезненно и нервно относится к переменам? Потому что перед нами всегда стоит страх закончить свою жизнь в нищете и забвении. Потому что никаким образом, выходя из профессии, он не видит своего будущего. Никаким! Я видел, как это происходило с моими родителями, в начале 90-х, когда они потеряли почти всё. Вижу, как это происходит с огромным количеством стариков, которые толпами стоят в собесах. Это никак нельзя не учитывать при реформировании, которое должно, обязано (!) произойти. В этом смысле контекст, в котором мы живем (или выживаем), тотальный социальный невроз и напряжение, не позволяют безболезненно менять политику театра. Это одно из основных препятствий, которые стоят на пути радикального решения проблем. Люди! Никакие указы в этом смысле мне не важны.
- Но нужен же какой-то антикризисный проект?
- Вот это слово я не люблю. Нужна художественная программа. Извини, что я опять про Запад, но на Западе такая программа пишется два года: человек формулирует, артикулирует, находит людей, которые будут эту программу обеспечивать — актеров, режиссеров, художников и так далее. Потом он представляет эту программу муниципалитету или министерству, если речь, как в нашем случае, идет о государственном театре; защищает ее наряду с другими программами. Выигрывает или проигрывает конкурс. У меня, как ты понимаешь, было три дня. Ну не три, допустим - неделя. Программы у меня нет. Идеи есть, но программы нет. Я это честно говорю. Для того, чтобы ответственно заявлять, куда и как пойдет театр, мне нужен... ну, год. Тогда я смогу что-то сформулировать, набрав собственную креативную группу, которая могла бы не просто болтать языком: вот, давайте сделаем хороший спектакль!.. Ничего не получится! Первый же спектакль должен в нашем случае быть началом целой программы. Это не может быть «просто спектакль».
- Михаил Чехов, помнишь, говорил, что начинает работу по созданию роли, только когда у него появляется предощущение целого.
- Конечно. Тогда и первый спектакль будет такой или другой. Учитывая все факторы, которые существуют вокруг ситуации с обновлением БДТ, я повторяю: мне нужно время. Время, чтобы разобраться, никому не повредить, наметить будущее. И вот тогда уже, когда будет ясна ситуация и перспектива... Строительство, опять же, надо очень аккуратно довести до конца, чтобы получился не урод, а здание, достойное БДТ. Надо пройти этап создания новой программы. Это параллельно идущие процессы. И только в третью очередь думать о том, что такое реформа — она не может быть без понимания будущего. - Ставил ли ты какие-то условия министру, когда принимал его предложение? - Да, ставил. У меня были радикальные условия. Потом мы, так скажем, нашли компромисс, который всех устроил. А больше комментировать я ничего не хочу, потому что опять поползут какие-нибудь слухи. Я наблюдал, как Фокин руководит театром, но, поскольку в мои цели никогда не входило стать худруком федерального театра, в общем не вполне учился у него, не впитывал этот опыт, занимался совсем другими вещами. Вот про Новую сцену, возглавить которую мне было предложено семь лет назад, про ее формат я все понимаю. Теперь, анализируя предыдущие семь лет, я вспоминаю все поступки Фокина и удивляюсь, насколько они были правильными. И вот сейчас я начинаю у него — постфактум - учиться, думая, как он аккуратно, бережно обходил все рифы, обновляя театр, и в конце концов его обновил.
- То есть, никакой хирургии в самом деле не будет?
- Я еще раз повторю. Главное — это люди. Это моя давняя «телега». Если бы в нашей стране воровали хотя бы на треть меньше, или хотя бы часть денег, которые тратят на оборонку, к примеру, платили пенсионерам, я уверен, ситуация бы изменилась мгновенно. Знаешь, как в Финляндии: мой студент поехал в свою деревню занять денег у своей бабушки. Я конечно не хочу сказать что он только за это ее любит), но…. Главное, что люди там живут и знают, что впереди, в старости, их ждет нормальная жизнь: путешествия и всякие другие радости.
Я это к тому говорю, что необходимо создать ситуацию социальной защищенности людей (насколько это в моих силах), определить художественную стратегию и только тогда можно говорить о реформировании.
Жанна Зарецкая, «Фонтанка.ру»

Марк Анатольевич сидит у столика с лампой в сугубо мужской компании — художник Алексей Кондратьев, режиссер Игорь Фокин, хореограф Сергей Грицай, приглашенный на постановку «Небесных странников» из Петербурга.

Удар гонга. Тревожная музыка. И на сцену выбегает актриса Александра Захарова с длинной меховой горжеткой аж из двух чернобурок и в сопровождении шести молодых мужчин во фраках и котелках. «И почему же мужчины в жизни отказались от этого чудесного головного убора? — думаю я, рассматривая котелки. — Это же так стильно и графично смотрится, особенно в театральном свете».

— Почему, почему они мне перестают нравиться? — нервным, полным беспокойства голосом произносит Захарова. — Почему я хочу их, не хочу, хочу...

Что это за птица, запутавшаяся в своих связях? А мужчины на ступеньках за ее спиной, точно голуби на жердочке, реагируют на ее слова: на птичий манер поворачивают головы, только не воркуют. И тут же решительным шагом входит он — гордый сокол (а может, тетерев, что токует вокруг самки), он же художник Рябовский — белая широкополая шляпа, белый фартук и ведро с подтеками белой краски. Это актер Виктор Раков, а через пару минут на сцену ворвется нелепая особа (огромная шляпа, кожаный саквояж в руках, резкие движения) — Аня Якунина, которая учинит сцену ревности и, уходя, бросит испуганной барышне с чернобуркой: «Падшая! Ну какая же вы падшая!»

Кто есть кто в этой компании, даже если знаешь прекрасные чеховские рассказы, сразу не разберешь. Ведь режиссер Марк Захаров — совсем не любитель буквально следовать за авторским текстом. Он предпочитает все перемешать, перемолоть и выдать свое — яркое, оригинальное и, главное, про сегодняшнюю жизнь. Стаи птиц, запущенные Аристофаном, по сцене не летают, но именно эта комедия, судя по всему, является детонатором всех событий, что случатся на ленкомовской сцене.

В данный момент на ней случились две мужские фигуры, одна крупнее другой — в прямом и переносном смысле: Сергей Степанченко и Александр Балуев. Да, именно Балуев приглашен в «Ленком» на роль доктора Дымова, и именно его Марк Захаров сделал сквозным персонажем в «Небесных странниках». Дымов получается удивительным. В перерыве спрашиваю Балуева:

— Ты редко играешь в театре. Почему согласился прийти в «Ленком»?

— Во-первых, это предложение Марка Анатольевича. Во-вторых, очень неожиданную историю он предложил. Она чем-то личностно меня зацепила, подействовала на меня, что ли.

— Твой герой немногословен.

— Не то слово, еще и сократили мне текст. Но не в этом дело, можно болтать без умолку, толку не будет. Мне интересна эта роль тем, что она не про героического героя, а происходит с обыкновенным человеком — это самое сложное.

И вот на сцене Балуев и Степанченко.

— Ты жене своей веришь? Сомневаешься?

— Она замечательная женщина. Просто ей не сидится на одном месте. Натура такая капризная — летает с места на место.

Словом, попрыгунья — Ольга Ивановна, жена Дымова — как-то незаметно из «Попрыгуньи» уже вплывает в «Черного монаха» с небольшой задержкой на «Хористке». Дамочка остервенело кружится в вихре богемной жизни, не различая, где настоящее, а где фальшь. Ольгу Ивановну играет Саша Захарова, и она единственная участница рабочего процесса, с которой Марк Захаров на «ты». Ко всем же остальным он обращается исключительно на «вы», никогда не повышает голос, но все равно остается тихим диктатором высокого вкуса и качества. Что видно и в исполнении сценической конструкции, в костюмах... Свои режиссерские просьбы заворачивает в мягкую «упаковку»: вроде — «давайте поможем режиссеру, здесь повернемся» или «что-то у нас тут шумновато было, давайте еще добавим энергии».

Я смотрю на него: уже совсем не молодой человек, но три слова, которые он чаще всего употребляет, теже, что и десять, двадцать, тридцать лет назад, — скорость, напряжение, энергия. Наверное, из него, думаю я, фаната скоростного движения, получился бы неплохой гонщик «Формулы-1». В перерыве спрашиваю у Марка Анатольевича:

— Вы когда-нибудь водили машину?

— Никогда, — удивил меня Марк Анатольевич.

Объявляют перерыв. Среди большого количества технарей нахожу Артемия Харлашко — он разработчик декорационного оформления. Парень, видно что измотан, глаза слипаются – работают день и ночь.

— Конструкции с виду вроде бы простые, минимализм сплошной, но у них сложное техническое насыщение. Вы же видите, как все насыщено светом. Собственно, сама декорация является одним большим световым прибором.

— А сколько света задействовано?

— Помимо периферийного в совокупности в декорацию встроено 30 киловатт светодиодных линеек — это очень мощный свет. Да у нас тут километры световых диодов. Управление, коммуникации их — над этим сейчас и работаем.

— Значит, сиять будут ваши «Небесные странники». Это самый сложный с точки зрения технологии ленкомовский спектакль?

— Нет, на сегодняшний день самый сложный у нас «Вишневый сад», он труден в проведении. Там все связано с индивидуальной механикой, созданной специально под этот спектакль. Представьте, стена глубиной 15 метров в первом акте перемещается по всей сцене и выстраивается в разные диагонали. А во втором — она складывается и в конце концов разваливается.

Интересно, что, оставаясь верным приверженцем высокотехнологичного театра, Марк Захаров так и не опустился до экрана и видео на сцене. Сложные рукотворные декорации, фантазийные конструкции — его козырная карта, задающая стиль всей игре. Вдруг огромная шаровая молния влетает на сцену, в бешенстве вспыхивая электрическим разрядом. Звук гонга и музыка, которая рождает невероятный по четкости образ несущегося на огромной скорости поезда. Куда несется? Зачем? И рухнет ли под откос в своем головокружительном полете? Неотвратимость беды разлита в воздухе.

«На горизонте, точно вихрь или смерч, поднимался от земли до неба высокий черный столб. Контуры у него были неясны... Монах в черной одежде, с седою головой и черными бровями, скрестив на груди руки, пронесся мимо... Босые ноги его не касались земли. Уже пронесясь сажени на три, он оглянулся на Коврина, кивнул головой и улыбнулся ему ласково и в то же время лукаво. Но какое бледное, страшно бледное, худое лицо! Опять начиная расти, он пролетел через реку, неслышно ударился о глинистый берег и сосны и, пройдя сквозь них, исчез как дым» — цитата из моего любимого рассказа «Черный монах».

— Марк Анатольевич, почему такой неожиданный гибрид вы выращиваете из древнего грека Аристофана и русского классика Чехова?

— Аристофан — великий отец комедии, а Чехов, он все-таки комедиограф (так он, во всяком случае, себя позиционировал). И птицы Аристофана являются детонатором и контрапунктом. О стиле спектакля могу сказать, что, если соединить все вместе, у нас получается некая фантасмагорическая акция, которая более интересна, чем просто «Попрыгунья», «Хористка» или «Черный монах», которые есть от Чехова. Еще будет «Буревестник» Горького и цитаты из поэзии Пушкина.

Вот такая театральная игра с галлюцинарными элементами. Потому что галлюцинации, по большому счету, входят в душу, становятся смыслом существования, могут преследовать. И почти у каждого человека существует некий параллельный мир, который так или иначе с ним взаимодействует. Порой это доходит до полтергейста, а иногда сопровождается сновидениями, навязчивыми идеями, может быть, даже с легкой неадекватностью, присущей людям небесталанным.

— Почему на роль доктора Дымова вы пригласили именно Александра Балуева?

— Мне показалось, что он воплощение такого положительного человека, на которого можно надеяться. Он несет добро, его организм настроен на умное и доброе начало.

— Ваши герои как птицы. В таком случае наша страна видится таким большим курятником или все-таки развитой европейской птицефабрикой?

— Нет, птицы — это сопутствующий фон, который может атаковать человека, как в фильме Хичкока. Но, с другой стороны, птицы — это и радость. Когда люди смотрят в поднебесье и поют песни, например: «Дывлюсь я на небо, тай думку гадаю…» У всех есть свое представление о вольной и свободной птице. И точно так же есть люди, которые могут гордо и прекрасно прожить свою жизнь, как красивые птицы. Это прежде всего относится к моему герою Дымову: он почувствовал свое христианское предназначение — спасти человека от дифтерита и пожертвовать жизнью, то есть взять боль на себя. Если мы не научимся брать боль человека близкого, и особенно далекого, постороннего, будет беда.

На сцене рядышком сидят экзальтированная дамочка Ольга Ивановна и обыкновенный, без «фишек», доктор Дымов.

— Я так устал, мама, — говорит Дымов. Голос его вроде бы ровный, спокойный, но в нем боль, в нем… да много чего. — Пока ты писала этюды, я защитил диссертацию. Мне предложили приват-доцентуру. Вокруг нас витает боль. Просто я, мама, не могу радоваться всему, чем ты восторгаешься.

На сцену врывается шальная компания. Один, совершенно шизофренического поведения человек по фамилии Чикильдеев (артист Иван Агапов), без удержу палит в пол и воздух, а потом кричит дурным голосом:

— У меня паранойя, шизофрения, психопатия, недержание.

— Манию величия забыли, — напоминает Марк Захаров.

— У меня паранойя, шизофрения, психопатия, мания величия, недержание. Жизнь свою никчемную буду кончать. Здесь! На этом месте!

А черный монах с тоненькими ножками, как ни странно, оказавшийся совершенно безволосым молодым человеком (Дмитрий Гизбрехт), наблюдает за этими человеческими сценками. Что думает? Маленькие, смешные, нелепые суетливые птицы…

материал: Марина Райкина
mk.ru

да, тяжелый актерский труд) а нам, зрителям - это культурный досуг!

«Лента.ру»: Впервые вы обратились к «Братьям Карамазовым» в 1995 году и поставили по роману спектакль, оказавшийся очень успешным. Что из книги вам тогда казалось самым важным для воплощения на сцене?

Борис Эйфман: Я думаю, что и тогда, и сейчас важно было показать общечеловеческие вечные темы, затронутые Достоевским в романе. Тогда, в 1990-е, шел период активной перестройки, переходный момент от социализма к капитализму, оказавшийся для многих очень болезненным. Внутри себя мы несли наследие прошлого и, попытавшись измениться, поняли, что это невозможно. Мы все еще оставались людьми прошлой эпохи, а жизнь предлагала совершенно новые правила. И тема карамазовской наследственности, которой болеют все три брата и которую каждый по-своему преодолевает, тогда стала для меня очень актуальной. Именно ее я старался раскрыть в своем спектакле.

Вторая важная тема — тема всеобщего счастья, благоденствия, к которому должно прийти человечество. В диалоге Алексея и Ивана, в знаменитой легенде о Великом Инквизиторе, она подана совершенно уникальным образом. С одной стороны, есть Иван, предлагающий диктатуру, которая должна объединить слабых людей и дать им «тихое, смиренное счастье». С другой стороны, путь Алексея, говорящего о свободе и свободном выборе, индивидуальном счастье. То есть сталкиваются два вида счастья — общее и личное счастье отдельно взятого свободного человека.

Диалог Ивана и Алексея в 1990-е годы звучал чрезвычайно современно, потому что тогда чувствовалось упоение свободой, но при этом для многих она оборачивалась анархией. Из-за актуальности поднятых проблем спектакль имел сумасшедший успех. Кроме того, он открывал новые возможности балетного театра в познании человеческой души и самых серьезных философских проблем. Могу сказать смело, что балетный театр до «Братьев Карамазовых» никогда не подходил так близко к столь глубоким интеллектуальным темам.

Что-то произошло за 18 лет? Что-то изменилось в вашем отношении к книге и к этим вопросам? Почему вы решили заново взяться за роман?

Я хотел, чтобы спектакль вернулся в репертуар, из которого он, к сожалению, выпал. Когда же я к нему вновь обратился, то увидел: некоторые идеи романа и спектакля можно развить, глубже проанализировать и по-другому подать. В 1995 году у меня не было того опыта, который я приобрел за это время. Сейчас же ко мне пришло новое понимание большой литературы. Я отчетливо увидел, что не стоял на месте, а развивался сам и развивал свой хореографический метод. И мне захотелось, чтобы спектакль «Карамазовы» соответствовал тем сценическим возможностям (в том числе техническим), которые сегодня доступны моему театру. Мне кажется, новый балет больше отвечает моему внутреннему восприятию искусства танца и современной ситуации в стране.

Вы говорили, что своим спектаклем ставите диагноз нашему обществу, его прошлому и настоящему. Что-то изменилось в стране, что дало вам возможность по-другому взглянуть на текст?

Искусство балета — невербальное искусство, использующее исключительно язык тела. Есть вещи, которые невозможно объяснить словами. Но если все же попытаться это сделать, то можно сказать, что в спектакле «По ту сторону греха» я постарался заглянуть в душу каждого героя.

Первая версия несла скорее обобщенный взгляд на Карамазовых. В новой работе дан индивидуальный подход к каждому герою, ведь за прошедшие годы значение личности как таковой многократно возросло. В спектакле мы погружаемся в мир каждого из главных персонажей, в их размышления, поиски бога (как абсолютного начала, верховного источника истины и морали) внутри себя. Наверное, стремление обрести самого себя в свободном мире и выстроить в нем свою жизнь по неким высшим законам — это и есть самый важный путь, который должен пройти каждый. Мне кажется, именно на этих философских аспектах сделаны акценты в новом спектакле.

Как вы в своем балете интерпретируете роль Карамазова-отца?

У Достоевского есть фраза: «Тут дьявол с Богом борется, а поле битвы — сердца людей». Действительно, внутри каждого человека идет противостояние между светом и тьмой. И Федор Павлович Карамазов, с одной стороны, — отец «семейки», а с другой — олицетворение дьявольской пречерной силы, заложенной внутри каждого из нас. Частица добра и частица зла даны всем Карамазовым. Последующая борьба каждого из них несет либо освобождение от темного, греховного начала либо, наоборот, погружение в него. Старший Карамазов — символ дьявольского рока, с которым мы рождаемся и которому противостоим каждый по-своему.

В новой постановке вы сократили количество главных героев (их осталось пять: отец, три брата и Грушенька ) и отказались от многих сюжетных линий. В частности, в балете нет Смердякова, важного и для сюжета романа, и для воплощения той самой «злой, порочной» наследственности. Кто берет на себя его функцию?

Я не иллюстрировал роман Достоевского, а создал самоценное произведение искусства. Поэтому я не стремился изобразить всех героев и все сюжетные линии. Для меня очень важен следующий момент: три брата символизируют душу, разум и тело человека. И мне было достаточно такой триады: душа — это Алексей, ум — Иван, а Дмитрий — то бренное тело, которое мечется между Богом и дьяволом. Но вместе с тем в некоторых эпизодах спектакля благодаря гениальной музыке Рахманинова три брата образуют единое целое. Создается гармония, о которой мы можем только мечтать. Гармония как идеал, к которому человек должен стремиться.

Какая сцена спектакля для вас является ключевой?

Я оставляю зрителям право ответа на вопрос о ключевой сцене новой постановки. Могу сказать, что в этом балете много принципиально важных эпизодов и каждый из них работает на драматургию и философское содержание спектакля. В постановке немало инфернальных сцен и фрагментов, несущих духовный смысл. Для меня важнее те эпизоды, которые связаны с поиском героями самих себя. Человек, пришедший в этот бренный мир, с одной стороны, является его частицей, а с другой стороны, он — индивидуум, ищущий свой путь к истине.

В новом спектакле будет та же музыка, что и в первом, или вы что-то изменили?

Композиторы остались прежние — Рахманинов, Мусоргский, Вагнер. Но музыка частично изменена, дополнена другими произведениями.

Как новые технические возможности театра позволили изменить облик спектакля?

Театральные, сценические технологии развиваются не менее стремительно, чем, к примеру, компьютерная отрасль. И сегодня, конечно, техническая сторона нашего старого спектакля — перенеси мы ее в свежую постановку без каких-либо изменений — смотрелась бы архаично. Для балета «По ту сторону греха» специально были созданы новые декорации и новое световое оформление.

Насколько хореография новых «Карамазовых» перекликается с первым спектаклем?

Если сравнивать два пластических прочтения романа Достоевского, то пересечений очень мало. Балет «По ту сторону греха» содержит на 90 процентов новую хореографию. В действие спектакля, кроме того, введены персонажи и образы, которых не было в версии 1995 года.

Для балета «По ту сторону греха» театральный художник Вячеслав Окунев изготовил эффектные и замысловатые декорации. Их основу составляет минималистичная конструкция с винтовой лестницей посередине. Трансформируясь на протяжении спектакля, декорации превращаются то в кабак, то в тюрьму, то в церковь.
Вы не раз обращались к произведениям Достоевского, ставили «Идиота» — его особый психологизм созвучен вашему «психологическому балету». А как читатель вы могли бы назвать Достоевского своим любимым писателем? Чем он интересен для вас прежде всего?

Достоевский — писатель, который сопутствует интеллигентному человеку на протяжении всей жизни. Когда я был моложе, то стремился познать Достоевского, понять его. Более того, творчество этого автора стало для меня учебником мудрости, открывающим многие важные смыслы. Только познав Достоевского, ты мог познать истину. Сейчас я немного по-другому подхожу к его творчеству. Может быть, оттого что у Достоевского очень трагическое мировосприятие. Удивительная вещь: с одной стороны, его тексты — это едва ли не бульварные романы с детективной подоплекой, с другой стороны, мы видим в них невероятное сплетение великих идей, ярчайших чувств, страданий. В этот мир бесконечных «надрывов» ты не всегда способен войти. Я понимаю тех зрителей, которые боятся смотреть мои спектакли, не желая погружаться в стихию страданий. Но в жизни бывают моменты, когда просто необходимо вновь соприкоснуться с чем-то сокровенным. Ведь Достоевский — абсолютно настоящий. Сегодня мы существуем среди мишуры и подделок, а он — живой. И когда соприкасаешься с подлинным, то приближаешься к истине.

Разговор о нравственном поиске как одной из тем романа невольно заставляет задуматься об облике современного общества. Как вам кажется, сейчас можно говорить о некоем нравственном кризисе? Вы чувствуете его или нет?

Это большая проблема. Моему сыну 18 лет, и мы пытаемся сохранить контакт не только в форме внешних обязательств, но и на внутреннем, духовном уровне. Но скажу откровенно: он человек с другой планеты. У меня тоже были разногласия с отцом, мы по-разному воспринимали одни и те же вещи, но мы ощущали себя схожими людьми. А я со своим сыном будто бы из разных миров. Это самое печальное. Думаю, главная драма нашего общества кроется в принципиальных различиях между поколениями. Люди старшего возраста еще впитали в себя ту великую культуру, получили образование и восприняли понятия добра и зла, которые раньше были присущи нашей стране. А есть новое поколение, родившееся в последние двадцать лет. Они были оторваны от той устоявшейся ценностной системы и выросли в другом измерении. Если мы сейчас не сможем реанимировать связь времен, передать детям духовные и культурные ценности, то в конце концов получим абсолютно неузнаваемую страну. И другую нацию. Не думаю, что она окажется лучше предыдущей. Преемственность — очень важный момент. Я действительно обеспокоен тем, что мы можем утратить идентичность и самобытность нашей страны. То, что всегда нас отличало, — культуру и благородство.

Осенью 2013 года откроется ваша Академия танца, и, как я теперь понимаю, этот образовательный проект будет посвящен не только самому танцу, но и культуре в целом.

В масштабах страны моя Академия — это капля в море, но, с другой стороны, в каждой капле отражается океан. Я думаю, если у нас получится сохранить связь между поколениями, то это будет важной победой. Тем более наша программа предполагает привлечение к обучению детей-сирот, детей из малообеспеченных семей. Если мы сумеем воспитать из них не только танцовщиков, но и личности, деятелей культуры, дадим им возможность прожить счастливую творческую жизнь, то сделаем большое дело. Академия — это лишь начало. В масштабах страны нужно думать о том, как поднять престиж всей отечественной культуры.

Какого возраста дети смогут учиться в вашей Академии? И кого вы планируете там готовить? Вы говорили о создании нового универсального типа актера — что это такое?

В Академии будут два основных потока. На первый мы, как и в остальных хореографических школах, принимаем детей 10-11 лет. По окончании обучения они получат квалификацию «Артист балета». Второе направление — экспериментальное. Мы отберем одаренных детей семилетнего возраста и первые годы будем работать исключительно над их духовным развитием, формированием у учеников творческого мировосприятия. Если раскрыть в воспитанниках Академии заложенный в них созидательный потенциал, то мы сможем вырастить не только универсальных танцовщиков (а это, в моем понимании, те, кто способен воплотить на сцене самые амбиционные замыслы хореографа), но и подлинных лидеров художественной среды.

Вы очень много ставите русскую классику, занимаетесь психологическим танцем, кажется, что вы очень русский хореограф. А кто-то из западных хореографов оказал на вас сильное влияние?

По молодости я смотрел спектакли многих хореографов, и западных в том числе. Но считаю, что все же самое большое влияние на меня оказали два советских мастера — Юрий Григорович и Леонид Якобсон. У первого я учился конструированию драматургической формы спектакля. У второго — свободе импровизационного мышления.

Световое оформление спектакля выполнено с помощью светодиодного оборудования. «По ту сторону греха» — первая постановка в репертуаре Санкт-Петербургского Академического театра балета, световая партитура которой целиком обеспечена современными приборами подобного уровня.
Ваш театр, как любой авторский театр, связан с вашим именем. Скажите, кого вы считаете своими главными соратниками?

Своих артистов, которые вместе со мной создают мои спектакли, и свою семью, которая дает мне душевные силы.

А вы могли бы сказать, что артисты — ваши последователи?

Нет, не думаю. Смотрите: хореограф — это человек, который полон творческих идей. Без артистов он не может реализовать себя и свои замыслы. Хореограф зависим от труппы. Если бы у меня не было моих артистов, я бы просто задохнулся от того количества идей, которые у меня возникают. Не было бы ни театра, ни спектаклей, ни меня как творческой личности. Поэтому, конечно, моя семья и мои артисты — это мои соратники. Конечно, в каждой семье бывают сложности, но это уже вторично. Первично то, что мы — единый творческий организм и мы творим настоящее искусство.

Последний год в Петербурге выдался скандальным в области современного искусства — постоянные жалобы на выставки и даже театральные постановки. Люди от искусства чувствуют давление, и кажется, что атмосфера в городе изменилась. У вас есть такое ощущение?

Я лично ничего подобного не чувствую, потому что работаю в своем замкнутом пространстве. Наоборот, я ощущаю всестороннюю поддержку и понимаю, что абсолютно свободен в творчестве. Безусловно, происходят определенные события, которые ранее не наблюдались. Но мне кажется, это отдельные и временные явления, на основании которых не стоит делать глобальных выводов. Просто подул такой ветер, но он пройдет — и опять наступит солнечная погода. Я в этом убежден. Запреты и давление не присущи духу и стилю нашего города, они вне традиций Петербурга — одного из самых креативных мест, если судить по количеству живших здесь гениев.
Беседовала Татьяна Ершова
lenta.ru

Представитель театра подчеркнул, что одной из важных мер борьбы со спекулянтами будет еще одно нововведение: билеты с исправлениями, наклейками и другими изменениями с 1 июня считаются недействительными и возврату не подлежат.

"Ни для кого не секрет, что дешевые билеты, на которых указана их реальная стоимость, часто продаются гораздо дороже, - пояснил представитель пресс-службы. - При этом перекупщики обманывают зрителей: цена замазывается или заклеивается стикером, на котором пишется уже другая цена, во много раз превышающая изначальную. С 1 июня посетить Большой театр по такому билету будет невозможно, сдать его в кассу тоже будет нельзя".

Билеты теперь будут двух образцов - с указанными личными данными покупателя и без них.

Как и прежде, предварительная продажа будет осуществляться за три месяца согласно графику. В первый день предварительной продажи с 11.00 до 15.00 часов билеты в кассах Большого театра будут реализовываться по предъявлению документа, удостоверяющего личность - не более двух в одни руки. В билете, напечатанном на бланке специального образца, будут указываться фамилия покупателя и номер документа.

"С 11:00 до 15:00 часов билеты будут продаваться в первую очередь льготным категориям граждан и лицам, изъявившим желание лично посетить выбранный спектакль, - пояснил представитель пресс-службы. - При входе по этим билетам в театр контролеры будут иметь право проверить документ и его соответствие данным, указанным на билете. Это сделано для того, чтобы билеты с индивидуальными данными нельзя было перепродать".

С 16:00 часов оставшиеся от предварительной продажи билеты поступят в свободную продажу. Их, уже без предъявления документа, можно будет приобрести в кассах театра, через интернет, в городских театральных кассах и агентствах.
news.ru

Вполне возможно.Если цена вопроса для вас несущественна.

Роберт Стуруа и московский театр
Как известно, ровно два года назад в судьбе знаменитого режиссера случился крутой поворот. 17 августа 2011 года он был освобожден с поста художественного руководителя Тбилисского государственного академического театра имени Шота Руставели, где служит уже более полувека. Официальная версия смещения с должности - "за ксенофобские высказывания". Однако сам режиссер уверен, что причиной его увольнения явились политические разногласия с руководством страны. И тогда братскую руку помощи протянул грузинскому другу Московский театр "Эт Сетера", предложив должность главного режиссера.
Теперь в Грузии ситуация во многом изменилась. В январе нынешнего года Роберт Стуруа был восстановлен в своем родном театре имени Шота Руставели, причем, в той должности, которой хотел, - управляющего театром. Кроме того, в июне он открыл в Тбилиси и собственный театр, который называется "Фабрика". Его подарил выдающемуся режиссеру премьер-министр Грузии Бидзина Иванишвили. Первой премьерой на новой площадке стал спектакль "Мария Каллас. Урок", который имел оглушительный успех.
В понедельник же, представ перед творческим коллективом Московского театра "Эт Сетера", Роберт Стуруа сказал: "Когда меня изгнали из Грузии, ваш театр приютил меня в Москве. Сейчас меня возвратили в родной театр, и я оказался в двусмысленной ситуации. Но что я могу сказать точно: я очень люблю артиста Александра Калягина и люблю артистов театра "Эт Сетера", и потому я здесь ставил и буду ставить всегда".
Александр Калягин возмутился, что Роберт Робертович вновь повторил слово "приютили". "Ты в этом театре главный режиссер, есть и будешь. И ни одно художественное решение не будет принято без тебя", - заверил Калягин. А в подтверждение своих слов объявил, что первой премьерой нового сезона, которая намечена на начало декабря, станет "Комедия ошибок" Шекспира в постановке Роберта Стуруа.
Репертуар "Et Cetera"
Что касается других планов, то и они практически полностью сформированы. Так, в январе Екатерина Гранитова поставит спектакль-концерт "Импровизации на тему любви". Основатель Студии "SounDrama" Владимир Панков обратится к "Утиной охоте" Александра Вампилова. Актер и режиссер театра "Эт Сетера" Владимир Скворцов представит свою версию володинской "Старшей сестры".
В качестве режиссера выступит и сам Александр Калягин - он поставит спектакль "Винтовка Мосина" по пьесе современного драматурга Александра Архипова. Молодой режиссер Глеб Черепанов выпустит "Птиц" Аристофана. А вот всемирно известный Петер Штайн, который впервые поработает в "Эт Сетера", пьесу для постановки пока не выбрал. Но, как заверил Калягин, контракт со знаменитым немецким режиссером уже подписан, осталось лишь определиться с литературным материалом.
В общем, сезон обещает быть очень насыщенным. Причем, играть "Эт Сетера" будет не только в Москве. В сентябре труппа отправится на ставшие уже традиционными гастроли в Одессу. На сей раз повезут два спектакля: "Надежда, вера и любовь..." и "Морфий". В апреле намечен визит в Иркутск. Также поступили приглашения побывать в Баку и Астане. Правда, репертуар этих гастролей еще обсуждается. А в июне "Эт Сетера" поедет в Лондон на торжества, посвященные 450-летию Шекспира, где покажет последнюю пьесу великого британца - "Бурю", которой сегодня откроет новый сезон в Москве.
ИТАР-ТАСС

"В планах Урина (Владимир Урин - новый гендиректор ГАБТ) - начать продавать какое-то количество социальных билетов - дешевых, от 100 рублей, на верхние ярусы. Также предполагается появление в календаре ГАБТ нескольких дней, когда билеты будут реализовываться не в розницу, а будут распространяться социальными учреждениями по сильно сниженным ценам", - заявил Мединский агентству.

Министр считает, что новая билетная политика откроет театр малоимущим слоям населения. "Это позволит открыть доступ в театр тем категориям населения, кто не может сейчас себе позволить билет в Большой театр", - подчеркнул чиновник.

Он также уверен, что механически снижать цены на билеты в Большой театр нельзя.

"Просто опустить цены на билеты - это означает не только лишить Большой театр определенного заработка, но и еще больше активизировать спекулянтов. Спрос-то большой - пустых мест в партере не бывает. Зачем нам кормить спекулянтов? Необходима более гибкая система распространения билетов", - отметил министр культуры.
news.ru

Новая постановка, основанная на четырех рассказах писателя из цикла "Темные аллеи", родилась из самостоятельных работ молодых артистов, выпускников второго набора стажерской студии "Мастерской".

Автор инсценировки, режиссер и исполнитель одной из центральных ролей Юрий Титов тоже выпускник стажерской студии театра. Художник спектакля Валентина Останькович - выпускница мастерской Евгения Каменьковича (ныне худрук театра) и Дмитрия Крымова в ГИТИСе, обладательница специального приза жюри премии "Золотая Маска". "Последние свидания" стали второй работой в рамках недавно созданного в "Мастерской" направления "Пробы и ошибки", которое открылось спектаклем "Египетская марка" по Мандельштаму. Новый спектакль рассказывает о любви - чистой, сильной, прошедшей испытание временем и оставшейся в памяти героев спустя многие годы.

"Мы все, кто участвует в этой инсценировке, - молодые, и нам, наверное, особенно близки эти чувства, первая любовь, и свой небольшой в этом смысле опыт, свои переживания, радостные и грустные, мы старались привнести в свои работы, воплотить в своих героях", - сказал агентству Титов.

По его словам, идея создать спектакль по Бунину принадлежала Петру Наумовичу Фоменко, который всегда говорил, что в репертуаре театра должен быть этот писатель. "Я, размышляя над тем, какую работу сделать в рамках цикла "Пробы и ошибки", вначале предложил бунинский рассказ "Генрих" из цикла "Темные аллеи", потом добавил "Мадрид", а затем и вовсе решил создать композицию по "Темным аллеям". Так были включены еще два - "Натали" и "Речной трактир", - пояснил Титов.

"Я всегда думаю о зрителях, которые решили посвятить свое время театру и пришли вечером после работы на наш спектакль. И нельзя обмануть их ожидания, - сказал Титов. - Театр должен говорить о важных человеческих ценностях, о том, что касается и волнует всех и каждого, и, конечно, любовь - главная ценность. Ею надо дорожить, не терять, сохранять - об этом, собственно, и наш спектакль "Последние свидания".
news.ru

Стуруа - один из всемирно признанных театральных интерпретаторов Шекспира. Он ставил произведения великого барда многократно - и в России, и в Грузии, и даже на родине английского классика, где его постановка "Гамлета" 1992 года была включена в десятку лучших сценических версий этой пьесы в мире за полвека.

"С Шекспиром у меня получается, как с женой, от которой уходишь, а потом все равно возвращаешься", - шутит режиссер.

"Комедию ошибок" он уже ставил однажды в Национальном театре Финляндии и считает тот спектакль очень удачным. Но взявшись вновь за "Комедию ошибок", мастер обещает не повториться.

Согласно сюжету пьесы, ее действие разворачивается в Эфесе, где волей веселого случая или трагической судьбы сходятся два отпрыска богатой купеческой семьи, похожие друг на друга как две капли воды, и еще пара близнецов - их слуг, тоже не отличимых друг от друга. События сведены в один день, и за ними буквально невозможно уследить. Каждую секунду что-то происходит, путаница доведена до абсурда, и вереница розыгрышей бесконечна. Но, как считает Роберт Стуруа, "в самой незамысловатой шекспировской комедии всегда заложены значительные мысли".

Над новым спектаклем он работает вместе со своими постоянными соавторами - художником Георгием Алекси-Месхишвили и композитором Гией Канчели. В спектакле заняты все три поколения актеров Театра "Et Cetera". В главной роли заслуженный артист России Владимир Скворцов.

"Комедия ошибок" станет третьей шекспировской постановкой Стуруа на сцене московского "Et Cetera". Первым много лет назад был "Шейлок". Потом - "Буря" с Александром Калягиным в главной роли. Кстати, именно этот спектакль "Et Cetera" в июне будущего года сыграет в Лондоне в рамках торжеств, приуроченных к 450-летнему юбилею Шекспира.

news.ru